当代书法十家-程风子

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出版者:
作者:柯瑞华
出品人:
页数:117
译者:
出版时间:2007-4
价格:98.00元
装帧:
isbn号码:9787533023676
丛书系列:
图书标签:
  • 书法
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具体描述

《当代书法十家•肖文飞》主要内容:无论如何的风云际会,人生就是一个帖,它需要每个人不断地以跟帖的形式付出自己的努力。因此,《当代书法十家》便不仅仅是十位书法家的秀场,而且是他们各自的人生努力。

在他们的努力中,我首先读到的是真实。关于此,美国的庞德说“真实的作品有好几种。有一种是一挥而就的;又有一种是精心写成的,它比前者所付出的劳动要多得多,因为前者根本没有费什么劳动。不过要做到一挥而就,就可能事先进行大量的劳动。第一类作品也许是诗。第二类作品,即精心写成的作品,很可能就是散文。“具体到燕守谷、薛养贤、程风子、广君、陈震生、魏翰邦、肖文飞、梁培先、王东声、李渊涛等十位书法家的作品,我们可以看到诗,也可以看到散文,至于谁的作品中诗多,谁的作品中散文多,那是见仁见智之事,我能做的只是指出其中的”真实“,并且告诉各位看官,书法的奇妙在于:短短的篇幅甚至几根线条,却能拥有漫长的生活经验,并内涵了实际上需要若干岁月才能结束的故事。或许也正是基于这样的事实,有人放出宏言、西方的艺术归结在建筑之上,而东方的艺术则归结在书法之上。

除却“真实”,我在他们的作品中还读到了发自肺腑的语言。其实,“发自肺腑”这一事实本身便是真实,但是,他们的真实还是在这里显示出了技巧的意义。在他们的笔下,感情发展成了树的形象,它巧妙的结构、穿插,既有自然的韵律法则,又有各自的笔墨精神。在他们蕴有技巧的笔墨形象中,我看到了书法的前世与今生。

当各种有关书法的知识被不断地从文明之光中分泌出来时,书法的智性之根或许正在被越来越多的教条的、僵硬的“知识”所遮蔽。应该知道,真正的书法家不是从文明之光不是从知识,也不是从所谓盼世俗标准中诞生,而是在书法家的自性与智性中诞生。正是在自性与智性中,十位书家不断以“跟帖”的形式回复自己的人生努力,于是,有了他们各自的作品。

有人说,当下书坛流派众多,应该将这十位书法家放在或分别放在什么流派中呢?对此,我的回答是.真正的书法家是没有流派的。如同伟大的诗人并不属于某个流派而是属于整个时代一样,一个真正的书法家也只能属于时代而不是流派。流派会死亡、消失,而真正的书法家却不会。据说,诗歌怕露。因为,意露则浅,气露则粗,味露则滞。但是,在我看来,对于一位书法家来说,当是该露则露。真正的书法家绝不是笑不露齿的闺中小姐,而是坦腹东床,任性而为。因为只有那样才叫性情,才叫健康的生活。

文章至此,本该结束。但是,我要回到文题。因为,这个题目不是我的独创,而是来自于画家朱新建的一个画展。他的展览我没看,也不知道他是如何“回帖”的,但是,在这里,我却以“回帖”的形式回复了十位书法家的艺术努力。如今,我的这个帖子将以“置顶”的形式印在十位书法家各自的作品集前,这让我感到荣幸,也感到惶恐,好在我跟他们一样的真实。可能也正是这样的“真实”才让他们的帖发得从容,而我的跟帖也跟得坦然无娶。

还有人说,本文题目固然为错,可是,那些从不上网的读者可能理解不了。这里我要说的是,无论十位书法家,还是我本人,需要的都是真诚的回复,而非游客的围观。网络时代,如果有人只想做游客看热闹,那就让他们看吧。毕竟,无论我们,还是中国书法本身,需要的是论坛的回复,而非游客的围观。

