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页数:183

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出版时间:2011-10

价格:46.80元

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isbn号码:9787515302782

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• 电影
• 剪辑
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• 行业指南

《光影织梦：视觉叙事的艺术与技巧》 这是一本深度探索电影、电视剧以及其他视觉媒介中画面构建的专业书籍。它将带领读者穿越光影的海洋，理解每一个镜头如何成为讲故事的基石，以及如何通过精妙的构图、色彩、运动和节奏，在观众心中编织出扣人心弦的情感与叙事。 本书并非仅仅罗列技术术语，而是着眼于“为什么”和“如何”——为何要选择这样的景别？为何要让镜头如此运动？为何要偏爱这般的色彩？它将深入剖析导演、摄影指导以及剪辑师在创作过程中所做的每一个关键决策背后的艺术考量与技术实现。 第一部分：构建视觉语言的基石——画面构成与调度 构图的魔力： 从经典的三分法、黄金分割，到更具现代感的对称、失衡、留白，本书将详尽解析各类构图法则的视觉心理学原理及其在叙事中的应用。我们将学习如何利用前景、中景、后景的层次感，以及引导线、对角线等元素，引导观众的视线，强化画面的冲击力与信息传达效率。每一张静态画面都是一个故事的凝固，本書將教你如何解讀和創造這種視覺力量。 景别的哲学： 特写镜头如何放大情感？全景如何展示宏大场面？中景又如何在客观与主观之间找到平衡？本书将系统梳理从远景到极特写的所有景别，并结合大量经典案例，分析不同景别在揭示人物状态、营造氛围、推动剧情发展中的独特作用。我们将理解，景别的选择绝非偶然，而是对角色内心世界和故事走向的直接表达。 色彩的语言： 色彩不仅是视觉的装饰，更是情感的调色板。本书将深入探讨色彩心理学在电影中的应用，分析暖色调、冷色调、互补色、对比色等如何影响观众的情绪，以及特定色彩组合如何象征人物性格、主题思想或叙事阶段。我们将学习如何通过灯光和后期调色，为画面赋予深邃的含义，让色彩成为无声的叙事者。 运动的诗意： 镜头运动——推、拉、摇、移、跟、升、降——不仅仅是技术的展示，更是叙事情绪的延伸。本书将深入分析不同运动方式所传达的潜台词，例如缓慢的推轨如何营造紧张感，快速的摇摄如何捕捉混乱场面，以及固定镜头如何给予观众审视的空间。我们将学习如何利用镜头运动来引导视线、制造悬念、表现人物的内心状态，让画面“活”起来，与故事一同呼吸。 空间与时间： 画面如何定义空间？如何暗示时间流逝？本书将探讨镜头调度与场景设计的关系，分析如何通过景深、焦点、遮挡等手段，营造空间的层次感与真实感，以及如何通过光影变化、季节更替等视觉线索，巧妙地表现时间的推移。我们将理解，画面是构建虚拟世界的基本砖石，而空间与时间则是构建这一切的核心要素。 第二部分：光影的叙事魔术——摄影与灯光的艺术 灯光设计的原则： 从三点布光到复杂的多光源运用，本书将系统讲解电影灯光设计的核心原则。我们将学习如何利用主光、辅光、轮廓光、背景光等，塑造人物的面部表情，烘托场景的氛围，甚至成为叙事的隐喻。理解不同灯光方向、强度和色温对画面质感的影响，将是掌握光影叙事的关键。 自然光与人工光的交织： 如何巧妙利用自然光，或以人工光模仿自然光，营造出特定的情感基调？本书将分析自然光的特点及其在不同时间、季节下的变化，并讲解如何通过反光板、柔光罩等工具，驯服和利用自然光。同时，也将探讨人工光的优势，以及如何通过精心设计的人工光源，创造出超现实或高度风格化的视觉效果。 阴影的戏剧性： 阴影并非空无，而是充满力量的叙事元素。本书将深入挖掘阴影在表现人物内心冲突、营造悬念、暗示未知危险等方面的巨大潜力。我们将学习如何通过大面积的阴影、对比强烈的明暗关系，为画面注入戏剧张力，让观众在黑暗中感受到更多信息。 摄影机的语言： 摄影机不仅是记录者，更是观察者与表达者。本书将剖析不同焦距镜头（广角、标准、长焦）的视觉特性及其在叙事中的应用。我们将学习如何运用景深控制来引导观众的注意力，如何通过焦点转移来制造惊喜与暗示，以及如何通过特殊的摄影机角度（低角度、高角度、荷兰角）来赋予画面特定的象征意义。 第三部分：动与静的交响——剪辑的节奏与情感 剪辑的逻辑与节奏： 剪辑是赋予影像生命力的手术。本书将深入解析叙事剪辑、蒙太奇、交叉剪辑等多种剪辑手法，分析它们在连接镜头、塑造节奏、表达情感、制造悬念等方面的作用。我们将学习如何通过剪辑点的选择，来控制叙事的张弛有度，如何运用长镜头与短镜头组合，来营造不同的观影体验。 情感的催化剂： 剪辑并非简单的画面堆砌，而是情感的催化剂。本书将探讨如何通过剪辑的节奏变化、画面顺序的安排、声音与画面的配合，来精准地调动观众的情绪，从紧张、焦虑到悲伤、喜悦。我们将学习如何让剪辑成为潜移默化的情感引导者。 叙事的重塑： 镜头语言是素材，而剪辑则是艺术家。本书将揭示剪辑如何在二次创作中重塑叙事，如何通过精妙的编排，赋予原本独立的镜头全新的意义和联系。我们将理解，同一个素材，在不同的剪辑师手中，可以呈现出截然不同的故事。 声音与画面的协同： 声音是画面的灵魂伴侣。本书将探讨背景音乐、音效、对白等声音元素在剪辑中的重要作用，分析如何通过声音与画面的精准配合，强化画面的感染力，引导观众的理解，并最终完成整体的情感传达。 《光影织梦：视觉叙事的艺术与技巧》不仅仅是一本教程，更是一次对电影语言深度探索的旅程。它适合所有对视觉叙事充满热情、希望提升自身创作能力，或是希望更深刻理解电影艺术的读者。本书将帮助你拨开层层迷雾，真正领略光影如何汇聚成梦，故事如何通过画面得以永恒。

