具体描述
With the popularity of digital photography growing by leaps and bounds over the last decade, some say film has been dying a slow death ever since-or is already dead. The reality is that film has never gone away, and in recent years has experienced a surging, renewed popularity-sometimes simply for its retro, analog status, but mostly for film's ability to create a look and feel that many believe digital can still not achieve. If anyone can attest to this, it's Utah photographer Jonathan Canlas, who exclusively shoots with film, and has both an extremely successful wedding photography business as well as a series of popular workshops held numerous times per year around the world. In Film Is Not Dead: A Digital Photographer's Guide to Shooting Film, Canlas teams up with co-author Kristen Kalp to open the doors for anyone who wants to begin-or return to-shooting film. Casual, irreverent, fun, inspiring, and beautiful, this unique 10x8 hardcover book teaches the reader the basics of film, cameras, and shooting in this medium. Whether it's discussing the different tone and color characteristics of different films (Kodak, Fuji, etc.) , how to load a medium-format camera back, how to create proper exposures, how and where to get film processed, or how Jonathan uses fun, plastic cameras like the Holga in his commercial and personal work, Film Is Not Dead appeals to anyone who is searching to finally begin creating that film look, but until now hasn't known where to start.
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读后感
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用户评价
**《数字洪流下的胶片挽歌：媒介变迁与审美断裂》** 这部作品的视角极为独特，它避开了主流媒体对“技术进步”的盲目歌颂，转而深入探讨了媒介载体更迭对人类感知结构带来的深层影响。作者的论证逻辑严密得像一场法庭辩论，他用历史的纵深感，追溯了从银盐到像素，再到如今的虚拟现实（VR）对我们观看习惯的“重塑”。他提出的“信息密度”与“时间停滞感”之间的关系，对我触动极大——胶片记录下的时间是物理性的、不可磨灭的“印记”，而数字信息则是易逝的、可被无限覆盖和修改的“代码”。书中对高帧率、超清晰度影像的批评尤其尖锐，他认为过度清晰反而剥夺了想象的空间，让画面失去了“必要的模糊性”——那种模糊，恰恰是观众进行情感投射和意义构建的温床。全书充满了对“可见性伦理”的拷问，逼迫读者去思考，我们正在牺牲多少对真实世界微妙性的捕捉，来换取眼前的便利和廉价的刺激。这是一本充满挑战性的理论著作，读完后你会对下一部要看的电影产生强烈的疑虑和审视。
评分**《异域的凝视：非西方电影的文化解码》** 这本书提供了一次极为宝贵的、跳出好莱坞叙事框架的文化旅行。作者的笔触细腻而充满同理心，他没有采用西方中心主义的傲慢视角去“评判”他国电影，而是选择深入当地的社会肌理、宗教信仰和家庭结构中去理解电影语言的形成。他成功地解构了那些看似晦涩难懂的东方美学，比如日本电影中“物哀”的情感内核，或是伊朗电影中对“不可见之物”的执着描绘，解释了为什么在特定的文化语境下，沉默比对白更具力量，留白比填充更显深度。我特别喜欢他对比不同文化中“英雄”形象构建的章节，那种差异性的展现，让我意识到我们平日里接受的叙事原型是多么的具有地域局限性。这本书的文字流畅，充满了异国情调的描述，读起来像一本精彩的游记，但其学术深度又绝不含糊。它真正拓宽了我对“电影是什么”的定义，让我明白，好的电影是文化的载体，而非单纯的娱乐产品。
评分**《镜头之外的低语：一个电影制作人的自白录》** 坦白说，我原本以为这是一本矫揉造作、充满了空洞抒情的“艺术家的自我感动”之作，但事实证明，我大错特错了。作者的文字风格极其凌厉、克制，充满了知识分子的冷峻和对工业流程近乎苛刻的解剖。他并没有过多谈论那些宏大叙事，而是聚焦于拍摄现场那些微小到可以忽略不计的决定——为什么选择这个焦距的镜头，为什么让演员站在那个特定的位置，以及这些选择背后所隐藏的心理学博弈。他用一种近乎工程师的精准，拆解了叙事的骨架，让我们看到艺术是如何从一堆看似杂乱无章的素材中被“锻造”出来的。书中的许多案例分析，都取材于他个人的第一手经验，那些关于预算削减、演员失控、天气突变下的即兴处理，读起来紧张刺激，如同在看一部悬疑片。最精彩的部分在于他对“失败”的讨论，他认为很多伟大的瞬间恰恰诞生于计划的彻底瓦解，而如何驾驭这种失控，才是真正考验一个创作者功力的地方。这本书的价值，在于它提供了一种实用的、可操作的思维框架，让你从一个单纯的观众，升级为一个懂得“幕后逻辑”的观察者。
评分**《光影回响：电影的永恒魅力》** 这本书简直是为每一个热爱胶片质感、沉迷于导演调度和布景灯光的影迷量身定做的百科全书。作者以一种近乎朝圣者的虔诚态度，深入剖析了那些定义了电影艺术的黄金时代。他不仅仅是在罗列经典影片的名字，而是巧妙地将那些褪色的老照片和泛黄的剧本片段，通过文字的魔力重新镀上了一层光彩。阅读过程中，我仿佛能闻到老式放映机散发出的热量和机油味，耳边回荡着默片时代独有的钢琴伴奏。尤其让我震撼的是他对早期好莱坞制片厂制度下，那些被体制化但又迸发出惊人创造力的幕后英雄们的细致描摹。他对光影的运用、景深的处理，甚至是对摄影机运动轨迹的哲学思考，都达到了令人拍案叫绝的深度。这不是一本轻松的读物，它需要你带着敬畏之心去品味，去重新审视那些我们习以为常的电影语言是如何一步步建立起来的。读完后，我立刻冲动地去重温了《公民凯恩》，那些曾经只停留在理论分析层面的东西，此刻仿佛都活了过来，变得鲜活而具体。这本书成功地唤醒了我对电影本体论最初的迷恋，那种“电影之魅”的纯粹力量，绝对值得反复咀嚼。
评分**《默片时代的幕后黑手：声音、节奏与身体语言的舞蹈》** 这是一本极其生动有趣的历史考察，它将我们带回了那个没有对白的日子，但那绝不是一个安静的时代。作者极其擅长捕捉细节的趣味性，他描绘了现场配乐师如何根据银幕上演员的微小动作来即兴发挥，从古典乐章到滑稽的音效，那简直是一场即时创作的交响乐。书中对早期明星的身体训练和面部表情的解析，尤为精彩，他们是如何用眉毛、嘴角和肢体语言来传达复杂情感的？这种“高强度的表达需求”如何反过来影响了后来的有声电影表演模式？作者通过大量的档案照片和行业轶事，还原了当时影院作为社区中心的社会功能，那里不仅是看电影的地方，更是社交、八卦和集体情感释放的场所。这本书的叙事节奏感极佳，如同默片般紧凑，充满了活力。它让我们意识到，声音的出现，固然带来了便利，但也无形中阉割了表演的张力，让那种纯粹依靠眼神交流就能引发观众共鸣的时代，成为了永恒的传奇。这是一次对“感官革命”前夜的深度探访。
评分前言里作者说不如去Google，我以为他在谦虚，读完之后我发现他真的很诚恳，确实不如去Google.
评分有一小部分讲了600SE和Instax，讲的很没意思
评分my first book about photography....
评分前言里作者说不如去Google，我以为他在谦虚，读完之后我发现他真的很诚恳，确实不如去Google.
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