京剧经典大观:连环套(VCD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:开明文教音像出版社

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isbn号码:9787880491364

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京剧艺术的恢弘画卷：戏曲赏析与文化探源 第一章 乾嘉盛世的梨园初啼：京剧的滥觞与早期发展 京剧，作为中国戏曲的集大成者，其艺术生命力的蓬勃发展，与清代中后期的社会文化背景息息相关。乾隆年间，特别是嘉庆年间，徽班进京，融合了昆曲的典雅、秦腔的刚劲以及花部的戏曲精华，奠定了京剧早期的艺术形态。 本卷将深入探讨“徽汉合流”的历史进程。首先，我们会细致梳理乾隆年间，以“三庆班”为代表的徽班如何在北京站稳脚跟，以及他们如何吸收北方民间艺术的营养，形成初步的京剧腔调——以西皮、二黄为主导的板式结构。我们不会止步于简单的年代罗列，而是会剖析特定历史时期，宫廷对戏曲的推崇与民间对新兴戏曲形式的接受度是如何共同推动京剧艺术的成熟。 早期京剧的舞台呈现，与后来的成熟期有着显著区别。本章将通过对早期剧目结构、人物行当划分的初步观察，揭示其粗犷中见灵动的艺术特色。例如，早期武戏的技艺展示与后来的程式化表达之间的演变路径。我们还将关注早期剧坛的代表性人物，他们的艺术风格如何影响了后世的流派形成，为京剧艺术的“立身之本”打下坚实基础。 第二章 徽班进京与流派纷呈：京剧艺术的第一次高峰 道光、咸丰年间，京剧艺术进入了快速成熟期。以“四大名旦”之前的关键人物为核心，京剧的表演体系和声腔艺术开始出现分化与精进。 本章聚焦于声腔系统的完善。西皮的“高腔”、二黄的“慢板”等关键板式的定型，极大地丰富了京剧的音乐表现力。我们将详细分析不同声腔在表达人物情感、推动剧情发展中的独特作用。例如，在表现悲剧性冲突时，二黄的醇厚与西皮的激昂如何相互配合，形成张力。 同时，行当的划分也日益细化。丑角的“垫话”艺术、生角的“韵味”追求、旦角的“水袖”功法，都进入了规范化的阶段。我们着重探讨早期“武生”和“武旦”在舞台上对“翻、跌、扑、倒”等高难度技巧的运用，这些技巧如何从单纯的杂技表演，逐渐融入到人物性格的塑造之中。 此外，我们还将考察早期剧目的题材变化。从最初的“神怪戏”、“武戏”为主，逐渐向反映社会现实、弘扬传统道德的“文戏”倾斜，这反映了京剧艺术开始追求更深层次的文化内涵。 第三章 谭、杨争辉：声腔艺术的巅峰对决与流派的奠基 同治、光绪年间，京剧艺术迎来了其历史上第一次黄金时代。以谭鑫培和杨小楼为代表的两大艺术高峰的出现，标志着京剧表演艺术达到了一个前所未有的高度。 谭鑫培的“老生”革新： 谭鑫培被誉为京剧老生的集大成者。本节将深入剖析他的艺术贡献——“谭派”的核心美学。这不仅仅是嗓音的优势，更在于他对“以情带声，以声化情”的深刻理解。我们将分析谭派在“唱、念、做、打”中的侧重点，特别是其对韵白（念白）的精致处理，如何使得老生角色具有了“文武兼备，气度雍容”的大家风范。对比他早年和晚年的代表作，可以清晰看到其艺术风格的成熟轨迹。 