具体描述
In the 1970s, Hollywood experienced a creative surge, opening a new era in American cinema with films that challenged traditional modes of storytelling. Inspired by European and Asian art cinema as well as Hollywood's own history of narrative ingenuity, directors such as Martin Scorsese, Robert Altman, William Friedkin, Stanley Kubrick, Woody Allen and Francis Ford Coppola undermined the harmony of traditional Hollywood cinema and created some of the best movies ever to come out of the American film industry. Critics have previously viewed these films as a response to the cultural and political upheavals of the 1970s, but until now no one has explored how the period's inventive narrative design represents one of the great artistic accomplishments of American cinema. In Hollywood Incoherent, Todd Berliner offers the first thorough analysis of the narrative and stylistic innovations of seventies cinema and its influence on contemporary American filmmaking. He examines not just formally eccentric filmsoNashville; Taxi Driver; A Clockwork Orange; The Godfather, Part II; and the films of John Cassavetesobut also mainstream commercial films, including The Exorcist, The Godfather, The French Connection, Willy Wonka and the Chocolate Factory, Dog Day Afternoon, Chinatown, The Bad News Bears, Patton, All the President's Men, Annie Hall, and many others. With persuasive revisionist analyses, Berliner demonstrates the centrality of this period to the history of Hollywood's formal development, showing how seventies films represent the key turning point between the storytelling modes of the studio era and those of modern American cinema.
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读后感
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用户评价
这本书的学术严谨性令人印象深刻，但真正让我着迷的是它对“人性”本身的细腻捕捉。它很少将人物脸谱化为“英雄”或“恶棍”，相反，它将镜头对准了那些身处巨大名利场中的个体，展示了他们的脆弱、他们的野心、他们的伪装以及偶尔流露出的真诚。例如，书中对某位著名女星晚年生活的侧写，没有聚焦于她电影中的角色，而是深入挖掘了她如何努力维系一种精心构建的公众形象，以及这种维系背后巨大的精神消耗。这种对“表演之外的表演”的关注，是这本书超越一般行业史的亮点。它成功地揭示了，在那个“梦工厂”里，真正的恐怖并非来自失败，而是来自成功——成功要求你永久地扮演一个被设计好的角色，直到你忘记了自己是谁。这种对“自我”与“身份”之间拉扯的深刻探讨，使得即便是对电影史不太了解的读者，也能从中找到关于现代社会中个人身份认同困境的共鸣。它的文字克制而有力，不煽情，却字字千钧，充满了对人类复杂情感的深刻洞察。
评分我得说，这本书的结构安排简直是一场精巧的迷宫，它没有采用传统的线性叙事，而是采取了一种碎片化、多焦点的叙事手法，这让阅读体验充满了惊喜与挑战。每一章似乎都是从一个微小的切口——可能是一个未被重视的剧本提案，或者是一次短暂的幕后争吵——开始，然后像蛛网一样，迅速扩展到整个行业的生态图景。这种非线性的推进，反而极好地模拟了我们记忆中对那个充满传奇色彩的年代的回溯方式：不是清晰的一条线，而是无数闪烁的、相互关联的瞬间。我尤其喜欢它穿插其中的那些原始资料片段，比如信件摘录、内部备忘录的影印，这些一手材料的加入，极大地增强了文本的真实感和可信度，让那些纸上的人物一下子变得触手可及。当然，对于只想获取清晰时间线的读者来说，初读可能会有些许迷惘，但一旦适应了这种节奏，就会发现它其实在引导你主动去构建属于自己的历史脉络。这种“参与式”的阅读体验，比被动接受信息要来得过瘾得多，它迫使你停下来，思考人物动机与历史背景之间的多重因果关系，而不是简单地接受一个既定的结论。
评分这是一本在装帧和视觉呈现上也堪称典范的作品。那些跨页的剧照选取得极其到位，它们不仅仅是插图，更像是对文本内容的有力佐证，每一张照片的构图、光影、人物眼神中的信息量，都值得单独拿出来品味。尤其值得称赞的是，作者在引用大量文献资料的同时，保持了阅读的流畅性，那些密集的脚注和索引系统设计得非常人性化，让有需要的读者可以方便地追溯到原始出处，而不需要被过多的学术标记打断主要阅读体验。这种对知识获取便利性的考量，体现出制作者对读者的尊重。更重要的是，这本书成功地建立了一种跨越时代的对话感。它不仅仅是在回顾历史，更像是在邀请你——今天的读者——去审视我们自己所处的娱乐文化环境，反思我们是如何消费故事、消费偶像的。它成功地搭建了一座桥梁，让过去时代的困境与我们当下的体验产生了奇妙的共振，让人在合上书本之后，仍然久久地回味着那些关于光影、权力与人性的复杂命题。
评分这部关于好莱坞黄金时代的史诗巨著，无疑是一场华丽的视觉盛宴，它以近乎纪录片的详实笔触，刻画了那个时代那些光影巨匠们跌宕起伏的创作生涯与错综复杂的情感纠葛。作者显然倾注了数十年心血进行研究，那些关于默片时代过渡到有声电影的阵痛、制片厂制度的铁腕统治，以及那些在镁光灯下光芒万丈却在幕后饱受煎熬的明星们的故事，被描绘得入木三分。我尤其欣赏它对细节的执着——比如某部里程碑式影片拍摄期间剧组内部的权力斗争，或是某位著名导演与制片人之间微妙的妥协与对抗，那些鲜为人知的幕后轶事，如同揭开了厚厚的历史帷幕，让人窥见了造梦机器运转时真实而粗粝的齿轮声。阅读过程中，我仿佛能闻到老片场特有的灰尘和镁光灯散发的热气，耳边萦绕着那个时代特有的爵士乐的旋律。对于任何一个对电影艺术的起源与发展抱有深厚兴趣的人来说，这本书提供的不仅仅是知识，更是一种沉浸式的、充满怀旧情愫的朝圣体验。它成功地捕捉到了那种“一切皆有可能”的、野心勃勃的美国精神，并将其烙印在了电影史上最闪耀的篇章之中，让人在为那些逝去的辉煌感到震撼的同时，也不禁对艺术创作背后的巨大代价产生一丝敬畏。
评分读完这本厚厚的文集，最大的感受是它在梳理二十世纪中叶美国文化思潮变迁方面的深刻洞察力，远超出了单纯的传记或行业回顾的范畴。作者似乎有着一种近乎人类学家的冷静与批判精神，他没有仅仅满足于对那些光鲜亮丽的“神话”进行歌颂，而是深入剖析了好莱坞这种大众娱乐工业如何与更宏大的社会焦虑、政治审查制度以及不断更迭的道德标准相互作用、相互塑造。书中对几位关键人物的分析，尤其侧重于他们如何在迎合市场需求与坚守个人艺术表达之间走钢丝，这种内在的张力被描摹得极其生动。比如，书中对战后美国社会对“异见”的集体恐慌，如何转化为对电影内容无形而强大的约束力，那段论述极其精彩，它将个体命运置于历史洪流之中，展现出一种令人唏嘘的无力感。语言风格上，它时而如同冷峻的社会评论家，时而又展现出极强的叙事张力，尤其在描绘那些被时代洪流裹挟的编剧和演员时，笔法充满了文学的质感和宿命的悲凉。这本书的价值在于，它提供了一个绝佳的视角，让我们得以反思，在一个高度集中的文化生产体系中，“艺术性”与“商业性”的边界是如何被不断试探、协商乃至颠覆的。
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