好的,这是一本关于中国古代艺术史的深度研究著作的简介,与您提到的《当代书法十家-程风子》完全无关: --- 《宋代文人画的意境与笔墨:苏轼、米芾及元四家的先声》 内容提要 本书是一部关于宋代文人画(士人画)发展脉络及其艺术理论核心的专业学术论著。全书聚焦于宋代(特别是北宋中期至南宋早期)艺术思潮的剧烈变革,深入剖析了以苏轼、米芾为代表的文人士大夫阶层如何从唐代的“院体”规范中脱离出来,构建起一套以“尚意”为核心的绘画理论体系。 本书不仅细致梳理了文人画的哲学基础——融合了禅宗思想的道家山水观,更通过对具体作品的笔墨语言分析,揭示了“胸中丘壑”如何转化为笔端“意在笔先”的审美范式。此外,本书还对文人画在元代得以完备和高峰化的历史渊源进行了溯源,阐明了元四家(黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙)的艺术成就并非凭空出现,而是根植于北宋文人画对笔墨精神的初步确立和探索。 导论:从“形似”到“写意”的范式转移 导论部分首先界定了“文人画”这一概念在历史语境下的复杂性。它并非简单的“非职业画家”的代称,而是一种特定的艺术身份和文化立场。作者回顾了唐代李思训、李昭道父子的“青绿山水”所代表的院体工整、重装饰的风格,并指出这种风格在审美上与知识精英的内省需求产生了结构性矛盾。 本书认为,宋代艺术的转向,是社会结构变化(科举制度的成熟和士大夫阶层的崛起)与思想文化复兴(程朱理学和禅宗的流行)共同作用的结果。文人将诗歌的抒情性、书法的笔势和哲学的思辨性引入绘画,要求作品能反映创作者的内在精神气质,而非外在的物理真实。 第一部分:北宋的奠基者——苏轼的“论画”与米芾的“尚法” 一、苏轼的“意在笔先”:文学与审美的交融 苏轼不仅是文学巨匠,更是提出“论画”核心思想的理论家。本章详细分析了苏轼对唐代画家“画工”的批评,尤其是对“形似”的警惕。作者通过解读苏轼的诗句和友人尺牍,阐释了“论画以形似,见与儿童邻”的深刻含义——绘画的价值在于传达“气韵生动”之外的“意趣”。在笔墨实践上,苏轼提倡用“拙”的笔法来表现“拙”的韵味,这与他推崇的自然天成、不事雕琢的审美理想高度契合。 二、米芾的“八面出锋”与对古人笔墨的重估 米芾,作为“书痴”和收藏家,其绘画理论和实践则更侧重于笔墨自身的表现力。本章细致考察了米芾如何将他对书法中“侧锋”和“飞白”的运用,直接转化为山水画的笔墨技法,形成了其独特的“刷”与“点”的松动形态。更重要的是,米芾对古代董源、巨然等五代画家作品的重新发现和推崇,为后世文人画的“以古为师”奠定了重要基调。他强调的“古雅”,实际上是对技术性炫耀的自觉抵制。 第二部分:汴京沦陷后的艺术转向——南宋院体的自觉与文人画的隐逸 北宋灭亡带来的巨大心理创伤,深刻影响了南宋的艺术创作。本章探讨了两种并行的艺术路径: 一、院体画的“写实”:马远、夏圭的“边角趣味” 尽管文人画思潮占据主流,但南宋院体画并未消失,而是走向了新的精致化。马远和夏圭将画面元素压缩至一角或一侧,创造出深邃的“留白”空间。本书认为,这种留白并非仅仅是构图上的简化,而是对北宋宏大叙事破灭后,士人面对破碎山河的“沉思”和“虚空感”的视觉投射。 二、道释画与禅宗的介入:牧溪与梁楷的“减笔”风格 梁楷的“减笔”人物画是文人画精神在人物题材上的极致体现。通过对梁楷《布袋和尚图》等作品的分析,本书探讨了禅宗“直指人心,见性成佛”的思想如何转化为极简的笔墨语言。梁楷的画作,通过故意为之的“不完成感”,要求观者主动参与到意境的构建中,这与苏轼的“意在笔先”形成了艺术实践上的完美呼应。 第三部分:元代文人画的定型与理论的继承 本书的最后一部分将目光投向元代,论证了元四家的创作是宋代文人画理论的实践总汇。 一、对院体的彻底反叛:元四家对笔墨媒介的解放 元四家(黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙)在技法上自觉地退回到董源、巨然的“披麻皴”系统,但他们运用这些技法的方式却完全不同。倪瓒的“折带皴”和稀疏的布局,是“寂寞”与“高洁”的极致表达;黄公望则通过反复皴擦,将笔墨融为一体,强调笔触的内在节奏感。 二、山水图的“自适”功能:以诗为画,以书入画 本书强调,在元代,山水画彻底成为士人抒发政治抱负与个人情怀的载体。画作不再是供人观赏的“作品”,而是画家“自娱”的记录。通过对比元四家的题跋内容,可以看到他们如何运用书法(行书、草书)的笔势与结构来补充和解释画面,实现了诗、书、画的“三绝”统一,完成了宋代文人画所开启的艺术革命。 结语:宋代艺术的深层文化意涵 本书最后总结,宋代文人画不仅是绘画史上的一个流派,更是中国文化史上一次深刻的自我反思。它标志着知识分子群体将审美活动提升到了与政治伦理同等重要的哲学高度,并确立了后世中国艺术(包括书法、诗歌、园林)评价体系中“真性情”与“笔墨精神”的核心地位。 --- 关键词: 文人画、宋代艺术史、苏轼、米芾、尚意说、元四家、禅宗美学、笔墨语言、院体画、中国画论。 目标读者: 艺术史学者、中国哲学史研究人员、专业画廊收藏家,以及对中国古典美学有深度探究兴趣的读者。 本书特点: 结构严谨,考据详实,侧重于艺术理论与具体笔墨实践的对应分析,避免流于表面的人物介绍。全书引用大量一手文献资料和高清文物图版进行论证。

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