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页数:167

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出版时间:2012-4

价格:30.00元

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isbn号码:9787122130808

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《失落的织锦：拜占庭帝国晚期的丝绸贸易与宫廷服饰》 内容简介 本书深入剖析了拜占庭帝国在科穆宁王朝晚期（12世纪中叶至13世纪初）这一关键历史转折期中，其奢华的宫廷服饰文化与错综复杂的国际丝绸贸易网络之间的深刻关联。我们聚焦于从君士坦丁堡的宫廷工坊流出的那些精美绝伦的织物，它们不仅是财富与权力的象征，更是帝国对外政策、宗教信仰乃至社会阶层划分的无声语言。 第一部分：丝绸之路的余晖与海上的新格局 在安德洛尼科斯一世和伊萨克二世统治时期，拜占庭的传统陆上贸易路线正受到塞尔柱突厥势力的严峻挑战。然而，帝国并未完全丧失其作为东西方贸易枢纽的地位，而是巧妙地利用了其海军力量和对黑海、爱琴海的控制权，将重心转移至海上贸易。 本书详细考察了威尼斯和热那亚等意大利城邦在这一时期对拜占庭丝绸产业的影响。我们不再将这些意大利商人仅仅视为“剥削者”，而是将其视为将拜占庭的精湛工艺推向欧洲市场的关键媒介。通过对热那亚港口档案和威尼斯总督府记录的交叉比对，我们重构了从君士坦丁堡的“奥古斯塔大殿”到佛罗伦萨美第奇家族府邸的丝绸流向图。 尤其引人注目的是，我们对拜占庭特有的“紫色（Tyrian Purple）”染色技术及其在宫廷中的应用进行了细致的考古学分析。尽管传统的紫色染料来源日益稀缺，帝国宫廷仍然通过创新的化学方法和对稀有海洋软体动物的严格配额管理，维持了其独一无二的皇室色彩象征。我们将探讨“紫色长袍”如何成为区分皇帝、贵族与地方官员的决定性标志，并分析其在东正教礼仪中的神圣意义。 第二部分：织物上的叙事：符号学与帝国宣传 拜占庭的织锦艺术远非单纯的装饰。每一根丝线、每一个图案都承载着复杂的符号学信息，用以宣扬罗马帝国的延续性和神授的统治合法性。 本书集中分析了现存的几组关键织物样本——特别是那些被盗运至威尼斯圣马可大教堂或被西欧教会用作圣物的拜占庭制品。我们运用先进的图像识别技术，解构了这些织锦上反复出现的图案：双头鹰、被驯服的狮子、以及那些身着长袍、手持权杖的“异教徒”君王形象。 我们认为，这些图案并非仅仅是对古典神话的简单复述，而是拜占庭皇帝积极构建的一种“普世帝国”叙事。例如，猎狮的场景，象征着皇帝对内在混乱（叛乱）和外在威胁（异教徒）的绝对控制。我们还深入研究了拜占庭纺织品中对异域动物（如大象、长颈鹿）的描绘，这些往往出现在高级官员的服饰上，暗示着帝国对遥远国度的影响力，即便这种影响力在军事上已趋于衰弱。 第三部分：工坊的秘密：技术传承与外来影响 宫廷织造工坊（Hygia）是帝国技术机密的核心。本书揭示了这一时期技术人员的流动性。我们发现了叙利亚、亚美尼亚乃至早期十字军国家工匠在君士坦丁堡的技术渗透，以及拜占庭技艺如何被这些外来人员学习并带回各自的文化圈。 一个关键的论点是，在马其顿王朝鼎盛时期达到顶峰的复杂提花技术，在科穆宁时期遭遇了技术瓶颈。为了维持织物的奢华度，工匠们开始更多地依赖于金银线（金箔缠绕的丝线）的密度和精细度，而非图案的几何复杂性。这种转变反映了帝国在人力资源和传统材料获取上面临的压力。 我们通过对残留染料微粒的质谱分析，推翻了过去认为拜占庭已完全放弃使用某些稀有植物染料的观点，证明了它们只是被严格限制在皇室和教会的极小范围内使用，这进一步加剧了平民贵族对“接近皇室色泽”的渴望，从而驱动了对仿制品和替代材料的探索。 第四部分：服饰背后的政治博弈：拉撒路与拉丁世界的目光 本书的最后部分关注服饰在外交场合中的实际运用。在第四次十字军东征迫在眉睫的敏感时期，服饰成为重要的外交工具。 通过分析拉丁使节对君士坦丁堡宫廷接待记录的描述，我们可以清晰地看到，拜占庭贵族如何利用服装的“可见性”来区分“我们”与“他们”。拉丁骑士的粗犷羊毛和拜占庭贵族对丝绸、金线和珍稀皮草的偏爱，形成了一种无声的文化优越感展示。我们探讨了“卡巴金”（Kabbadion，一种长袍）在不同场合的穿着规范，以及擅自改变衣着颜色或面料的政治后果，这些都可能被解读为对皇帝权威的挑战。 《失落的织锦》旨在填补拜占庭晚期艺术史和经济史之间的鸿沟，揭示在帝国逐渐衰落的背景下，其宫廷文化如何通过对物质的极致追求，试图留住和彰显其昔日的辉煌与神圣性。它是一部关于丝线、色彩和帝国生存意志的编年史。

