小提琴的奏鸣

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页数:202
译者:
出版时间:2011-7
价格:26.00元
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isbn号码:9787530864401
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  • 艺术
  • 维也纳分离派
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具体描述

午后,温暖的阳光透过婆娑的树影和帷幔,浸润过芬芳的薰衣草花香,投洒在身上、衣裙和点点斑驳的角落,品着淡淡幽香的下午茶,翻阅起沁着淡淡幽香的书简,开始那迷人的艺苑之旅吧……

《艺苑下午茶丛书》全力打造权威的艺术赏析名篇,截止目前共推出西方绘画赏析类25种,本书《小提琴的奏鸣:维也纳分离派》就是其中的一种,介绍了:多瑙河女神,新奇叛逆的画派,形色迷离的古斯塔夫·克里姆特,摄人心魄的埃贡·席勒,狂放表现的奥斯卡·科柯施卡等内容。

《小提琴的奏鸣:维也纳分离派》由王刚编著。

尘封的乐章:巴洛克时代三重奏的兴衰史 作者: 艾莉森·里德 出版年份: 2023年 页数: 680页 装帧: 精装,附插图及乐谱片段 --- 内容简介: 《尘封的乐章:巴洛克时代三重奏的兴衰史》是一部深度剖析十七世纪中叶至十八世纪中叶欧洲室内乐——特别是三重奏奏鸣曲(Trio Sonata)——发展脉络的学术专著。本书不仅着眼于音乐的结构与美学,更将音乐置于其所处的社会、文化和技术变迁的宏大背景之下,试图重构一个逝去的听觉世界。 本书的核心论点在于,三重奏奏鸣曲并非一个僵化的形式,而是音乐家们在有限的编制内,对复杂对位、清晰和声以及即兴表达进行持续对话和革新的产物。作者艾莉森·里德,当代音乐学界的权威,以其扎实的史料挖掘能力和敏锐的音乐分析技巧,带领读者穿越时空,探访了意大利的音乐沙龙、法国的宫廷宴会,以及德意志地区的宗教场所,那里是三重奏奏鸣曲从萌芽、成熟到最终被奏鸣曲和交响曲超越的关键舞台。 全书分为七个主要部分,逻辑严谨,层层递进。 第一部分:源起与土壤——奏鸣曲概念的形成(1600-1660) 本部分追溯了“奏鸣曲”(Sonata)这一术语在早期巴洛克时期(Early Baroque)的模糊定义。里德教授详细考察了室内小提琴独奏曲与器乐合奏曲之间的张力,并重点分析了卡梅洛(Giovanni Maria Bononcini the Elder)和比里(Giovanni Battista Boni)等早期作曲家的作品,阐述了“奏鸣曲”如何从简单的“奏鸣”(Sonare,意为演奏)概念,逐渐固化为一种具有特定结构(如快-慢-快)的器乐体裁。 重点关注了“Basso Continuo”(持续低音)这一革命性实践的奠基阶段。作者通过对早期数字低音记谱法的细致解读,说明了三重奏奏鸣曲中“四人编制”的物理构成——通常由两件旋律乐器(如小提琴、长笛或中提琴)、一件低音线条乐器(如大提琴或维奥尔琴)以及一件和声填充乐器(如大键琴或琉特琴)构成。这种编制的灵活性,为后来的音乐发展留下了巨大的即兴空间。 第二部分:意大利的黄金时代——罗马与博洛尼亚的辐射(1660-1700) 这是三重奏奏鸣曲最辉煌的时期。里德将叙事中心移至意大利,特别是博洛尼亚的“Accademia Filarmonica”及其代表人物塔蒂尼(Giuseppe Tartini)和科雷利(Arcangelo Corelli)。 作者对科雷利的《Opus 6》进行了里程碑式的分析,指出其对曲式结构、对位技巧的精细打磨,如何确立了“奏鸣曲”的标准模型——特别是“教堂奏鸣曲”(Sonata da Chiesa)与“室外奏鸣曲”(Sonata da Camera)之间的明确区分。