杨小楼的“武生”典范： 杨小楼则代表了武生的极致。本章将重点呈现他如何将武术与戏曲程式完美融合。杨派武生的特点在于“以戏代武，以武传情”。他所强调的不是单纯的技艺展示，而是通过扎实的功底来烘托人物的英雄气概或悲壮命运。我们将详细解析《界碑》、《大刀王五》等剧目中，杨小楼如何通过身段和眼神来完成复杂的叙事。 这两位艺术巨匠的并存与相互影响，使得京剧艺术在声腔的严谨性、表演的程式化上达到了一个难以逾越的标杆，为后来的“四大名旦”以及“四大须生”的艺术繁荣奠定了坚实的理论和实践基础。 第四章 旦角的革命：四大名旦的横空出世与美学重塑 民国初年，京剧艺术进入了以旦角艺术为核心的鼎盛时期。程砚秋、尚小云、荀慧生、梅兰芳四位艺术大师的出现，彻底改变了京剧的审美格局。 本章将以“四大名旦”为线索，分别梳理他们的艺术主张和创新。 梅派（梅兰芳）： 侧重于“雍容典雅，以美写情”。梅先生的贡献在于对旦角表演的全面提升，他将昆曲的婉约融入京剧的刚劲，形成了“中和之美”。我们将分析其在水袖、眼神以及服装设计上的创新，如何使旦角形象更具理想化的艺术魅力。 程派（程砚秋）： 强调“悲凉婉转，以腔造型”。程先生的“程腔”以其深沉、厚重的音色和独特的拖腔著称，是京剧旦角唱腔艺术的奇峰。本节会重点剖析他如何用略带沙哑的嗓音，表现底层女性的悲剧命运。 尚派（尚小云）： 体现“刚健飘逸，矫健泼辣”。尚派旦角区别于其他三派，更注重武功和身段的协调，展现出一种不让须眉的英气。 荀派（荀慧生）： 注重“活泼灵动，以神赋形”。荀先生的艺术专注于闺门旦和花旦，他将民间舞蹈的韵味引入京剧，使角色充满了生活气息和娇俏之态。 四大名旦的并立并非是简单的风格差异，而是共同构建了京剧旦角艺术的完整光谱，他们对“做功”的深入挖掘，使京剧表演艺术达到了高度的写意与写实并存的境界。 第五章 现代革新与坚守：京剧在二十世纪的传承与探索 进入20世纪中后期，京剧面临着来自现代艺术形式的冲击，同时也迎来了改革与创新的机遇。 本章将考察“新编历史剧”的浪潮。在国家文化政策的支持下，京剧艺术家们开始将目光投向更宏大的历史题材，如《霸王别姬》、《群英会》等剧目的重新演绎，这些剧目不仅在编排上更加宏大，更在音乐配器上进行了大胆的尝试，引入了更多的交响乐元素，以增强舞台效果。 同时，本章也会客观分析在艺术创新过程中，如何平衡“继承传统”与“适应时代”之间的矛盾。例如，在板式结构的运用上，如何既要保持京剧原有的板眼节奏，又要适应现代观众的审美节奏。我们将探讨一些重要的艺术实践，比如对“念白”方式的现代化处理，以及如何通过服装和舞台美术的革新，使传统剧目焕发出新的光彩，确保京剧这一活态的文化遗产能够持续面向未来观众。 结语：京剧艺术的永恒魅力 京剧的魅力，在于其高度的综合性与形式美。它不仅仅是音乐和表演的结合，更是中国传统哲学思想、美学观念与民间审美情趣的结晶。通过对不同历史时期和不同艺术流派的梳理，我们得以窥见京剧艺术在历经百年风雨后，依然保持其旺盛生命力的深层原因——那便是对“程式化”的精妙运用，以及对人物精神世界的深刻洞察。 本卷旨在提供一个清晰的脉络，让读者理解京剧艺术是如何从地方声腔演变为一门成熟的、具有世界影响力的综合性舞台艺术。

