具体描述
《中国传统音乐结构学》包括三大音乐体系：中国音乐体系、欧洲音乐体系和波斯阿拉伯音乐体系。所以，从严格意义上说，中国传统音乐结构学应该是以上三大音乐体系为研究对象，总结这三大音乐体系在音乐结构方面的共同性特点的。但是，一方面这三大音乐体系的音乐结构形态、美学思维方式和创作方法、文化内涵与哲学基础既有许多相通之处，也有许多相异之处，合在一起不容易说清楚；另一方面，笔者也尚未从以上这一视角出发，作综合观照。因此，《中国传统音乐结构学》的论述重点放在中国音乐体系的传统音乐。因为它是被中国境内56个民族中，除俄罗斯族之外的55个民族所使用的音乐体系，应该说是在中国传统音乐中，具有主流意义的代表性音乐体系。故《中国传统音乐结构学》中的中国传统音乐结构指认的是中国音乐体系的传统音乐结构；中国传统音乐结构学指的是中国音乐体系的传统音乐结构学。为行文方便，全书仅以中国传统音乐结构、中国传统音乐结构学称之。
作者简介
王耀华，1942年出生于长汀县，祖籍莆田。毕业于福建师大。历任福建师大音乐系副主任、福建师大副校长。现为福建师大音乐学院教授、博导，兼任北京大学教授、音乐系主任、美学与美育研究中心研究员。出版专著《三弦艺术论》、《琉球、中国音乐比较论》、《琉球御座乐与中国音乐》、《中国传统音乐概论》、《中国传统音乐乐谱学》、《福建南音初探》、《福建传统音乐》、《世界民族音乐》等20余部，发表学术论文100余篇。曾获全国高校人文社科优秀成果一等奖1次、二等奖两次，福建省社科优秀成果一等奖5次、中国图书奖1次、国家级和省级优秀教学成果奖各3次。获国务院特殊津贴。为国家人事部表彰有突出贡献的中青年专家、省优秀专家。获首届国家级教学名师奖。
目录信息
一、结构与音乐结构
二、音乐结构学与中国传统音乐结构学
三、中国传统音乐结构学的研究状况
四、本书写作宗旨
五、关于“腔”
第一章 腔音
第一节 “带腔的音”与“不带腔的音”
一、带腔的音
二、不带腔的音
第二节 音过程中的音高、音色、力度变化
一、音高变化的类别和幅度
二、音色和力度的变化
第二章 腔音列
第一节 概述
一、释义
二、腔音列的类别
第二节 中国音乐体系的腔音列系谱
一、中国音乐体系腔音列的九种类别
二、单一性腔音列曲目
三、复合性腔音列曲目
第三节 典型性腔音列和一般性腔音列
一、典型性腔音列’
二、典型腔音列的影响力和典型与一般的相对性
第四节 腔音列与音程、调式
一、腔音列的无半音五声性
二、“宫为音主”和以三音列并置为基础的调式的色彩性
第五节 字腔与过腔
一、字腔
二、过腔
第六节 腔音列节奏
一、单体型节奏与连体型节奏
二、紧松节奏与松紧节奏
第三章 腔节与腔韵
第一节 腔节
第二节 “韵”与“腔韵”释义
第三节 腔韵的类别
一、曲牌系统性腔韵与声腔系统性腔韵
二、曲牌性腔韵和板式性腔韵
三、曲目性腔韵
第四节 腔韵的音乐形态
一、由多个腔音列组合而成的特性旋律音调
二、由多个单体型或复合型节奏组合而成的节奏型
三、基本定格的落音
四、相对固定的篇幅规模
第五节 腔韵的运用
一、腔韵在句尾、句头、句中的出现
……
第四章 腔句
第五章 腔段
第六章 腔调
第七章 腔套
第八章 腔系
第九章 综论
附录：中国传统音乐结构研究相关文献目录
后记
· · · · · · (收起)
读后感
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用户评价
这本书简直是为我这种对中国古代的音乐体系充满了好奇的门外汉量身定做的！我一直以为传统音乐就是那些听起来“老气横秋”的曲子，但这本书彻底颠覆了我的认知。它不是那种枯燥的学术理论堆砌，而是用一种非常生动有趣的方式，将复杂的音乐结构解剖得清清楚楚。比如，书中对“宫、商、角、徵、羽”这五个音阶的阐释，我过去总是模模糊糊，觉得它们不过是音高的代称。但作者深入挖掘了它们背后的哲学含义和在不同历史阶段的实际应用，读完之后，我仿佛能“看见”那些音符是如何排列组合，构成一幅幅气势恢宏的听觉画面。特别是它对比分析了不同流派在同一个调式下的处理差异，那种细致入微的观察力，真的让人拍案叫绝。我特别喜欢它引入的很多古代文献中的描述，那些描述虽然古奥，但结合现代的乐理分析，一下子就变得鲜活起来，仿佛能穿越时空，亲耳聆听千年前的演奏。这本书的价值，远超乎一本教科书，更像是一把钥匙，打开了通往中国文化深层结构的大门。