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当我翻阅到关于“花艺的临时性与永恒性”的章节时，我几乎热泪盈眶。作者以一种近乎诗意的笔触，描述了花朵从盛放、衰败直至凋零的完整生命周期，并探讨了插花艺术如何捕捉和铭记其中的“最佳瞬间”。书中有一组照片，对比了同一束花在清晨、正午和黄昏时的光影变化，展现了光线如何重塑花艺作品的立体感和情感基调。这让我深刻体会到，插花不是一个静止的成果展示，而是一个动态的、与时间对话的过程。书里反复强调，我们所做的努力，是为了让那些短暂的美丽拥有片刻的“永恒感”。这种对生命本质的关照，让这本书超越了单纯的技巧层面，上升到了哲学思辨的高度。它让我重新审视了自己对待生活琐事的态度，更加珍视每一个稍纵即逝的美好瞬间。

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坦白说，我购买这本书的初衷是想学习一些能够拿得出手、在朋友聚会时能展现一点“小才华”的技巧，毕竟大家都说“会插花的女孩子运气不会太差”。这本书果然没有让我失望，它的实用性是毋庸置疑的。它把复杂的花艺结构分解成了几个易于理解的几何单元，什么三角构图、圆形平衡，配上清晰的箭头指示和剖面图，即便是零基础的新手也能很快上手。我最欣赏的一点是，它非常注重“可复制性”——它提供的很多花材组合都是在普通花店就能买到的，不需要特意去进口花材市场寻觅那些稀有昂贵的品种。我周末跟着书里的“入门级餐桌中心装饰”教程，花了不到一个小时，就做出了一个能让全家人都驻足赞叹的作品。而且，书里还附带了一个关于“花语和色彩心理学”的章节，虽然有些传统，但给我的创作增添了一层更深厚的文化底蕴。

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我是在一个偶然的机会下接触到这本书的，当时我正努力想把自己的小公寓打造成一个充满生机和禅意的空间，但总觉得缺少了点“灵魂”。市面上的花艺书大多侧重于教你如何复制某个成品，而这本却着重于引导读者去“感受”花朵的生命力和空间的关系。它没有生硬地规定“必须这样插”，而是提出了“可以那样思考”。比如，书中探讨了“留白”在插花中的重要性，用大量的图例对比展示了密集堆砌与疏朗有致之间的意境差异，这让我豁然开朗——原来花艺不只是堆砌美丽，更是对负空间的艺术表达。它还深入探讨了不同花材的“个性”：玫瑰的娇艳、兰花的清冷、枝条的遒劲，如何通过不同的线条组合来叙事。我尝试按照书中的理念，用几根枯木和几朵野菊做了一次极简的陈设，效果出乎意料地耐看，那种内敛的东方哲学韵味，是其他任何一本强调色彩饱和度的书籍都无法给予的。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种素雅的米白色封皮，搭配着烫金的标题，散发着一种低调的奢华感，拿在手里沉甸甸的，感觉像是捧着一件艺术品。我特别喜欢它内页的用纸，那种微微泛着亚光的质感，使得印刷出来的图片色彩异常饱满却又柔和，即便是那些需要精细观察的细节，也能看得清清楚楚。我原本以为这会是一本枯燥的理论书籍，但翻开目录才发现，它涵盖了从花材的选择、工具的准备，到不同风格插花（比如日式、欧式、现代抽象）的详细步骤解析，甚至还辟了一个章节专门讲授如何根据季节和场合来设计主题花艺，比如婚礼、庆典和日常家居的布置。尤其是关于花材的养护和保存技巧那一块，写得极其详尽，完全是干货，解决了我在家养护娇嫩花卉时总是遇到难题的困扰。这本书的作者显然是位经验极其丰富且热爱生活的美学家，文字流畅自然，读起来毫无压力，就像是与一位资深的花艺大师面对面交流心得一样亲切。

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这本书的学术深度和广度，远超出了我最初的预想，它更像是一部关于“视觉艺术与自然材料结合”的学术专著，而非简单的操作手册。我注意到作者在引言中提到了从文艺复兴时期对植物的精确描绘，到现代主义对形式的解构，这些跨学科的引用，让整本书的论述体系非常稳固。例如，在探讨“线条”的处理时，它会引用到中国山水画中对“皴法”的运用，将花枝的走向与笔触的力度联系起来，这种跨界的解读方式极其新颖。对于我这种对艺术史略有涉猎的读者来说，这简直是如获至宝。它提供的不仅仅是“怎么做”，更是“为什么这样做是美的”的深层逻辑。阅读过程中，我需要时不时停下来思考，甚至查阅一些辅助的艺术史资料，这本书真正激发了我对这个领域进行系统性探究的欲望。

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学了点基础小知识。花是 彩色的介绍就好了。。后面插花的技术手法太难了我也没有仔细看…懂的欣赏就好了

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