Atelier Van Lieshout pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Noever, Peter (EDT)

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:

价格:372.00元

装帧:

isbn号码:9783851600681

丛书系列:

图书标签:

• 当代艺术
• 雕塑
• 装置艺术
• 荷兰艺术
• 阿特利耶·凡·利斯豪特
• 实验艺术
• 概念艺术
• 艺术设计
• 先锋艺术
• 艺术出版物

铸就想象的熔炉：当代雕塑的另类叙事 书籍名称： 铸就想象的熔炉：当代雕塑的另类叙事 (The Crucible of Imagination: Alternative Narratives in Contemporary Sculpture) 页数： 约 550 页 装帧： 精装，配有大量高清彩图与建筑图纸复刻件 出版日期： 2024 年秋季 --- 内容梗概 《铸就想象的熔炉：当代雕塑的另类叙事》并非仅仅是一部对既有艺术史的梳理，而是一次深入当代雕塑语境下，对“物质性”、“公共性”与“去中心化”三重概念的激进重构与深度探访。本书聚焦于那些拒绝传统美学规范、主动介入社会结构、并利用非常规材料与场域进行创作的艺术家群体。它探讨了雕塑如何从纪念碑式的凝固状态中解放出来，转变为一种动态的、具有交互性和系统性的存在形式。 本书的核心论点在于：当代雕塑已不再是孤立的物体，而是构建复杂体验的“装置系统”或“功能性幻象”。这些作品挑战了观众对“艺术品”的既有认知，迫使观者进入一个由材料、尺度和预设功能共同构筑的、充满张力的批判性空间。 第一部分：物质的叛逆与身份的重构 (The Material Rebellion and Identity Reconfiguration) 第一章：超越青铜与大理石的边界 本章详述了二十世纪末以来，艺术家们如何系统性地放弃或解构传统雕塑的“高贵”材料。我们分析了工业废料、有机复合材料、生物技术副产品以及数字制造原型在雕塑语言中的崛起。重点考察了材料本身所携带的社会历史包袱——比如塑料对消费主义的隐喻，或回收金属对工业衰退的控诉。这不是对材料的简单替代，而是对材料“在场性”（Presence）的重新定义。 第二章：尺度的政治学：从纪念碑到微观结构 雕塑尺度的剧烈波动是当代艺术的一个显著特征。本章对比了两种极端倾向：一是那些规模庞大、直接挑战城市天际线或工业遗址的“巨型建构体”（Megastructures）；二是那些需要观众极度靠近才能察觉其复杂性的“内向性拓扑”（Introverted Topologies）。通过案例分析，我们揭示了尺度如何直接操控观众的身体经验与权力感知。一个巨大的作品会制造压迫感，而一个极小的作品则要求一种近乎私密的、侦探式的审视。 第三章：身体的置换：雕塑作为人体工程学实验 雕塑与身体的关系不再是“再现”，而是“置换”与“赋能”。本部分深入探讨了那些设计为可穿戴、可栖居或可操作的雕塑作品。这些作品模糊了艺术品、工具和服装之间的界限，探讨了技术如何重塑我们的身体感知和互动模式。