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出版者:杨柳青

作者:绘画

出品人:

页数:30

译者:

出版时间:2010-6

价格:28.00元

装帧:

isbn号码:9787807385905

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好的，这是一份关于一本名为《中国古代文学史（上古至唐五代）》的图书简介，它完全不涉及宋代花卉绘画的学习内容，并且力求自然流畅，具有人文气息： 《中国古代文学史（上古至唐五代）》图书简介 卷帙浩繁的文明之源：上古曙光与盛唐气象的恢宏画卷 《中国古代文学史（上古至唐五代）》是一部旨在深度梳理并系统阐释中华文明文学源头及其早期高峰的通史性著作。它聚焦于文学从萌芽、奠基到勃发、鼎盛的漫长历史阶段——从先秦的质朴神话与诗歌源流，经由汉魏六朝的典雅转型，直至初唐的浑厚积淀，为读者构建起一座清晰而坚实的古代文学知识殿堂。 本书并非简单的作品罗列或年代记述，而是一部融入了深刻文化反思与文本细读的学问之作。我们致力于探寻文学形式背后的时代精神、社会结构以及思想变迁的内在逻辑。 第一卷：神话的低语与经典的奠基（先秦时期） 本卷追溯中华文明的“轴心时代”。我们从《山海经》中奇诡瑰丽的洪荒想象出发，探讨口头传统如何逐步形塑早期民族的集体意识。重点聚焦于《诗经》的现实主义精神与民歌风貌，分析其“风、雅、颂”的体式及其在周代礼乐制度中的核心地位。 随后的篇章深入解析了楚辞的浪漫主义革命，以屈原的“骚体”为核心，剖析屈宋辞赋如何突破中原的规范，开辟了抒情文学的全新维度。同时，本卷也并未偏废诸子散文的独特光芒。从孔孟的逻辑思辨到庄周的汪洋恣肆，从韩非的冷峻法理到史书的叙事艺术（如《左传》），文学与哲学、历史的边界在此交融，共同构筑了后世文体与思想的基石。我们详尽考察了先秦文体如何从实用性中解放出来，逐渐具备了纯粹的审美价值。 第二卷：典雅的转型与文体的自觉（秦汉至魏晋南北朝） 秦汉的统一，带来了政治与文化上的深刻整合。本卷首先梳理了汉赋由宫廷铺陈向地域描摹的演变，特别是司马相如的雄健与扬雄的内敛之间的张力。随之，我们转向了汉乐府的平易近人与刚健有力，探究其对后世近体诗歌的影响。 魏晋南北朝是文学史上一个至关重要的“断裂与重塑”时期。在王朝更迭的动荡中，知识分子被迫从经世济民转向个体生命的关怀。本部分的核心在于探讨“文学的自觉”。 建安风骨的悲凉：曹氏父子与“建安七子”的慷慨悲歌，如何以苍凉、沉郁的笔调反映乱世之下的生命体验，以及他们如何开创了“伤逝”主题的先河。 玄言与山水：对玄学思潮（以竹林七贤为代表）的考察，解析了文学如何借助老庄思想，摆脱了对儒家教条的过度依附，转而赞美自然之“真”。山水诗派的兴起，标志着审美趣味的彻底转向，陶渊明的田园诗则以其平淡冲和的语言，树立了人格与文学完美统一的典范。 骈文的兴盛与衰落：本卷详述了南朝永明体对声律的极致追求，分析了骈文如何将辞藻的华美推向巅峰，同时也讨论了其形式主义倾向对文学生命力的潜在束缚。 第三卷：气象万千的巅峰与多元的熔炉（初唐至盛唐） 本书的收官部分，将目光投向了文学史上公认的黄金时代——唐代。我们避免将唐诗简单地视为一个整体，而是将其划分为清晰的阶段性特征进行深入剖析。 初唐的积蓄与蜕变：重点分析了“初唐四杰”在格律的初步完善中起到的关键作用，他们如何承接了南朝的精致，同时又开始注入新的、更广阔的时代内容。 盛唐的辉煌与气象：本卷用了大量篇幅，深度解析了唐诗的巅峰成就。 1. 王维与孟浩然：解析了如何将禅宗的空灵境界与田园山水相融合，形成“诗中有画，画中有诗”的意境。 2. 李白的浪漫绝唱：探究其“酒入豪肠，七分酿成了月光”的独特气质，分析其对民间叙事、乐府传统的继承与大胆革新，以及其浪漫主义对后世的深远影响。 3. 杜甫的沉郁顿挫：将杜甫置于安史之乱的宏大历史背景下，考察“诗史”的形成，分析其格律的精严、关怀民生的博大情怀，以及对现实主义的极致深化。 此外，本卷还涉及了盛唐七律的成熟，以及唐传奇作为文言小说成熟标志的初步形态，展现了唐代文学在各个领域的全面开花。 学术价值与阅读体验 《中国古代文学史（上古至唐五代）》的编写，坚持“以史带文，以文见史”的原则。全书结构严谨，论证充分，不仅适合高等院校中文系师生作为核心教材或参考书使用，对于广大文学爱好者而言，它更像是一部引人入胜的文化之旅导览图。通过本书，读者将能跨越千年时空，亲身感受那段孕育了中华民族核心审美情趣的伟大文学史的磅礴脉动。

