Touch in Museums

Touch in Museums pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:
作者:Chatterjee, Helen J. 编
出品人:
页数:320
译者:
出版时间:2008-10
价格:$ 135.54
装帧:
isbn号码:9781847882394
丛书系列:
图书标签:
  • 博物馆
  • 触觉
  • 感官体验
  • 无障碍
  • 包容性
  • 展览设计
  • 博物馆教育
  • 文化遗产
  • 辅助技术
  • 参与式体验
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具体描述

The value of touch and object handling in museums is little understood, despite the overwhelming weight of anecdotal evidence which confirms the benefits of physical interaction with objects. Touch in Museums presents a ground-breaking overview of object handling from both historical and scientific perspectives. The book aims to establish a framework for understanding the role of object handling for learning, enjoyment, and health. The broad range of essays included explores the many different contexts for object handling, not only within the museum, but extending beyond it to hospitals, schools and the wider community. The combination of theoretical analysis, policy assessment and detailed case material make Touch in Museums invaluable reading for students and professionals of museology or cultural heritage.

好的,以下是针对您所提供的书名“Touch in Museums”(博物馆中的触碰)之外的另一本虚构图书的详细简介,旨在避免提及“触碰”这一主题,并力求内容的深度和细节,以符合自然写作的风格。 --- 图书简介:《光影的秘语:19世纪欧洲绘画中的空间叙事与观看之道》 作者: [此处可留空或使用一个虚构的专家名称] 页数: 约 620 页,附录与参考资料 80 余页 装帧: 精装,附带高品质全彩插图 150 余幅 第一部分:序曲——透视法则的黄昏与黎明 本书深入剖析了19世纪欧洲绘画中,艺术家如何运用和颠覆传统的空间构建方式,来重塑观者的体验与叙事结构。我们并非简单地考察透视法的机械应用,而是着眼于其背后蕴含的哲学转向——从文艺复兴以来被奉为圭臬的“单点透视”是如何在浪漫主义的激情与现实主义的冷静中逐渐解体的。 第一章“消失点的消散”追溯了从大卫的严谨构图到德拉克洛瓦笔下流动的、情绪化的空间隔离。19世纪的“空间”不再是静态的、可被理性测量的容器,而成为了一个充满张力、暗示心理状态的媒介。我们特别关注了法国沙龙体系中,对“不恰当透视”的争议如何反映了社会对视觉秩序的焦虑。 第二部分:环境的建构——光线、氛围与叙事的共谋 本卷的核心在于探讨环境元素如何超越单纯的背景作用,成为故事本身的一部分。我们不再将风景画视为描摹对象的附属品,而是将其视为一种情感的载体。 主题一:光线的文学性(The Literariness of Light) 从透纳对大气现象的痴迷,到科罗(Corot)的晨雾弥漫,光线不再仅仅是照明工具,它成为了时间的标记和命运的预兆。 案例研究:透纳的“热与光”系列——分析他如何通过对色彩饱和度的极端处理,使画布上的空间感被光线的“物质化”所吞噬,探索这种处理方式如何预示了印象派对光影瞬间捕捉的追求。 巴比松学派的“阴影语言”——探讨米勒等画家如何利用森林深处的幽暗与田野上的强烈日光对比,来构建劳作的艰辛与精神的崇高,解析这种对比如何引导观者的视线在“可见”与“不可见”之间游移。 主题二:室内景深的心理学 进入19世纪中后期,室内场景的描绘成为探索个人内心世界的关键场域。 维多利亚时代的“拥挤的房间”:分析多位英国画家如何通过堆砌物件、层叠的窗帘和复杂的光影折射,营造出一种既私密又充满压抑感的室内空间,探讨这种“空间饱和度”与中产阶级伦理的关系。 “镜子与反射”的迷宫:深入研究画家们如何利用镜面、玻璃器皿和抛光金属表面来打破传统单点透视的封闭性,引入了多重视角和“画中之画”的复杂结构,迫使观者反思自身在观看行为中的位置。 第三部分:视线与运动——非欧几里得观看的萌芽 本部分将焦点转向运动感和非线性叙事在空间布局中的体现,这是理解20世纪早期现代艺术的关键跳板。 一、流动的边缘:全景式的拓展 我们研究了那些试图突破传统矩形画框限制的作品。这不是关于全景画(Panorama)的物理展示,而是关于画家在画布上如何营造出一种“环绕式”的视觉体验。例如,某些历史题材作品中,人物和场景被拉伸或分散至画面的边缘,引导观者的视线进行“扫描”而非“聚焦”。这种技术对传统构图的冲击,标志着对“固定观察点”的质疑。 二、时间的褶皱:叙事空间的重叠 艺术家开始在同一画面中并置不同时间点的事件,这直接影响了空间的逻辑。 蒙太奇式的空间并置:分析普吕东(Puget)或早期象征主义画家如何将回忆的场景、现实的场景与想象的场景叠加在一个统一的平面上。这种“空间堆栈”迫使观者不再按传统的阅读习惯,而是像在解读诗歌一样,在不连续的空间片段中寻找意义的连接点。 “留白”的张力:与中国传统山水画的写意不同,19世纪欧洲绘画中的“留白”(或未完成的区域)常常是为了强调中心主题,但其处理方式更具侵略性。这些被刻意模糊或空置的区域,不再是背景,而是主动地向观者施加压力,暗示着被压抑的或尚未爆发的情绪,从而改变了整个空间的呼吸节奏。 第四部分:结语——通往现代的桥梁 《光影的秘语》最终论证了19世纪绘画对空间处理的创新,是欧洲文化从绝对理性向多维感知过渡的必然产物。这些画家通过对光线、反射、环境和运动的精妙操控,有效地瓦解了僵化的视觉框架,为后来的后印象派、立体主义以及其他现代艺术形式开辟了道路。本书旨在提供一套新的词汇和分析框架,让读者能够以更丰富、更具历史敏感性的视角,重新“阅读”那些熟悉的杰作。它是一部关于观看方式变革的编年史。 ---

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