Historical Dictionary of Japanese Traditional Theatre pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Leiter, Samuel L.

出品人:

页数:632

译者:

出版时间:2006-1

价格:$ 129.95

装帧:

isbn号码:9780810855274

丛书系列:

图书标签:

• Japanese Theatre
• Traditional Theatre
• Kabuki
• Noh
• Bunraku
• History
• Performing Arts
• Culture
• Japan
• Dictionary

走进日本传统戏剧的瑰丽世界 本书并非《Historical Dictionary of Japanese Traditional Theatre》的简介，而是对其他聚焦于日本传统戏剧不同侧面的著作的深度概述。 --- 卷帙浩繁的日本舞台艺术：探索其核心美学与历史变迁 本书旨在为读者提供一个全面且深入的视角，审视日本传统戏剧艺术——尤其是歌舞伎（Kabuki）、能乐（Noh）与狂言（Kyogen）——自其诞生、发展到现代转型的复杂历程。我们并非简单地罗列术语，而是致力于剖析支撑这些表演形式的哲学基础、美学原则以及社会功能。 第一章：神圣的起源与早期演变（古代至室町时代） 日本的舞台艺术并非凭空出现，而是深深植根于古代的宗教仪式与民间信仰之中。本章首先追溯神乐（Kagura）的原始形态，探讨其如何与佛教、道教元素交织，催生了早期戏剧的雏形。 能乐的诞生与“幽玄”的探求： 重点关注室町时代，在世阿弥（Zeami Motokiyo）的理论构建下，能乐如何从田乐（Dengaku）等民间娱乐中脱胎换骨，成为贵族阶层和武士阶层推崇的艺术。我们详细分析了世阿弥在其著作中提出的核心美学概念，如“幽玄”（Yūgen）——那种深沉、朦胧、暗示性的美感，以及“花”（Hana）——演员魅力与作品生命力的结合。 结构分析： 探讨能剧剧本的典型结构，如“序破急”（Jo-Ha-Kyu）的节奏划分，以及“见之段”和“物语”在叙事中的作用。 面具的语言： 深入研究能面（Noh Mask）的制作工艺及其在舞台上所承担的象征意义，如何通过微小的角度变化传递复杂的情感状态。 狂言的世俗对白： 紧随其后，我们区分了与能乐共生并相互补充的狂言。狂言以其诙谐、讽刺的风格，扮演了传统戏剧中的“减压阀”角色。本章探讨了狂言如何通过对日常生活的夸张描摹和对社会弊病的批判，使其成为研究室町时代社会风貌的活化石。 第二章：江户时代的繁荣与歌舞伎的崛起 随着江户幕府的建立，社会结构趋于稳定，新兴市民阶层（町人文化）的崛起为更具活力和娱乐性的艺术形式提供了土壤。歌舞伎（Kabuki）应运而生。 从倾奇者到文化符号： 本章细致考察了歌舞伎的早期历史，从出云阿国（Izumo no Okuni）的“倾奇舞”到后期演员身份的规范化（如若众歌舞伎、野郎歌舞伎）。我们分析了歌舞伎如何迅速吸收了净琉璃（Jōruri，木偶戏）的叙事技巧和音乐元素，从而形成了其独特的综合艺术形态。 舞台技术革新： 详细描述了江户时代舞台机械的重大突破，特别是“花道”（Hanamichi，通路）的引入及其对观众沉浸感的影响，以及“见切”（Mie，定格动作）在戏剧高潮中的核心地位。 流派的形成与代表人物： 重点介绍歌舞伎的黄金时代，如近松门左卫门（Chikamatsu Monzaemon）对“人情戏”（Sewamono）的贡献，以及如何通过对历史题材（Mage-goto）的改编来巧妙规避幕府的审查制度。 第三章：美学的对立与融合：传统程式的深度解析 本章超越了简单的历史叙述，转入对传统戏剧美学核心的比较分析。我们探讨了歌舞伎的“假名”（Kabuki-Nari）所体现的华丽、外放的现实主义与能乐的“幽玄”所代表的抽象、内敛的超验性之间的张力。 音乐与身体的语言： 净琉璃的叙事力量： 探讨三味线（Shamisen）在歌舞伎和净琉璃中的角色，区分其在不同剧目中作为背景音乐、情绪渲染或角色内心独白的运用方式。 化妆与服装的象征体系： 深入解读歌舞伎的“隈取”（Kumadori）化妆技术——色彩和线条如何直接标识角色的善恶、力量与心性。同时，分析能乐服装的厚重与仪式感如何服务于其非写实性的表演要求。 第四章：现代性中的传统：明治维新后的挣扎与复兴 随着日本向西方开放，传统戏剧面临了巨大的冲击。本章考察了明治维新（1868年后）时期，日本传统艺术如何应对西方戏剧模式的挑战。 从“活的遗产”到“保护对象”： 能乐的生存危机与制度化： 探讨能乐如何从武士阶层的专属艺术，转变为需要政府资助和“国宝”地位才能维持的古典遗产。分析了围绕能乐的“复古派”与“革新派”之间的争论。 歌舞伎的现代化尝试： 考察了在20世纪初，歌舞伎如何通过引入新式灯光、舞台装置（如“旋转舞台”）以及对剧本的“合理化”改编，试图吸引新的观众群体。同时也记录了守护传统程式的“古典派”（如六世尾上菊五郎等）所做出的巨大努力。 结语：流动的传承与未来的舞台 本书的最后一部分超越了文本和历史，探讨了当代日本戏剧艺术家们如何在一个全球化的文化环境中，重新诠释这些古老的艺术形式。我们关注当代剧作家（如三岛由纪夫在能剧创作上的尝试）和创新导演对传统程式的解构与重塑，探讨传统戏剧如何在保持其核心精神的同时，继续与当代观众对话。通过对这些艺术形式持续的生命力的考察，读者将能更深刻地理解日本文化中对时间、瞬间与永恒的独特感知方式。