评分这本书的语言风格，非常克制但又蕴含着深厚的情感，读起来有一种沉静的力量。它极少使用煽情的辞藻，但每一个词语的选择都精准到位，仿佛经过了反复的打磨。我特别喜欢作者在描述一些复杂结构变化时，所展现出的那种近乎于数学家的严谨和艺术家的浪漫的完美结合。它处理“变奏”和“再现”这些核心结构概念时，没有简单地罗列例子，而是深入探讨了“结构动机”在不同语境下的延展性和生命力。有一种段落，专门讨论了民间叙事音乐中，叙事线索如何反向塑造了音乐的整体结构，这种对内容与形式之间辩证关系的探讨，极其深刻。读罢全书，我感觉自己不光是学到了一套分析工具，更是获得了一种新的审美视角——看待任何复杂的体系，都能从中找到那条贯穿始终的“结构主线”。这本书的价值，在于它教会了你如何去“看”音乐的骨架。
评分说实话，我抱着一丝怀疑的态度开始阅读这本书的，因为市面上关于传统音乐的书籍，十有八九都是在重复已知的信息，缺乏真正的洞察力。然而，这本书的出现，绝对算得上是一股清流。最让我震撼的是它对“空间感”在音乐结构中作用的探讨。过去我总以为音乐是纯粹的时间艺术，但作者通过对园林音乐、祭祀音乐的分析，构建了一个“声场结构”的理论模型，这简直是耳目一新！它不再仅仅讨论音高、节奏或和声（虽然这些也有涉及），而是将听者的物理位置、建筑的回音特性也纳入到结构分析的范畴。这种跨学科的思维模式，极大地拓宽了我对“结构”二字的理解边界。阅读过程中，我常常需要停下来，对照着书中的图示反复思考，因为它提出的很多概念，需要读者调动非常抽象的逻辑推理能力才能完全消化。对于有一定音乐基础的读者来说，这本书无疑是一次智力上的盛宴；对于初学者，则可能需要反复咀嚼，但绝对值得投入时间。
评分坦率地说，这本书的学术深度是毋庸置疑的，但它最难能可贵的一点在于，它成功地将那些晦涩难懂的中国传统音乐理论，转化成了一套现代人可以理解和操作的分析框架。作者在书中引用了大量西方音乐学中的一些分析方法（例如形式分析法），但每一次引用都服务于阐释中国音乐的独特性，而非简单地套用。这种“古为今用，洋为中用”的姿态，体现了极高的学术自信。我尤其欣赏它在处理“程式化”结构时的细致区分。它没有将所有套路化的段落一概而论，而是精细地区分了“固定框架”与“可变填充”之间的界限，这种对细节的尊重，使得分析结果既有普适性，又不失个案的鲜活。读完后，我对那些看似重复的乐段，也能听出其中微妙的结构差异和演奏者的意图了。这本书就像是一部精密的仪器，让你能够以前所未有的清晰度，去丈量和欣赏中国音乐的宏大与精妙。
评分这本书的结构安排，不得不提一个“巧”字。它没有采用传统的“先理论后实践”的线性叙事，而是采取了一种螺旋上升的讲解方式。你以为你只学到了一个基础概念，但下一章节就会以一个全新的角度，将这个概念嵌入到更宏大的框架中去，让你不断地“温故而知新”。我尤其欣赏作者在讨论曲式结构时的那种耐心和细腻。很多关于民间乐曲和文人雅乐的比较分析，观点独到且论据充分。它没有陷入“谁比谁高贵”的陈词滥调，而是客观地展示了不同社会阶层对音乐结构的不同需求和表达方式。比如，书中有一部分专门对比了昆曲的板式变化与丝竹乐的散板处理，那段分析的逻辑链条非常严谨，每一个转折点都有明确的音乐实例支撑，让人读起来心悦诚服。读完它，我不仅对“结构”有了更深的理解，更重要的是，对中国音乐的“生命力”有了全新的认识——它不是静止的化石，而是活生生的有机体。
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