教堂奏鸣曲的庄严对位与室外奏鸣曲的舞蹈特性被清晰地界定,并详细比较了两者在调性处理和速度布局上的差异。 本章还深入探讨了意大利音乐家们如何利用三重奏编制来实现复杂的“织体对话”(Textural Dialogue),即两件高音声部之间的模仿、追逐与和声张力,而非仅仅是简单的旋律交织。 第三部分:法国的优雅与装饰——路易十四宫廷的定制美学 当三重奏奏鸣曲跨越阿尔卑斯山进入法国时,它遭遇了与意大利截然不同的美学要求。作者展示了法国作曲家如香邦尼(François Couperin)如何将意大利的对位严谨性,与法国本土的歌唱性旋律(“Goût Français”)和精巧的装饰音(Ornaments)相结合。 重点分析了法国人对特定乐器的偏爱,如长笛(Flute Traversière)和维奥尔琴(Viole de Gambe)的引入,如何改变了三重奏的音色基调。里德通过对富尔尼耶(Jean-Féry Rebel)作品的分析,揭示了法国乐谱中对力度标记和速度标记的模糊性,这反过来要求演奏者拥有极高的品味和“自然感”来进行诠释,这与意大利更注重结构清晰的倾向形成了鲜明对比。 第四部分:北方的影响——德意志地区的融合与继承 本部分着眼于巴赫(J.S. Bach)和亨德尔(G.F. Handel)等德语区大师如何吸收和重构意大利与法国的风格。作者认为,德意志作曲家们通过对复调技巧的极致运用,将三重奏奏鸣曲推向了技术和情感表达的顶峰。 里德特别对比分析了巴赫的《六首三重奏奏鸣曲,BWV 1077-1082》,强调了巴赫如何在维持三声部清晰性的同时,巧妙地利用大键琴的左手部分,使其在必要时承担起第三个旋律声部的角色(即“假四部”的听感),从而突破了传统三重奏的织体限制。 第五部分:乐器学的演变与演奏实践 本章侧重于技术史和演奏实践。通过对17世纪末至18世纪中叶小提琴制作工艺(如斯特拉迪瓦里的改进)的考察,解释了更高音域和更强穿透力的音色如何使得演奏家能够更清晰地在对位中凸显各自的声部。 此外,本章详细讨论了“演奏实践的地域差异”。例如,关于“低音填充”的激烈争论:是应该让大键琴演奏者完全依照数字低音记谱的骨架进行即兴和声构建,还是应该遵循一种更加保守和“克制的”和声进行方式?作者引用了当时的音乐手册和私人信件,还原了这些争论的真实面貌。 第六部分:风格的过渡——从“细致的”到“抒情的” 随着十八世纪中叶“美好风格”(Style Galant)的兴起,三重奏奏鸣曲的结构开始松动。里德指出,对位技巧的复杂性逐渐被更直接、更抒情、更注重旋律线条(Melody)本身的美学所取代。 本章分析了这一转变如何体现在对巴洛克“情感理论”(Doctrine of Affections)的解构上。三重奏开始倾向于单一的情感表达,而非巴洛克早期那种在同一乐章内展现多种情感的复杂性。这种转变,为后来的“奏鸣曲式”(Sonata Form)的成熟铺平了道路,也间接导致了三重奏奏鸣曲作为独立体裁的衰落。 结语:遗产与回响 本书的最后一部分总结了三重奏奏鸣曲虽然在古典主义时期逐渐退居二线,但其在织体处理、声部独立性以及室内乐对话模式上留下的宝贵遗产,深刻影响了海顿和莫扎特早期的弦乐四重奏创作。它并非消亡,而是将核心原则融入了新的、更宏大的室内乐形式之中。 --- 学术价值与特点: 《尘封的乐章》的突出特点在于其跨学科的研究方法。它不仅仅是一部音乐分析著作,更是一部社会史、技术史与美学史的融合体。作者运用了大量的原始文献,包括手稿、乐谱的早期印刷版本、宫廷开支记录以及音乐评论家的书信,确保了论述的严谨性。书中附带的乐谱片段是经过仔细挑选的,用以直观展示作者在分析对位技巧和织体变化时的论据。本书适合高等音乐学院学生、音乐史研究人员以及对巴洛克室内乐有深厚兴趣的专业演奏家研读。它提供了对一个被历史低估的音乐形式的全面、细致而富有洞察力的审视。