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我花了相当长的时间，试图在这本厚重的卷帙中寻找关于“能剧”的特定术语解释，但发现它更侧重于宏观的文化脉络梳理，而非详尽的词条汇编。它似乎更像是一部导论性的历史著作，而非传统意义上的“字典”。比如，它在讨论面具艺术时，更多地是将其置于日本宗教与社会变迁的大背景下进行阐述，而非逐一列举“翁面”、“小牛面”的细微区别和使用场合。这对我这个希望快速查阅特定概念的初学者来说，构成了一定的阅读障碍。它要求读者具备一定的预备知识，才能更好地消化其中蕴含的深层文化意涵。这种写作风格，虽然提升了作品的学术深度，但也相应地降低了其作为“词典”的即时检索效率。我希望未来的修订版能够增加一个详尽的索引或附录，以弥补这种结构上的取舍所带来的不便，让那些对细节有迫切需求的读者也能得偿所愿。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面采用了典雅的靛蓝色，上面烫金的标题在光线下低调地闪烁着，散发出一种沉甸甸的历史厚重感。纸张的质地也十分考究，摸上去有种温润的触感，内页的排版清晰流畅，字体选择既古典又不失现代易读性，光是捧在手里，就能感受到出版方对这部“工具书”的用心程度。我尤其欣赏它在细节处理上的讲究，比如章节之间的过渡页，采用了略微泛黄的唐纸纹理，让人仿佛真的在翻阅一本穿越时空的古籍。虽然我目前还没能完全深入到内容的探讨，但仅从视觉和触觉体验来看，这无疑是一件值得收藏的艺术品。它不仅仅是一部工具书，更像是一件陈列在书房里，能提升整体格调的装饰品。它的存在本身，就象征着对某一特定文化领域知识的尊重与珍视，让人对接下来的阅读充满了美好的期待。这种对实体书籍工艺的坚持，在如今这个电子书泛滥的时代，显得尤为可贵。

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我对作者引用的文献来源感到非常好奇和赞赏，它似乎构建了一个相当扎实的跨学科引证网络。我在浏览脚注和文末的参考书目时，发现其中不仅包含了大量的日文一手资料，如某些罕见的能乐座记录和地方史志，还巧妙地穿插了西方人类学、宗教学的经典论著，来佐证日本传统仪式性表演的深层结构。这种编纂方式，极大地拓宽了研究的视野，避免了陷入孤立的文化解释困境。例如，当论及神乐舞与祭祀活动的关系时，作者引入了范·格内普的“通过仪式”理论框架进行比对分析，这种方法论上的融会贯通，使得原本晦涩难懂的民俗学概念变得清晰易懂。这表明编者并非仅仅是一个文化史的搬运工，更是一位深谙比较研究之道的学者。这种严谨且广博的学术支撑，是衡量一部严肃参考书价值的核心标准。

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坦白说，这本书的语言风格是极其学术化和书面化的，即便是被标记为“导论”的部分，也充满了长难句和高度凝练的专业术语，这对非日语母语的读者构成了不小的挑战。我时常需要在阅读过程中，频繁地在文本和笔记本之间切换，试图梳理出作者构建的复杂逻辑链条。比如，某些对特定戏剧流派“心法”的描述，翻译得过于直译，导致其内在的意境和韵味丢失殆尽，显得干瘪而晦涩。我理解学术翻译的难度，但一本面向国际读者的“词典”，其易读性理应被置于更高的优先级。我期待的是一种“知识的桥梁”，而不是“语言的壁垒”。如果能在关键概念旁边，用更简洁的白话进行二次释义，或者提供一个专门的“术语速查表”，相信能让更多对日本文化感兴趣的普通爱好者也能受益匪浅，而非仅仅局限于深耕此道的专业研究者。

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这本书的学术立场是极其鲜明的，它似乎在潜意识中，将“传统剧场”的定义锁定在了江户时代以前的古典范式上，对于明治维新后，受到西方戏剧冲击而产生的本土化实验性作品，着墨不多。在介绍歌舞伎的流派演变时，对近现代流派的创新和对传统程式的解构尝试，处理得相对保守且简略。我个人的兴趣点恰恰在于这种“变异”与“融合”的阶段，即传统是如何在现代性压力下挣扎求存并重新定义自身的。因此，我在阅读关于“四世团菊左文字”及以后时代的章节时，总感觉意犹未尽，像是被轻轻地推到了一个重要的转折点前，却未能获得深入的剖析。这使得这本书的叙事弧线，似乎在某一历史节点上戛然而止，未能完整呈现出传统剧场面向二十一世纪的全景图。或许，作者认为那部分内容应归入“现代戏剧史”的范畴，但对于一部冠以“传统剧场”之名的工具书而言，这种界限的划定，值得商榷。

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