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☆☆☆☆☆

出版者:岭南美术

作者:漫友文化 编

出品人:

页数:143

译者:

出版时间:2011-7

价格:15.00元

装帧:平装

isbn号码:9787536246195

丛书系列:约绘

图书标签:

• 绘本
• 杂志
• 约绘
• 漫友
• 封面这是弄哪样==|||
• 2011
• 漫画
• 艺术
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• 表达

纸上光影：一个工匠的素描人生 作者： 陆鸿飞 出版社： 文墨轩 装帧： 精装，附赠特制铅笔素描本 定价： 88.00 元 --- 内容简介： 《纸上光影：一个工匠的素描人生》并非一本关于现代速写技法的教科书，也非面向初学者的入门指南。它更像是一部沉静的、浸透着岁月痕迹的自传体随笔，记录了著名环境景观设计师陆鸿飞先生，从二十世纪八十年代至今，如何用一支铅笔和一张纸，丈量世界、理解结构、捕捉瞬间生命力的历程。 全书以时间为轴，串联起陆鸿飞先生职业生涯中那些关键的、充满挑战的素描瞬间。他坚信，素描是设计思维的基石，是建筑师与自然进行最纯粹对话的媒介。他拒绝将素描简化为“练习”，而是视之为一种“观看的哲学”。 第一部：硬土上的呼吸（八十年代末至九十年代初） 这一部分聚焦于陆鸿飞先生早年在北方古建筑修复工地上的岁月。当时的条件艰苦，没有先进的测绘设备，一切依赖肉眼观察和手中之笔。他详细描述了如何面对唐代木结构、宋代斗拱的复杂交织，如何通过对光影细微的把握，来推导出看不见的结构逻辑。 【核心篇章速览】 《灰塑的记忆》： 记录了对一座即将拆除的民居进行全景速写的过程。铅笔的每一次落笔，都仿佛在挽留那些行将消逝的飞檐翘角和斑驳的墙皮。陆鸿飞探讨了“时间的纹理”在素描中如何体现，强调了“留白”与“实景”的辩证关系。 《尺度与人：从零开始的透视校准》： 这一章通过大量手稿对比，展示了如何在没有辅助工具的情况下，通过设定参照物（如一扇门的高度、一个工人的身影），精确校准大型建筑的透视线。这部分对于理解传统建筑的“人性化尺度”极具启发性。 第二部：线条的行走与沉思（九十年代中后期） 随着时代发展，陆鸿飞开始接触国际项目，足迹遍布欧亚大陆的城市空间。这一阶段的素描，不再仅仅是记录实体，而是开始探索“流动性”和“场所精神”。他开始尝试使用更软的铅笔芯，追求更丰富的中灰调。 【核心篇章速览】 《威尼斯水路的静默重量》： 记录了在贡多拉上完成的一组关于水面反射与石桥阴影的速写。陆鸿飞反思了水体在素描中的表现难度，认为水面的“动态透明”需要通过对周围环境的精准捕捉来间接实现，而非直接描摹水波本身。 《现代主义的几何交响》： 记录了对勒·柯布西耶和密斯·凡德罗作品的现场速写。他着重分析了现代建筑中，如何用纯粹的线条来表达体量感和结构张力，讨论了“负空间”在素描构图中的决定性作用。 第三部：材料的对话与转译（新世纪至今） 进入新千年，陆鸿飞的实践重心转向了生态景观设计。素描不再局限于建筑本身，而是扩展到对自然肌理的细致描摹——树皮的粗糙、岩石的断裂面、植被的层次感。 【核心篇章速览】 《树的年龄与根的哲学》： 这一章极为精妙，作者花了数周时间，对着一棵千年古树进行系列速写。他不再只是画树的外形，而是试图用线条的粗细变化、墨色的深浅对比，来表现树干内部的生长逻辑和抵抗风雨的韧性。他将素描视为“挖掘生命深度的工具”。 《光影的非线性叙事》： 介绍了他在创作大型环境概念图时，如何运用多重曝光（叠加多张草图）的方式，来预演一个场景在一天不同时间的光照变化。这展示了素描在概念深化阶段的灵活性和前瞻性。 --- 专栏特色与价值： 本书最宝贵的财富，是穿插在正文中的“工匠手记”。这些手记并非教学口号，而是陆鸿飞对自己创作状态、材料选择、甚至对“画不像”的焦虑与突破的真实记录。 1. 材料的细微差别： 详细对比了 HB, 2B, 4B 等不同硬度铅笔在绘制不同材质（如光滑大理石、粗粝砂岩、柔软织物）时的表现力，以及使用橡皮擦进行“提亮”技巧的精确运用。 2. 视角的主观性： 陆鸿飞坚持认为，最好的素描永远是“主观的记录”。他坦诚地分享了在绘制令人震撼的景象时，如何有意识地去除干扰信息，强化核心情感的表达。 3. 时间的沉淀： 书中收录的大部分素描稿件都经过数十年的保存与思考，读者可以看到作者对同一主题在不同人生阶段的再创作，直观感受“时间如何重塑艺术家的眼睛”。 《纸上光影》是一部献给所有“用手思考”的人的致敬之作。它提醒我们，在数字工具飞速迭代的今天，回归到最基础、最原始的线条构建过程，才是通往深刻理解和永恒创造力的必经之路。它讲述的不是如何画得像，而是如何看得真。

评分☆☆☆☆☆

我是很爱《约绘》哒，我每期必买啊~！ 但是这一期感觉很失望呀，可能因为太期待了吧…… 怎么说也是绘本杂志吧，封面确是照片。虽然说是要换换风格什么，但是各种画风那么多为什么非要是照片呢。 上一期的《钢琴师与猫》没完结怎么这一期没有了呢？ 上上一期的《礼物》没完结...