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读后感

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用户评价

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在我看来,“小提琴的奏鸣”这本书,就像是一场精心策划的音乐会,在文字的世界里,为我呈现了小提琴的全部精彩。作者并没有生硬地灌输知识,而是以一种非常流畅和富有感染力的方式,将小提琴的方方面面展现在我面前。我尤其着迷于书中关于小提琴的“个性”的论述。作者将每一把小提琴都比作一个拥有独特个性的生命体,它们有自己的声音特点,有自己的“脾气”。这种拟人化的描述,让我觉得小提琴不再是一件冰冷的物件,而是有了温度和灵魂。书中分享了许多关于如何“驯服”一把小提琴的故事,那些制琴师和演奏家如何通过长期的磨合与理解,让小提琴发出最动听的声音。这让我联想到人与人之间的关系,也需要沟通、理解和包容。而且,书中还提到了小提琴的“声音”如何随着时间的推移而发生变化,就像人的成长一样,充满了岁月的痕迹和故事。我甚至开始想象,那些古老的小提琴,它们经历了多少年的风雨,承载了多少人的情感,它们的每一次发声,都在诉说着历史的低语。这本书,让我对“声音”这个概念有了全新的认识,也让我更加珍惜那些能够触动心灵的声音。

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当我拿起“小提琴的奏鸣”,我并没有期待它能带给我多少特别的体验。然而,这本书却如同一阵清风,悄悄地拂过我的心灵。作者以一种非常温和且充满启发性的方式,讲述了小提琴的演变历程。我被书中关于“小提琴的家族”的介绍所吸引,从最初的古提琴,到后来的中提琴、大提琴,它们之间既有传承,又有发展。这种对事物发展脉络的梳理,让我对音乐史有了更清晰的认识。书中还提到了许多在小提琴发展史上扮演重要角色的音乐家和制琴师,他们的贡献和故事,都让我对这件乐器产生了更深的理解。我甚至开始留意那些在音乐史上留下印记的人物,去感受他们与小提琴之间的联系。这本书,让我明白,任何一项伟大的艺术,都不是凭空出现的,而是经过无数人的努力和探索,才逐渐完善和发展起来的。我感觉自己的视野因此而变得更加开阔,也对“传承”这个概念有了更深刻的理解。

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“小提琴的奏鸣”,这本书就像一位慈祥的长者,用充满智慧和温度的语言,为我讲述着小提琴的故事。我一直对那些能够用乐器表达内心世界的人充满好奇,也曾尝试过学习一些简单的乐器,但总是觉得差了点什么。读了这本书,我才明白,很多时候,我们之所以无法真正地与乐器产生连接,是因为我们对它缺乏足够的了解和尊重。作者在书中,从最基础的“如何握弓”、“如何触弦”开始,细致入微地讲解。那些看似简单的动作,在作者的笔下,却充满了讲究。我甚至能想象到,每一个细微的调整,都会对最终的声音产生巨大的影响。书中对于“音准”的追求,更是让我印象深刻。作者反复强调,音准不仅仅是技术的精确,更是对耳朵敏锐度的锻炼,以及对乐器自身声音特性的理解。这种对细节的极致追求,让我看到了音乐背后所蕴含的严谨与专注。我甚至开始留意生活中那些细微的声音,尝试去分辨它们的音高和特质。这本书,让我重新审视了“学习”这件事,它不仅仅是知识的堆积,更是对事物本质的探索和对自身潜能的挖掘。我感觉自己对待很多事情的态度,都因为这本书而发生了微妙的改变。

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“小提琴的奏鸣”,这本书的名字本身就带着一种诗意,一种对艺术的赞美。我之前对小提琴的了解仅限于电视上那些光鲜亮丽的演奏场景,觉得那是一种遥不可及的艺术。但读完这本书,我才意识到,小提琴的魅力远不止于此。作者用一种非常独特且引人入胜的方式,将小提琴的历史、制作、演奏技巧以及它在不同文化中的地位,娓娓道来。我被书中关于小提琴的起源故事深深吸引,从它漫长的演变过程,到它如何逐渐成为欧洲古典音乐的代表性乐器,每一个阶段都充满了 fascinating 的细节。特别是关于那些传奇制琴师的故事,他们的精湛技艺和对音乐的热爱,让我对这件乐器产生了更深的敬意。书中对不同时期小提琴音乐风格的介绍,也让我大开眼界。从巴洛克时期的严谨与华丽,到浪漫时期的激情与抒情,再到现代音乐的创新与探索,我仿佛在书中穿越了几个世纪,聆听了不同时代的小提琴在诉说着各自的故事。作者的文字充满了画面感,我脑海中勾勒出一幅幅生动的画面:在古老的音乐厅里,小提琴的声音穿透空气,触动人心;在街头巷尾,悠扬的琴声伴随着人们的生活。这本书让我觉得,小提琴不仅仅是一件乐器,它承载了人类的智慧、情感与历史。