重点分析了在后人类理论的背景下，雕塑如何成为人类与非人（机器、环境、生物）之间进行中介和沟通的界面。 第二部分：场域的入侵与公共性的再激活 (Field Invasion and the Reanimation of the Public Sphere) 第四章：雕塑作为非场所的建筑 (Sculpture as Architecture of Non-Place) 当代雕塑常常拒绝被固定在美术馆的白色立方体内，转而侵入公共广场、废弃工厂或自然景观。本章研究了这种“场所特异性”（Site-Specificity）的演变——它不再仅仅是对场所的响应，而是对场所的激进干预和功能重塑。我们考察了那些临时性的、可拆解的结构，它们如同幽灵般短暂地占据空间，并以其异质性挑战着既定的城市规划和日常秩序。 第五章：流程的艺术：从成品到持续的系统 (The Art of Process: From Artifact to Ongoing System) 许多重要的当代雕塑作品的价值在于其“生成过程”而非最终形态。本章关注那些依赖于持续的外部输入（如天气、交通流、社会互动）才能维持其状态的作品。雕塑在这里成为一个开放的“系统”，其最终形式是不可预测的。我们探讨了这种动态性对艺术品所有权、保存和历史记录构成的挑战。 第六章：观众的嵌入：参与式雕塑与关系美学的新视野 本书认为，当代雕塑最高级的形态是那些迫使观众成为作品不可或缺的一部分的作品。本章详细考察了“关系美学”在三维空间中的实践，探讨了艺术家如何设计“启动机制”，将观众的行为——无论是身体的移动、语言的交换还是物质的贡献——转化为雕塑形式的组成部分。这关乎创作权力的转移，以及艺术作品作为社会催化剂的角色。 第三部分：技术、代码与物质的交融 (The Fusion of Tech, Code, and Matter) 第七章：数字化的触觉：虚拟模型到物理实体的转换 随着三维打印、机器人制造和参数化设计的成熟，雕塑创作进入了一个新的阶段。本章探讨了数字文件如何成为一种新的“原型”或“母版”，以及艺术家如何巧妙地在数字的精准性和材料的随机性之间进行斡旋。作品不再是手工匠人技艺的体现，而是复杂算法与物理约束相互博弈的结果。 第八章：自律的形体：仿生学与自主雕塑 某些前卫的雕塑作品开始展现出某种程度的“自律性”。本章审视了集成传感器、微控制器和执行器的作品，它们能够对环境做出反应、甚至自我修复或缓慢地改变形态。我们研究了艺术家如何利用仿生学（Biomimetics）的原则，赋予无生命的物质以类似生命的“能动性”（Agency）。 第九章：档案、残骸与记忆的碎片 最后，本章探讨了当代雕塑作品在生命周期结束时所面临的命运——是作为废弃物、遗迹还是新的考古发现？我们分析了艺术家如何主动将“衰败”、“损坏”或“不完整”纳入作品的初始设计中，以此来批判线性时间观和对“永恒性”的迷恋。这些残骸不再是失败的标志，而是时间流逝留下的、具有叙事深度的物质证据。 --- 总结与展望 《铸就想象的熔炉》旨在为读者提供一个清晰的框架，用以理解当代雕塑如何跨越界限、吸收异质元素，并对我们所处的物质世界提出深刻的疑问。它倡导一种将雕塑视为一种开放的、持续演变的“思想实践”的视角，而非最终定格的艺术对象。本书是对那些勇于打破媒介藩篱、挑战既定权力的雕塑家的致敬。