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏感处理得非常老道和成熟。它不像某些绘画书籍那样，上来就堆砌复杂的透视原理或者色彩理论，而是采用了一种非常生活化的切入点。开篇几章，作者似乎是在讲述自己某次旅行中的一个瞬间灵感，从捕捉光影到最终定稿，整个逻辑线索是极其清晰且流畅的。而且，书中穿插的文字描述，语气非常亲切自然，丝毫没有那种高高在上的“大师教诲”感。比如，在讲解如何处理人物动态时，作者引用了一句他观察到的小孩玩耍时的情景，寥寥数语，就把那种动态的韵律感描摹得栩栩如生。这种将艺术理论根植于日常观察的叙事手法，让原本枯燥的技巧学习变得生动有趣，仿佛作者正坐在我身边，陪着我一起在咖啡馆里写生。读者很容易就能代入那种情境，从而自然而然地吸收知识。

评分☆☆☆☆☆

对我而言，这本书的价值远超其售价，它已经成为我案头常备的参考书。我特别喜欢它在最后几页收录的“未完成项目”集锦。这部分内容非常罕见，通常出版物都会尽量隐藏那些半途而废的作品，但《约绘5》却将其作为重要的组成部分呈现出来。作者坦诚地解释了为什么这些作品停滞不前——可能是技法瓶颈，也可能是审美疲劳。这种坦诚和透明度，极大地鼓舞了我。它打破了艺术家必须永远“完成”作品的魔咒，让我意识到，探索本身就是一种完成。每当我感到创作停滞时，翻开这一部分，看到那些“未竟之作”，反而会有一种豁然开朗的感觉：原来大家都一样，创作是一场永无止境的摸索。这本书，与其说是指导我们如何画，不如说是指引我们如何面对艺术创作中的迷茫与挑战，非常具有精神层面的激励作用。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我原本以为这只是一本普通的绘画教程或者作品集，但深入阅读后才发现，它更像是一部充满哲思的视觉日记。这本书最吸引我的地方，在于它对“过程”的极致探讨。它没有简单地展示那些光鲜亮丽的最终成品，而是大量的篇幅都聚焦在了“起稿”和“修改”的那个微妙瞬间。那些看似凌乱的草图线条、反复擦除的痕迹，甚至是一些被作者果断放弃的构图尝试，都被完整地保留了下来，并且配上了极其精炼的批注。这对我这个常常在“下笔”前犹豫不决的人来说，简直是醍醐灌顶。我过去总觉得，优秀的画作应该是完美无瑕的，但《约绘5》教会了我，艺术的生命力恰恰蕴藏在那些不完美和挣扎之中。它鼓励我们拥抱“不确定性”，把画画变成一个探索而非炫技的过程，这种观念上的转变，比学到任何具体的技法都要宝贵得多。

评分☆☆☆☆☆

我必须着重夸赞一下这本书在“色彩运用”上的独到见解。我之前接触过很多关于色彩的书籍，大多是围绕色轮和三原色展开，理论系统但实操起来往往僵硬。然而，《约绘5》避开了传统的学院派束缚，转而深入探讨了“情绪色彩”和“环境光照”对物体表面的影响。其中有一组关于雨后城市夜景的系列练习，作者仅仅使用了蓝、灰、黄三主色调，却通过微妙的灰度变化和笔触的疏密，营造出了那种湿漉漉的、带有反光的冷峻氛围。这种对色彩的“感知力”的训练，远超出了“调色”本身。它教导读者去“感受”光线如何穿过空气，如何被不同的材质反射和吸收，从而真正理解色彩是如何为人服务的，而不是反过来被色彩的规则所束缚。这种由内而外的色彩修养，是这本书给我带来的最大收获之一。

评分☆☆☆☆☆

这本《约绘5》简直是艺术爱好者的福音！我简直迫不及待地想和大家分享我的阅读体验。首先，从装帧设计上来说，它就给了我一个巨大的惊喜。封面采用了那种略带磨砂质感的纸张，触感温润，色彩搭配非常克制但又不失高级感，那种低饱和度的灰蓝色调，光是看着就让人心绪沉静下来。内页的纸张厚度拿捏得恰到好处，即便是使用钢笔进行临摹，墨水也不会轻易洇开，这对于我这种有轻微强迫症的画友来说，简直是太友好了。更重要的是，书籍的装订方式采用了精装锁线，可以完全平摊在桌面上，这在进行大跨页的细节描摹时，提供了极大的便利性，完全不用担心书脊会断裂或者内容被遮挡。光是翻阅这本书，就已经是一种视觉和触觉上的享受了，它不仅仅是一本画册，更像是一件精心制作的艺术品摆件，放在书架上都显得格外有格调。那种对细节的关注，让人觉得作者和出版方在制作这本书时，投入了百分之百的诚意，而不是简单地追求快速出版。

评分☆☆☆☆☆

你封面好看一点要死啊啊啊啊~~~内容也不带这么差的吧!!

评分☆☆☆☆☆

我爱mint啦啦啦~半空的花挪过来真是太好啦。为什么达叔的游园惊梦还是旧的= =

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兄妹八点档！

评分☆☆☆☆☆

封面好不喜欢…… / 还是觉得封面很可怕

评分☆☆☆☆☆

照片占了太多的地方，实际内容很少。