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“小提琴的奏鸣”,这本书带给我的,不仅仅是知识,更是一种前所未有的精神享受。我一直对那些能够在舞台上自如驾驭乐器的人充满敬佩,也曾经幻想过自己也能像他们一样,用音乐表达内心的情感。然而,我对小提琴的了解,一直停留在非常浅显的层面。读了这本书,我才发现,原来小提琴的世界是如此的广阔和深邃。作者在书中,详细介绍了小提琴的各个组成部分,从琴头到琴尾,每一个部件都有其独特的功能和价值。我甚至被书中对“琴马”的细致描述所吸引,它看似简单,却是连接琴弦与琴身的关键,它的角度和高度,都会对音色产生微妙的影响。这种对细节的极致追求,让我感叹不已。而且,书中还涉及了关于“共鸣”的原理,解释了小提琴是如何通过木材的振动,将琴弦发出的声音放大并产生优美的音色。我甚至开始用一种全新的视角去聆听周围的声音,去感受万物之间的共鸣。这本书,让我从一个单纯的听众,变成了一个对音乐制作过程充满好奇的观察者。我仿佛看到了一个魔法世界,在这个世界里,简单的木头经过精心的雕琢,就能发出如此动人的声音。

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我一直以为,音乐的世界离我很遥远,尤其是我这样缺乏音乐细胞的人。但“小提琴的奏鸣”却像一把温柔的钥匙,悄悄打开了我通往音乐殿堂的大门。这本书并非枯燥的乐理讲解,而是通过生动的故事和细腻的笔触,让我领略到了小提琴的魅力。作者以一种非常接地气的方式,从零开始,引导我认识这件乐器。我曾尝试过学习很多东西,但都半途而废,总觉得自己天赋不足。然而,在这本书里,我看到了无数普通人,通过坚持不懈的练习,最终能够用小提琴奏出动人的旋律。书中分享的那些小提琴家的故事,他们的成长经历,他们的挫折与坚持,深深地打动了我。我仿佛看到了他们在无数个日夜里,一遍又一遍地重复着枯燥的音阶练习,只为了在舞台上能够自信地演奏。那种对梦想的执着,那种在困难面前不屈不挠的精神,给了我巨大的鼓舞。而且,书中关于如何挑选一把适合自己的小提琴,以及如何保养它,这些实用的建议,让我觉得自己不再是那个对小提琴一无所知的小白。我甚至开始幻想,如果我也能拥有一把属于自己的小提琴,然后慢慢地,一点点地,去感受它发出的声音,那该是多么美好的事情。这本书让我明白,音乐并非高不可攀,它就在我们身边,等待着我们去发现,去感受。

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我本以为“小提琴的奏鸣”会是一本比较学术的书籍,充斥着我无法理解的乐理知识。然而,这本书的风格却完全出乎我的意料。作者用一种非常平实且充满人文关怀的语言,将小提琴的魅力娓娓道来。我被书中关于小提琴演奏中“呼吸”的论述所深深吸引。作者将小提琴的演奏比作一种特殊的“呼吸”,演奏者需要通过弓的运动,与小提琴进行一种微妙的“对话”。我曾经以为演奏只是手指的技巧,但这本书让我明白,真正的演奏,是全身心的投入,是气息的运用,是与乐器之间的深度连接。书中还分享了许多关于“乐句”的处理,如何让音乐听起来流畅而富有生命力。我甚至开始尝试在日常生活中,去体会“乐句”的概念,去感受事物之间的连接和过渡。这本书,让我对“演奏”这件事有了更深层次的理解。它不再是单纯的技巧展示,而是情感的流淌,是生命的律动。我感觉自己仿佛也跟着书中的文字,在学习如何“呼吸”,如何用一种更自然、更富有生命力的方式去感受世界。