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这本《Atelier Van Lieshout》的封面设计简直是视觉上的冲击，那种大胆的色彩运用和充满几何感的构图，让人一眼就能感觉到这背后蕴藏的巨大能量。我是在一个独立书店里偶然翻到的，当时就被它那种特立独行的气质吸引住了。虽然我对这个工作室的背景了解不多，但仅仅从排版和印刷的质感上，就能体会到出版方对艺术品本身的尊重。内页的跨页大图展示，尤其是一些装置艺术的细节特写，简直是教科书级别的摄影，光影的捕捉精准到位，让那些原本应该冰冷的金属或塑料材质，都仿佛有了呼吸。我特别留意了其中一组关于“生物形态”的作品，那种介于有机与机械之间的模糊地带，让人不禁思考人造物与自然界的关系。书中的文字部分，排版非常克制，留白恰到好处，没有用那些过于学术的晦涩语言去堆砌，而是用一种近乎诗意的笔触，引导读者去感受作品的内在逻辑。整体而言，这本书更像是一本精美的艺术品收藏册，而非简单的作品集。它成功地将工作室那种充满挑衅、却又无比精致的美学，完整地呈现在了我们面前。

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我对这本书的评价，或许会偏向于它在视觉语言上传达的“攻击性”。我一直认为，真正的先锋艺术是需要一定的侵略性的，而Atelier Van Lieshout显然深谙此道。这本书里充斥着大量充满张力的画面，那些作品常常挑战社会禁忌和审美边界，比如对身体、欲望和权力结构的直接描绘。我特别喜欢书中对不同时期项目之间的对比处理，有一种时间线索的拉扯感，仿佛能看到工作室的理念是如何不断地自我迭代和强化的。有趣的是，尽管主题常常显得黑暗或颠覆，但书中的色彩运用却常常是明亮、饱和度极高的工业色，这种强烈的反差，反而使得作品的讽刺意味更加尖锐。阅读这本书的过程，就像是进行一场高强度的视觉训练，它强迫你放弃既有的审美框架，去接纳一种全新的、甚至有些令人不安的美学秩序。对于那些习惯了平稳、舒适的艺术表达的读者来说，这本书可能会带来一次强烈的“心理按摩”。

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从编辑和排版的角度来看，《Atelier Van Lieshout》这本书的处理是极其高明的，它成功地将一个复杂、多面向的工作室，浓缩成了一本结构清晰的阅读体验。我特别欣赏它在图文处理上的节奏感。有些篇幅是纯粹的图集，让图像自身发声，没有一丝多余的文字干扰，让那些复杂的机械结构和有机线条可以进行无声的对话；而另一些部分则插入了工作室成员的访谈节选，这些文字片段像是冷峻的旁白，用最直接的语言点明了创作的核心驱动力。我印象最深的是关于他们对“系统”和“模块化”的痴迷，书中展示的那些可以无限组合的单元，展现了一种对标准化生产的反思，又似乎在拥抱它。这本书的价值在于，它不仅记录了艺术作品，更记录了一种对现代生活方式的批判性思考。它不是一本“读完就放下的书”，而是那种你会时不时地把它抽出来，随意翻开一页，重新被某个细节击中的“工具书”或“灵感源泉”。

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说实话，我买这本书更多的是出于一种探索欲。我对当代艺术圈子里那些“不按常理出牌”的工作室总是抱有极大的好奇心，而Van Lieshout似乎就是其中的一个极端代表。这本书的装帧很厚重，拿在手上很有分量感，这本身就给阅读带来了一种仪式感。翻开之后，最让我感到震撼的是它们在功能性与雕塑性之间游走的平衡术。我记得有一张照片，展示了一个看起来像是医疗设备，但同时又像是一件极度夸张的家具的作品，那种强烈的疏离感和功能性的悖论，让人久久不能释怀。这本书的厉害之处在于，它没有试图去“解释”这些作品，而是提供了一个观察的窗口。那些项目草图和早期模型照片，展示了从概念到实体的演变过程，展现了背后团队的严谨和疯狂并存的工作状态。这种坦诚的记录方式，让我这个局外人也能窥见一丝他们工作的“幕后秘密”。对于想了解当代设计思潮中那些激进思想如何落地的人来说，这本书无疑是一份极其宝贵的参考资料，它提出的问题远比它给出的答案要深刻得多。

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这本书给我的整体感觉是“不妥协的真实”。我很少看到一本艺术书籍能够如此坦率地展示艺术创作过程中的粗粝感和未完成感。它没有美化一切，很多照片的背景是工作室的实际工作场景，可以看到工具、材料散落在地面，这反而让作品显得更加“落地”。我特别关注了书中对材料选择的介绍部分，他们对于工业材料的偏爱，以及如何赋予这些原本冰冷的材料以生命和情感，这是非常值得玩味的。这本书成功地营造了一种沉浸式的体验，仿佛你真的走进了那个位于鹿特丹的工作室内部，能闻到焊锡和油漆的味道。它挑战了我们对“艺术品”应该保持的距离感，而是把它拉到了一个可以触碰、甚至可以使用的维度。对于希望了解当代艺术如何介入社会结构和日常生活实践的读者来说，这本书提供了一个极佳的案例，它告诉你，伟大的创意往往诞生于对既定规则的彻底解构与重组之中，而这本书，就是这种解构过程的完美载体。

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