Joris Ivens and China

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出版者:新世界出版社
作者:中国电影资料馆
出品人:
页数:146
译者:
出版时间:1983
价格:0
装帧:Paperback
isbn号码:9780835110884
丛书系列:
图书标签:
  • 纪录片
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具体描述

探寻光影背后的世界:一部电影史的侧影 本书并非聚焦于某位特定导演的全部创作版图,而是一次对电影艺术在特定历史时期、特定社会背景下,如何作为一种强有力的记录、反思与介入工具的深度考察。 我们将目光投向那些在时代洪流中,坚持以镜头捕捉真实、以光影构建叙事的先驱者,探索他们如何运用电影语言,刻画那些宏大叙事下被忽略的个体命运与社会变迁。 本书的主线围绕着“纪录片作为历史见证与社会批判的媒介价值”展开,辅以对早期电影制作技术与美学风格演变的细致梳理。我们力求剥开历史的迷雾,重现那些决定电影艺术发展轨迹的关键时刻,以及那些在资本与意识形态双重压力下,依然寻求创作独立性的电影人所付出的努力。 第一部分:媒介的诞生与早期探索(1900-1930s) 本部分首先追溯电影作为一种新兴艺术形式,如何从单纯的“奇观展示”过渡到具有叙事深度的“社会镜子”。我们将详细分析梅里爱(Georges Méliès)的魔术幻景与卢米埃尔兄弟(Auguste and Louis Lumière)的纪实瞬间之间的张力,如何奠定了电影叙事的两大基石:幻想与现实。 随后,叙事转向早期欧洲(特别是法国和德国)的先锋电影运动。我们将深入探讨表现主义如何通过扭曲的布景、戏剧化的光影对比,反映一战后德意志民族的集体焦虑与精神困境。卡尔·梅耶(Carl Mayer)的剧本创作哲学,以及弗里茨·朗(Fritz Lang)在《大都会》(Metropolis)中对未来都市的宏大构想与阶级矛盾的隐喻,构成了本节的理论核心。这不是简单的电影回顾,而是对“影像如何承载和预示社会结构性冲突”的探讨。 在技术层面,我们详述了有声电影兴起前的蒙太奇理论如何发展,从爱森斯坦(Sergei Eisenstein)激进的“碰撞式蒙太奇”,到苏联学派对镜头序列节奏的精密计算。这些理论不仅仅是剪辑技巧,更是一种思考世界、组织认知的方式。我们通过分析早期电影节对不同剪辑手法的反应,揭示了文化精英阶层对“电影应该是什么”的早期界定。 第二部分:纪实精神与世界大变局(1930s-1940s) 本书的重心转向了电影介入社会议题的黄金时期。随着全球经济大萧条和法西斯主义的崛起,电影被迫从象牙塔中走出,承担起记录苦难、揭示真相的使命。 我们详细考察了英国的“纪录片运动”及其背后的社会责任感。约翰·格里尔森(John Grierson)提出的“社会教育”理念,如何指导了那些深入矿井、工厂和偏远乡村的摄制组。他们不追求好莱坞式的光鲜,而是力图以朴素的镜头语言,展现普通劳动者的尊严与困境。本书将对比分析不同国家在“宣传”与“纪实”之间的微妙平衡点,例如美国罗斯福新政时期的信息影像,如何被用来动员公众支持国家政策,以及其在影像伦理上引发的争议。 本部分也关注了西班牙内战期间电影作为“即时历史档案”的角色。那些冒着炮火记录前线真实场景的摄影师和导演,他们的工作不仅是艺术创作,更是历史的抢救。我们探讨了这些影像材料在战后如何被重新解读,以及其原始意图与后世解读之间的张力。 第三部分:后战时代的影像重构与自我批判(1950s-1960s) 二战的结束并未带来影像的平静,反而催生了新一轮的电影革新。本部分主要聚焦于对既有电影语言的反叛,以及对个体主体性的重新发掘。 意大利新现实主义的兴起,是本书浓墨重彩的一章。它拒绝棚内布景,拥抱废墟和街道,启用非职业演员。这种对“偶发性(contingency)”的追求,挑战了传统叙事的严密性,代之以对日常生活的细致观察。我们分析了这种风格如何反映了战后意大利社会的物质匮乏与道德重建的复杂过程。 随后,我们将视线转向新兴的“作者论”(Auteur Theory)在法国的成熟。尽管作者论的焦点是导演的个人风格,但其更深层次的意义在于,它试图在工业化制作体系中,确立艺术家的不可替代性与道德权威。我们辨析了早期法国影评人如何构建起一套评价体系,将电影导演视为具有哲学深度的思想家,而不仅仅是技术工人。 最后,本部分探讨了电影与政治激进主义的交汇。在冷战格局下,青年一代的知识分子开始质疑主流媒体的权威性,转而利用16毫米或8毫米摄像机,拍摄那些被官方叙事所忽视的抗议、集会和亚文化现象。这标志着“个人视角”对“宏大叙事”的强力冲击,为后续的电影语言注入了持久的批判性活力。 --- 总结而言,本书旨在提供一个非线性的、侧重于媒介责任与美学革新的电影史阅读路径。它关注的是电影作为一种工具,在面对历史的重大转折点时,其记录者如何做出抉择,以及这些抉择最终如何塑造了我们今天理解“真实”和“影像”的方式。 全书通过对不同流派、不同地域的代表性创作手法的比较分析,试图勾勒出电影艺术在寻求社会意义与追求形式创新之间,那条永恒且充满张力的发展轨迹。