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说实话，我原本对这种偏向技术性的读物抱持着怀疑态度，总觉得市面上太多充斥着过时的软件操作指南，但这本书给我的感觉完全不同。它仿佛超越了具体的软件版本，直指“影像思维”的核心。比如，我特别欣赏其中关于“留白”艺术的探讨，作者用了很多篇幅来解析为什么有时“不剪”比“剪”更有力量，这需要极其深厚的功底和对观众心理的精准把握。书中的案例分析，虽然我无法一一在脑中复现出那些具体的电影片段，但那种对“为什么这么剪”的深入剖析，让我对以往观看电影时的某些疑惑豁然开朗。它教会我不再仅仅是被动接受信息，而是开始主动去“阅读”画面——去探究每一个镜头切换背后的意图、每一个时长选择所蕴含的情感张力。这种阅读过程本身，就是一次对自我审美体系的重塑。我感觉自己像是在攀登一座知识的高峰，虽然过程有点吃力，但每当突破一个层次，视野就会开阔一倍。

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我花了几个周末的时间来研读，发现作者在行文的节奏感上，也似乎在不自觉地模仿着优秀的剪辑作品。时而节奏明快，几句话点出核心要义，让人精神一振；时而娓娓道来，深入剖析一个细微的转场技巧，让人沉下心来细细品味。这种张弛有度的叙事策略，让长时间的阅读也不会产生疲劳感。我尤其喜欢其中关于“声音设计与画面剪辑的互文关系”的章节，这部分内容很少在入门书籍中被如此详尽地提及。作者强调，画面是骨架，声音才是血肉，两者必须共舞。虽然我不是专门做混音的，但了解了这种深层联系后，我在审视自己作品时，都会不自觉地更加注重声音的配合度，开始用一种“整体艺术”的眼光去看待后期制作，而不再是孤立地处理画面。这本书真正做到了触类旁通，将后期制作视作一门综合的艺术。

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这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，那种光影的拿捏，色彩的碰撞，让人忍不住想立刻翻开它，看看里面到底藏着怎样的魔法。我原本以为这会是一本枯燥的理论书籍，毕竟“画面编辑”听起来就挺学术的。但一拿到手，那种纸张的质感，墨水的清香，都透露着一股精心打磨的匠心。我特别留意了字体和版式的选择，它们非常流畅，阅读起来毫不费力，甚至在某些章节，文字的排布本身就像一首无声的诗，引导着读者的目光在页间游走，营造出一种非常沉浸式的阅读体验。尽管我还没有完全深入到核心技术细节中去，但光是前几章对“叙事节奏”和“情绪引导”的开篇论述，就已经让我受益匪浅。作者似乎非常懂得如何将复杂的概念，通过生活化的例子和精妙的比喻阐述清楚，完全没有那种高高在上的学院派腔调，更像是一位经验丰富的前辈，坐在你身边，娓娓道来那些在剪辑台上反复磨砺出的真知灼见。这种亲切感，是很多技术书籍所欠缺的。

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坦白讲，我是一个对阅读体验要求很高的人，如果一本书的论述缺乏逻辑的连贯性或者观点过于碎片化，我很容易就放弃了。然而，这本《影视画面编辑》的结构组织得非常精妙，它仿佛是一个精心构建的叙事流程，从最基础的镜头语言建立，到中段复杂的情感曲线设计，再到末尾对项目管理和自我迭代的讨论，层层递进，逻辑严密。我发现它不是简单地罗列“怎么做”，而是深入探究“为什么这么做才能达到最佳效果”。阅读过程中，我经常会停下来，合上书本，在脑海中模拟刚才学到的技巧如何应用于我正在构思的项目中，那种思维被激发出来的兴奋感，是阅读其他同类书籍很少能给予的。这与其说是一本工具书，不如说是一本关于“视觉逻辑构建”的哲学指南，它为我提供了一个坚实而灵活的思维框架，让我对未来的创作充满了信心和新的方向感。

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这本书的装帧设计极其考究，特别是内页的插图和图示部分，处理得非常细腻。我不是科班出身，很多专业术语对我来说都是陌生的挑战，但作者似乎预料到了这一点，总是在关键节点配上清晰的示意图，用视觉化的方式辅助理解那些抽象的剪辑原理。我注意到，有些图示的风格非常独特，不是那种生硬的流程图，而是带有某种设计美学的插画，这让原本可能枯燥的学习过程变得赏心悦目。更难得的是，它没有一味地推崇某种单一的剪辑风格，而是花了大量篇幅介绍不同文化背景下，或者不同影片类型中，画面组织逻辑的差异性。这极大地拓宽了我的视野，让我意识到“规则”是存在的，但更重要的是如何根据具体情境去灵活变通和创新。对于一个渴望全面提升自己“影像语言”的人来说，这种包容性和广度，比死记硬背几个技巧要宝贵得多。

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不错的入门教材

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图书馆里看到的，专业术语有点多，看得有点累

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史论结合，举例不少。全彩

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图书馆里看到的，专业术语有点多，看得有点累