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这部关于宋代花卉绘画的著作，确实让人耳目一新，尤其是在对宋代文人士大夫审美情趣的解读上，简直是下了一番苦功。作者没有止步于单纯的技法解析，而是深入探讨了宋徽宗时期“院体”画派与民间画派在表现手法、题材选择上的差异与融合。比如，书中对赵孟頫等人如何继承和发展宋代花鸟画的脉络梳理得极为清晰，对于如何用“意笔”来传达“气韵生动”的哲学思辨，进行了非常独到的阐释。读到关于“折枝花卉”的章节时，我仿佛能看到那些工笔花卉如何在绢本上展现出近乎真实的生命力，但又不失文人画的洒脱，这种平衡的拿捏，是极难得的。书中配图的选择也极其考究，那些原本分散在各大博物馆中的精品，被系统地汇集起来，并附有详尽的考证和比较分析，对于研究宋画风格演变的学生来说，无疑是一本不可多得的工具书。特别是它对不同时期所用颜料的化学分析和对光影处理的细致描述，让即便是初学者也能窥见大家胸中的丘壑。

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这本书的装帧设计和纸张选择，简直是对宋人雅致审美的最高致敬。厚实的宣纸质感，使得原本印刷出来的画作的墨韵和色彩层次感得到了最大程度的还原，这对于一本当谈论视觉艺术的书来说至关重要。我花了很大篇幅在研究其中关于“界画法”在花卉构图中的应用案例，作者非常细致地分析了宋代画家如何用近乎几何学的精确性来构建自然界中的不确定美感。其中有一章专门分析了李嵩的画作，指出他如何在写实的基础上融入了对季节更迭的深刻洞察，使得画面不仅仅是静物的描摹，更像是一部流动的生命史。对于有一定基础的读者而言，这本书最大的价值在于它提供了“超越模仿”的路径，即如何从古人的技法中提炼出属于自己的笔墨语言，而不是简单地复制古人笔下的花朵。

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说实话，这本书的阅读体验是比较“沉浸式”的，但它绝非轻松的消遣读物。作者的笔触极为克制而精准，尤其是在描述宋代“院体”画家的心态时，那种带着皇家威仪的、对自然万物的敬畏感，被作者用一种近乎冷峻的笔调描摹出来。我特别喜欢它对“花卉的象征意义”这一部分的论述，书中将宋代的梅、兰、竹、菊四君子，不仅仅看作是文人情怀的载体，更结合了当时的社会政治环境进行了多维度解读，比如在某一特定时期，某种花卉如何被赋予了隐喻性的政治含义，这极大地拓宽了我对传统花鸟画题材的认知边界。它要求读者不仅要有视觉上的鉴赏力，更要有历史和哲学的纵深感才能完全吸收其中的精髓。

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这本书最让我感到惊喜的是，它完全跳脱了传统“按花卉种类分类”的窠臼，而是采取了一种以“时代精神”和“绘画材料学”为核心的叙事框架。比如，书中用相当大的篇幅讨论了宋代特有的矿物颜料对色彩饱和度的影响，以及这种影响如何反过来塑造了宋人对“自然之色”的理解。其中对“水仙”一类的描绘，着重分析了画家如何通过对“水”的描绘来反衬花朵的“清雅”，这种对环境与主体的交互关系的关注，非常现代。对于那些热衷于研究绘画史脉络和材料工艺的硬核爱好者来说，这本书简直是宝藏。它不是一本教你速成的“秘籍”，而是一部细致入微的“文献集”，每一页都充满了历史的重量感和艺术的温度。

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拿到这本书时，我本来是抱着“又一本老生常谈的国画入门”的心态，没想到它在理论建构上有着令人惊喜的深度。它不仅仅是在教你怎么握笔、怎么调墨，更像是在带领读者进行一场关于“物我两忘”的东方美学之旅。书的结构设计非常巧妙，从“造物之理”谈到“写物之法”，再过渡到“入格之境”，层层递进，逻辑严密得像是一篇学术论文，但语言却保持了令人愉悦的流畅性。我特别欣赏作者在论述“不着一笔，不落一画，而无意不合”的境界时，引用了大量的宋词和诗歌作为旁证，使得绘画的意境被极大地拓展了。对于那些希望从根本上理解宋代绘画精神内核的读者，这本书提供了坚实的理论基础。它强调的“心手相应”，并非简单的熟能生巧，而是要达到物我同一的哲学高度，这一点，在其他同类书籍中是很少被如此深入探讨的。

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