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这本书的学术严谨性达到了一个令人惊叹的高度，完全可以作为高校艺术史专业的参考教材。我注意到，作者在引用每一个观点时，都有明确的注释和参考文献列表，很多内容明显是基于第一手资料的考证，而不是简单地转述二手资料。比如，在讨论程砚秋的“水袖功”时，书中不仅描述了其特点，还追溯了其动作的源头，甚至对比了不同时期录像中微小的技法差异。这种细致入微的考证工作，让每一个细节都有据可查，极大地增强了内容的可靠性。对于我这种追求知识精确度的读者来说，这种态度简直是福音。它避免了许多同类书籍中常见的“想当然”的描述，而是用扎实的史料和理论支撑起整个论述体系。阅读过程中，我常常需要停下来查阅附录中的术语表，因为书中使用的行话和专业术语非常地道和精准，这表明编纂者是真正浸润在这个领域的专家，而非局外人的一般性介绍。

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这本书的排版和装帧设计，本身就是一种艺术享受。我拿到手的时候，就被它那种典雅的古典气质所吸引。装帧用的是那种带有纹理的厚磅纸张，触感非常扎实，拿在手里沉甸甸的，丝毫没有廉价感。字体选择上，既有便于阅读的宋体，在引用经典唱词或历史文献时，又巧妙地穿插了有历史韵味的魏碑或隶书，这种刚柔并济的处理，恰到好处地烘托了京剧的舞台风格——既有磅礴大气的一面，又不失婉约细腻的韵味。更绝的是，书中对于一些核心概念的解释，大量使用了图解和流程图的形式。比如，要理解“一桌二椅”的舞台调度哲学，光靠文字描述是相当抽象的，但书中通过几张精妙的示意图，立刻就能让人明白舞台空间如何被极简的道具所激活和无限延展。这种注重视觉化表达的方式，极大地降低了理解门槛，让初涉京剧的读者也能迅速抓住重点。可以说，这套书在内容深度之外，还为我们提供了一场高品质的视觉盛宴，体现了编者对“形式服务于内容”这一设计理念的深刻理解。

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不得不提的是，这本书在叙事节奏的把控上有着极高的水准。虽然内容涵盖了大量的历史脉络和复杂的艺术理论，但作者巧妙地运用了“故事串联法”，让阅读体验保持了一种流畅的张力。它不会让读者陷入枯燥的年代划分，而是通过一个个标志性人物的命运起伏来推动叙事。例如，从谭鑫培的“红遍京城”写到他如何影响了后来的艺术走向，再通过对各家“麒派”、“荀派”的对比，自然而然地将读者的注意力引向了艺术风格的演变。每一章的结尾，往往会设置一个引人深思的小结，或者提出一个留待后人解答的学术悬念，这种技巧非常高明，有效地激发了读者的好奇心和探索欲。它成功地将一部严肃的学术著作，转化成了一部引人入胜的艺术传奇故事集。读完一章，你会迫不及待地想知道，在那个风云变幻的年代，这些戏曲巨匠们又经历了怎样的磨砺和辉煌，这种阅读的连贯感和愉悦感，在厚重的文化读物中是难得一见的。

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这部关于戏曲艺术的典籍，简直是国粹的活化石！我特地收藏了这套书，主要是冲着它对于传统文化精髓的深度挖掘。书里对京剧的起源、流派的形成，以及各个行当的表演技艺，都有着非常详尽的论述。比如，关于“梅派”的唱腔特色，作者没有停留在表面的描述，而是深入剖析了梅兰芳先生如何在吸取前人精华的基础上，融入自己的理解，创造出那种“无声处听惊雷”的艺术境界。书中还配有大量的历史图片和剧照，这些视觉材料极大地增强了阅读的代入感，让我仿佛能闻到舞台上那特有的水袖拂过的清香。尤其值得称道的是，它对剧本的选材和改编也做了深入的探讨，分析了经典剧目如《霸王别姬》、《贵妃醉酒》等，是如何在历史的沉淀中不断被完善和升华的。对于一个真正热爱京剧艺术，想探究其来龙去脉的爱好者来说，这本书提供了一个极其扎实和全面的知识框架，绝非市面上那些浅尝辄止的普及读物可比拟。它就像一位循循善诱的老师，带领我走进了一个博大精深的艺术殿堂，每翻开一页，都有新的领悟和震撼。

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我最欣赏这部作品的地方，在于它对京剧背后社会文化土壤的挖掘。很多人看京剧，只停留在“看热闹”，欣赏武打的精彩或者唱腔的悠扬，但这本书却把京剧放在了晚清到民国乃至新中国成立初期复杂的社会变迁中去考察。它细致地梳理了京剧如何从民间戏班子一步步登上庙堂，成为官方认可的“国粹”，以及在这个过程中，它吸收了昆曲、梆子等其他剧种的元素，完成了自身的融合与超越。作者花费了大量的篇幅来描述梨园行的艰辛和艺人的坚韧，那些关于“台上一分钟，台下十年功”的生动故事，读来令人动容。比如，书中记录了某位老一辈艺术家，为了揣摩一个眼神的精准表达，如何在镜子前对着一盏孤灯苦练数月，那种对艺术近乎苛刻的追求，是现代快餐文化中难以想象的。这种对“匠人精神”的致敬和记录，使得整本书不仅仅是一部艺术史，更是一部浓缩的近代社会生活史，充满了人情温度。

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