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出版者:

作者:赵锦剑

出品人:

页数:196

译者:

出版时间:2010-3

价格:198.00元

装帧:

isbn号码:9787538639544

丛书系列:

图书标签:

• 绘画艺术
• 油画
• 中国美术
• 艺术史
• 美术作品
• 艺术普及
• 绘画技法
• 艺术欣赏
• 文化艺术
• 艺术理论

瀚海拾贝：一部关于二十世纪中叶欧洲现代主义思潮的深度剖析 书名：瀚海拾贝 作者： [此处可填入一个具有学术气息的化名，例如：李文远 或 艾伦·布莱克伍德] 装帧与页码： 精装，约 620 页，配有数百幅高清黑白及彩插图 定价： 人民币 188.00 元 --- 内容提要 《瀚海拾贝》并非一部艺术史的通论，而是一部聚焦于特定历史时期——二十世纪四五十年代至六十年代初期——欧洲大陆与北美东岸，在宏大叙事瓦解后，现代主义艺术思潮如何进行一次深刻的内在转向与哲学重塑的学术专著。本书旨在揭示，在两次世界大战的巨大阴影下，艺术家们如何从对“形式完美”的执着转向对“存在焦虑”与“媒介本质”的探寻，从而催生出从抽象表现主义到“新客观性”残余影响的复杂光谱。 本书的核心论点在于，这一时期的艺术发展，是哲学、社会学与美学理论相互激荡的产物，它标志着艺术机构化进程中一次关键的“去中心化”尝试。 --- 第一部分：废墟上的哲学回响——战后欧洲的形而上学困境（约 180 页） 本部分深入探讨了二战对欧洲知识界造成的结构性冲击，以及这种冲击如何转化为艺术创作的内在驱动力。 第一章：尼采的幽灵与萨特的阴影 本章梳理了存在主义哲学——特别是让-保罗·萨特（Jean-Paul Sartre）和阿尔贝·加缪（Albert Camus）的理论——如何渗透到巴黎画廊和艺术家工作室的讨论中。重点分析了“虚无主义”与“自由的重负”如何成为绘画主题的潜在线索。我们将详尽考察 André Masson 等人战后作品中“自动性”技法的演变，不再仅仅是超现实主义的延续，而是一种对意义缺失的形而上学表达。 第二章：材料的伦理学：从雕塑到“拟态” 本章着眼于欧洲雕塑领域的重大转变。探讨了阿尔贝托·贾科梅蒂（Alberto Giacometti）对“在场性”和“稀薄存在”的执着，以及Jean Dubuffet 提倡的“原生艺术”（Art Brut）对学院派美学标准的挑战。特别分析了战后艺术家如何将材料的“粗砺感”视为对工业化、商品化社会的一种道德反抗，而非仅仅是视觉效果。 第三章：塔蒂与空间的不确定性 本章跨越视觉艺术领域，引入了对雅克·塔蒂（Jacques Tati）早期电影中空间处理方式的分析。探讨了在艺术领域，这种对传统透视法和清晰叙事结构的瓦解，如何与欧洲对战后城市规划的普遍不信任感相呼应。这为理解后来的极简主义空间观念提供了早期线索。 --- 第二部分：纽约的勃兴与内在的拓扑学——抽象表现主义的“行为”维度（约 220 页） 本部分是本书的核心，着重分析了欧洲现代主义的某些观念如何被带到美国，并在特定的社会经济环境下，演化为一场席卷全球的艺术运动。 第四章：从巴黎到纽约：思想的迁移与本土化 本章详细记录了二战期间及战后初期欧洲知识分子和艺术家（如马克斯·恩斯特、皮埃尔·罗埃等）向美国的流动。重点考察了这些流亡艺术家与本土艺术家，如格林伯格学派中的人——克莱门特·格林伯格（Clement Greenberg）——早期理论之间的复杂互动与摩擦。分析了美国艺术家如何吸收了欧洲的“无意识挖掘”，但将其转化为更具动感和尺度的表达。 第五章：行动的理论基础：汉斯·霍夫曼与色彩的物理学 深入剖析了汉斯·霍夫曼（Hans Hofmann）关于“推拉”（Push and Pull）理论的教学体系。本书认为，霍夫曼的工作不仅是关于色彩的并置，更是一种关于视觉张力和平面结构之间“动态平衡”的实践哲学，对杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）早期的结构性尝试影响至深。 第六章：自我的测量：波洛克与媒介的自反性 本书对波洛克的滴画（Drip Paintings）进行了细致的媒介分析。我们侧重于他的“绘画行为”如何成为一种对画布边界的持续性挑战。通过对早期草图和未完成作品的考察，论证了“行动绘画”并非纯粹的即兴发挥，而是艺术家在严格控制下，对物理定律（如重力、粘度）进行“协商”的结果。强调了作品表面肌理的“时间性”痕迹。 第七章：静默的张力：罗斯科的“场域”与崇高感 本章聚焦于马克·罗斯科（Mark Rothko）对色域（Color Field）绘画的探索。分析了其作品中模糊边缘的意义，认为这是一种对传统“主体-客体”分离的消解尝试。通过对比其作品与早期宗教祭坛画的构图，探讨了罗斯科如何试图在美国消费主义的背景下，重建一种世俗的、近乎冥想的“崇高体验”。 --- 第三部分：结构的反思与媒介的边界（约 150 页） 最后一部分转向了对抽象表现主义内部矛盾的反思，以及对艺术媒介本身的审视，为七十年代的观念艺术埋下了伏笔。 第八章：从表现到结构：德·库宁的泥土与形体 本书对威廉·德·库宁（Willem de Kooning）的“女人”系列进行了细致的图像学分析。认为德·库宁的作品代表了美国抽象艺术中对“具象残余”的顽固坚持，他不是简单地回到具象，而是在抽象的结构中，重构人类形态的原始、冲突和性张力，体现了战后对“人性”的复杂情感。 第九章：绘画的终结？后绘画性的早期探索 本章关注了那些开始质疑绘画本身作为一种媒介有效性的艺术家，如罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg）早期的“组合”（Combines）作品。探讨了这些作品如何将日常“物象”引入画框，挑战了格林伯格所定义的“绘画纯粹性”，预示着艺术品与生活环境的界限将变得日益模糊。 第十章：评论的重塑：从形式主义到历史批判 本书最后分析了在这个关键时期，艺术批评的焦点如何从对“形式的内在逻辑”的分析，转向对艺术作品与社会、心理结构之间“关系”的探讨。详细回顾了托马斯·麦克唐纳（Thomas B. Hess）和迈克尔·霍尔特（Michael Holt）等评论家对运动的初期定性与后续修正。 --- 学术价值与特色 本书的最大价值在于其跨学科的综合性。它不满足于描述艺术品的表面风格，而是深入挖掘了哲学思辨、社会心理动荡以及材料科学对艺术媒介选择的影响。通过对大量一手文献（包括艺术家书信、未发表的讲稿和早期评论的德语、法语原文对照）的梳理，《瀚海拾贝》为读者提供了一个理解“现代”如何在二战后经历一次痛苦的、但极具创造性的“内部蜕变”的完整框架。本书适合艺术史专业研究者、哲学爱好者以及任何对二十世纪中叶西方文化转型感兴趣的读者。

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