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读后感

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用户评价

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这本书的叙事节奏处理得极其精妙,仿佛一部精心剪辑的电影长片,在不同的历史切面之间流畅地跳转,却从不令人感到突兀。我特别欣赏作者在处理人物群像时所展现出的那种克制与洞察力。伊文斯身边的那些伙伴,那些与他一同在动荡中探索影像边界的同行们,都被赋予了鲜活的生命力,他们的思想碰撞与理念分歧,构成了那个时代知识分子群体的生动图景。你可以在字里行间感受到那种纯粹的知识分子情怀,那种对社会公正与人类命运的深刻关怀,是如何驱动着他们将镜头对准那些被主流叙事忽略的角落。这种对“共同体”精神的捕捉,远比罗列事实要来得动人。它让我思考,在信息爆炸的今天,我们是否还保留着那种为信念共同奋斗、为理想献身的纯粹力量。阅读过程中,我时不时需要停下来,合上书本,让那些充满张力的场景在脑海中回放。这种沉浸感,是只有真正扎实的史料挖掘和高超的文学功底才能共同营造出来的阅读体验。

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这本书的文献价值毋庸置疑,但它最成功的地方在于其文学性的散发。文字的密度非常高,但绝不晦涩。作者似乎深谙“留白”的艺术,总是在关键时刻让历史人物的原始影像资料或信件片段“发声”,用最直接的方式冲击读者的情感防线。这种“间接叙事”的手法,避免了过度解读的风险,让历史的重量感自然地沉淀下来。我尤其喜欢那些关于电影放映和社会反响的描述片段。想象一下,在那个信息传播受限的年代,一部纪录片如何能引发一场讨论,如何能真正触动基层民众的神经——这种能量的传递,是现代流媒体时代难以企及的。它让我对“纪录片的力量”有了更深层次的敬畏。这本书不仅是关于一个人,更是关于一个时代集体意识的脉搏跳动,它提醒着我们,影像绝非无足轻重的娱乐消遣,而是参与历史进程的有效工具。

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令人耳目一新的是,作者并未将伊文斯塑造成一个高大全的完美偶像。相反,书中对艺术家在面对个人选择与时代洪流时的挣扎、妥协,乃至那些不那么光彩的时刻,都有着坦诚而深刻的剖析。这种对复杂性的拥抱,使得这位电影人的形象更加立体、可信。它探讨的更多是一种“漂泊者”的宿命感——一个终其一生都在寻找归属、不断用脚步丈量世界,却又始终保持着审视者距离的知识分子形象。那些关于创作伦理的辩论,关于艺术是否应该绝对服务于政治,或者政治力量如何审视艺术的界限,都通过伊文斯的人生轨迹被巧妙地引入讨论。这种对“度”的拿捏,对“平衡”的探讨,极具启发性。它不提供简单的答案,而是将读者置于那个历史的熔炉之中,去感受熔炼过程中的高温与压力。这种阅读体验,就像是经历了一次深入的、关于道德和美学交锋的心灵洗礼。

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全书的结构设计,如同一个精巧的音乐主题的变奏。开篇的气势磅礴,中段的细致入微,直至结尾那种略带苍凉却又充满对未来某种期许的收束,都处理得恰到好处,让人意犹未尽。它成功地将宏大的历史背景与微观的个人情感体验编织在一起,形成了一种既具史诗感又充满人情味的叙事张力。读完之后,我感觉自己不仅是了解了某位艺术家的生平,更是对二十世纪全球意识形态冲突下知识分子的生存状态有了一次深刻的复盘。这本书的阅读体验是渐进式的,初读时或许会被其史料的丰富性所震撼,但随着深入,更会被其中蕴含的关于坚持、关于变迁、关于艺术与社会责任之间永恒张力的思考所吸引。它不是一本快速翻阅的消遣读物,而更像是一次需要投入心力的“学术漫步”,每一次重读,都可能从不同的褶皱中发现新的洞见。这份沉甸甸的收获,实属难得。

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翻开这本关于约里斯·伊文斯的书,我的心头立刻涌起一种强烈的时代回响。它并非仅仅是一部传记,更像是一面多棱镜,折射出二十世纪波澜壮阔的历史侧影。作者以一种近乎史诗般的笔触,勾勒出这位荷兰电影大师的内心世界与创作轨迹。书中对早期电影制作技术革新的探讨,尤其令人着迷。那种在技术条件极其有限的年代,如何凭借一腔孤勇和对光影的执着,去捕捉和记录下那些转瞬即逝的社会真实,着实令人肃然起敬。伊文斯对待电影的严肃态度——他将镜头视为武器和记录者——通过细腻的文字被完美地传达了出来。读到他早年间那些充满理想主义的影像实验,我仿佛能闻到胶片燃烧时特有的气味,感受到那种早期电影人特有的、近乎宗教般的狂热。它没有直接谈论特定的某个国家或事件,而是着重于一种“观看”的方式,一种艺术家如何介入宏大叙事、又如何不被其吞噬的哲学思辨。这种对艺术本体的深挖,让这本书的厚重感油然而生,它超越了简单的纪实,上升到对媒介本质的探讨。

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