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当我翻开“小提琴的奏鸣”,我并没有抱着太大的期望,只是觉得书名听起来还不错。然而,这本书很快就超出了我的预期。作者的叙事方式非常独特,他并没有采用传统的流水账式介绍,而是将一些看似独立的知识点,巧妙地编织在一起,形成了一个引人入胜的故事网。我特别喜欢书中关于小提琴演奏中“情感表达”的讨论。作者深入剖析了不同音乐风格下,演奏者如何通过音色、力度、节奏的变化,将内心的情感传递给听众。我曾经以为音乐是一种纯粹的技巧展示,但这本书让我明白,真正的音乐,是技巧与情感的完美结合。书中列举了许多著名小提琴家在演奏不同曲目时的独到之处,他们是如何将自己的理解和感悟融入到音乐中,创造出独一无二的艺术风格。这些案例分析,对于我理解音乐的内涵,以及如何去欣赏一场高水平的演奏,都非常有帮助。我甚至开始尝试在听小提琴音乐时,去留意那些细微的情感变化,去感受演奏者想要表达的情绪。这本书不仅仅是关于小提琴的知识,它更是一本关于如何去感受生活、如何去理解情感的指南。我感觉我的内心世界,因为这本书而变得更加丰富和细腻。

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“小提琴的奏鸣”——这个书名本身就带着一种神秘而悠扬的韵味,如同它所描绘的乐器一般,充满了情感的张力与技巧的精致。我是在一个偶然的机会下,在书店角落里被它吸引的。封面上泛着古铜色光泽的小提琴,琴弓轻柔地划过琴弦,仿佛能听到那低沉而又充满穿透力的声音。翻开书页,我立刻被一种沉浸式的阅读体验所吸引。作者的文字并非冰冷地陈述事实,而是像一位经验丰富的小提琴教师,用饱含深情的语言,一点点揭示着这件乐器灵魂深处的秘密。从最初的木材选择,到琴身每一个弧度的雕琢,再到琴弦的张力与音质的调校,每一个环节都被赋予了生命。我仿佛能看到那些技艺精湛的工匠,在昏暗的工作室里,用他们灵巧的双手,将一块块朴实的木料,变成能够歌唱的艺术品。书中对于小提琴制作工艺的描述,细致入微,充满了对细节的极致追求,让我深刻理解了为什么一把好的小提琴,会如此珍贵,如此令人心动。它不仅仅是一件乐器,更是一段历史,一种传承,一种对于完美的极致追求。阅读的过程,就像是在聆听一首由文字谱写的小提琴奏鸣曲,每一个字都带着温度,每一个句子都流淌着情感。我曾以为我只是对小提琴感兴趣,但读完这本书,我才明白,我对小提琴的感情,远比我之前想象的要深刻得多。它唤醒了我内心深处对音乐、对美、对一切精妙事物的渴望。

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“小提琴的奏鸣”,这本书给我带来的,是一种前所未有的关于“声音”的体验。我一直以为,我对于小提琴的了解,仅限于它发出的声音。但读了这本书,我才意识到,声音的背后,隐藏着如此多的学问和故事。作者在书中,详细介绍了小提琴的“音色”是如何形成的。从木材的种类、纹理,到琴漆的配方,再到琴弦的材质,每一个环节都对最终的音色产生着影响。我甚至被书中关于“琴漆”的讲解所吸引,它不仅仅是保护小提琴的外观,更是对声音进行“润色”的关键。这种对细节的极致追求,让我对小提琴这件乐器产生了由衷的敬意。而且,书中还涉及了关于“泛音”的演奏技巧,以及它如何丰富了小提琴的音域。我甚至开始尝试去留意生活中那些细微的声音,去感受它们各自独特的音色。这本书,让我从一个单纯的音乐爱好者,变成了一个对声音的本质充满好奇的探索者。我感觉自己的听觉变得更加敏锐,对世界也多了一份细致的观察。

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阿尔玛睡了克里姆特、马勒、格罗庇乌斯及科柯施卡。

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阿尔玛睡了克里姆特、马勒、格罗庇乌斯及科柯施卡。

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不论排版与翻译,年份与叙事混乱得可以……

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这书给我的感觉就是水虽然看完了也说不上哪儿水,总之写的不温不火,对了配图实在是······要我的话,封面就来一克里姆特的《阿德勒·布罗赫-鲍尔夫人》

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克林姆特&席勒。里面有一段写科柯施卡和马勒遗孀的八卦和对马勒九的解读有点牵强,po在微博上被学音乐的人喷了,于是意外得知被悄悄关注什么的,哈哈。咱又长知识了。

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