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出版者:

作者:Gelling, Peter

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:77.00 元

装帧:

isbn号码:9781864690132

丛书系列:

图书标签:

• Blues Piano
• Piano Instruction
• Music Education
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• Beginner Piano
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• Improvisation

爵士乐的灵魂：掌握即兴创作的终极指南 （这是一本深入探索爵士乐和声、旋律构建以及即兴演奏技巧的权威著作，旨在将学习者从基础乐理提升到能够自信地在任何爵士乐队中演奏的水平。） --- 第一章：爵士乐的根源与思维模式 1.1 蓝调的基石：爵士乐的DNA 本章将追溯爵士乐自新奥尔良起源，如何从非洲节奏、欧洲和声与美国南方蓝调音乐中汲取养分，逐步演变成一种复杂的艺术形式。我们将详细分析早期迪克西兰（Dixieland）风格中的集体即兴特点，以及比波普（Bebop）革命对和声结构带来的颠覆性影响。重点在于理解“摇摆感”（Swing Feel）的本质——它不仅仅是节奏的划分，更是一种音乐情绪和律动的表达方式。我们将通过分析路易斯·阿姆斯特朗和杰里·罗尔·莫顿的早期录音，解析这种根源性的律动是如何嵌入到后世爵士乐的每一个音符之中的。 1.2 聆听的艺术：培养“耳朵的肌肉” 在爵士乐中，耳朵远比手指重要。本章致力于训练读者如何主动、批判性地聆听。我们将区分“主题”（Head）的记忆与“即兴段落”（Improvisation Chorus）的创造。内容包括：如何有效分辨和模仿大师的乐句（Licks），如何辨识复杂的和声进行中的色彩音（Color Tones），以及如何通过“内化”已听到的音乐，将其转化为自身演奏语言的一部分。我们将推荐一份必听的爵士乐专辑清单，并为每张专辑提供针对性的聆听练习，例如，仅关注贝斯线的运动轨迹，或仅关注鼓手的踩镲（Hi-Hat）节奏。 1.3 乐理的解放：超越基础的三和弦 本章将爵士乐复杂和声的神秘面纱揭开。我们将不再停留于基础大调、小调音阶，而是全面深入七和弦、九和弦、十一和弦、十三和弦的构成，以及它们在不同调式中的应用。核心内容包括：属七和弦的替代音（Tritone Substitution）、导和弦的运用（Secondary Dominants）以及“和声重构”（Reharmonization）的基本概念。通过大量的乐谱示例和和弦图，读者将学会如何将一个简单的流行歌曲和弦走向（如I-IV-V）转化为充满张力的爵士和声，为即兴创作打下坚实的“和声地图”。 --- 第二章：即兴语言的构建：音阶、琶音与动机发展 2.1 调式与调性：爵士乐的音域百科全书 掌握不同的调式是即兴创作的基石。本章将详细讲解从古老的多利亚（Dorian）、弗里吉亚（Phrygian）到爵士乐核心的混合利迪亚（Lydian Dominant）和减音阶（Diminished Scale）的特性。重点在于理解“调性漂移”（Modal Interchange）的概念，即如何在不改变根音的情况下，临时切换调式来为既有和弦增添色彩。读者将学习如何使用特定的音阶来强调和弦中的特定音符（如九音、十一音或十三音），从而实现“准确性”的即兴。 2.2 琶音的几何学：和弦结构的立体呈现 琶音不再是简单的音符堆砌，而是构建旋律的骨架。本章将系统性地展示所有七和弦的琶音练习，从基础的三音、四音结构，进阶到包含九音和十一音的“扩展琶音”（Extended Arpeggios）。关键技巧包括：如何将琶音分解成“琶音片段”（Arpeggio Fragments）并进行节奏上的变化，以及如何在连续的和弦进行中实现流畅的琶音连接，避免生硬的“跳跃感”。 2.3 乐句的炼金术：从音符到旋律 这是将技术转化为艺术的核心章节。本章聚焦于“动机发展”（Motivic Development）。爵士乐的即兴本质上是基于一个或几个核心音乐想法的不断变奏。我们将学习：如何从一个两到三个音符的短小乐句出发，通过节奏的改变（Rhythmic Variation）、音高的反转（Inversion）、序列发展（Sequencing），将其扩展成一个完整的、具有叙事性的即兴段落。本章提供大量范例，展示如何将一个简单的蓝调乐句，通过八度变化和时值压缩，在不同的和弦上保持连贯性。 --- 第三章：节奏的魔术与律动的驾驭 3.1 节奏的层次感：区分主旋律与伴奏律动 爵士乐的节奏是由多个声部共同构建的。本章将深入探讨鼓手、贝斯手和钢琴/吉他手如何共同创造出无缝的“律动网格”。对于旋律演奏者而言，关键在于“提前与延迟”（Anticipation and Delay）。我们将分析即兴者如何故意在强拍前后“摇摆”音符，以创造出一种“紧张-释放”的听觉体验。本章包含针对特定节奏型（如波萨诺瓦、曼波、放克爵士）的律动分解练习。 3.2 填充音（Fills）与停顿（Space）：叙事的张弛有度 成功的即兴不是一个音符不落地演奏，而是懂得何时沉默。本章强调“空间”（Space）在爵士乐中的重要性。我们将教授如何策略性地使用短暂的停顿来引导听众的注意力，以及如何设计富有冲击力的“填充乐句”（Fills）来标志乐句的结束或和声的转折。通过分析迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）的演奏，学习如何用最少的音符讲述最完整的故事。 --- 第四章：风格的演变与深度探索 4.1 走向现代：后波普的复杂和声 本章将带领读者进入约翰·科尔特兰（John Coltrane）和比尔·埃文斯（Bill Evans）所代表的现代爵士领域。我们将重点研究“音高集合理论”（Set Theory）的简化应用，特别是科尔特兰的“向外和声”（Outside Playing）技术——即如何在不脱离整体调性的情况下，短暂地演奏出听起来“错误”的音符，并迅速回归。读者将学会如何使用“音块”（Block Chords）的概念来增加旋律的厚重感，以及如何理解和声的“垂直”与“水平”的互动关系。 4.2 经典曲目的解构与重塑 实践是检验真理的唯一标准。本章将选取五首爵士标准曲（如 Autumn Leaves, All The Things You Are, Take The 'A' Train 等），进行彻底的“反向工程”分析。我们将逐小节地拆解大师们是如何处理每一个和弦、如何选择音阶、以及他们是如何设计即兴段落的起承转合。每首曲目都附带“和声替换”的建议，鼓励读者不要满足于原版和弦，而是要勇于加入自己的和声色彩。 4.3 即兴演奏的心理学：舞台上的临场反应 音乐的表演是一个动态的交流过程。本章讨论如何在乐队环境中有效互动。内容包括：如何倾听并回应其他乐手的演奏（Call and Response），如何处理演奏中出现的意外失误，以及如何根据听众的反应调整即兴的能量水平。最终目标是培养演奏者的“情境感知能力”，使每一次即兴都是一次独一无二、浑然天成的对话。 --- （本书附带大量在线资源链接，包括所有范例的慢速与常速音频演示，以及可供下载的钢琴/吉他伴奏音轨，确保读者能够立即将理论应用于实际演奏中。）

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