Lightwave 3D 8 Character Animation pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:

作者:Albee, Timothy

出品人:

页数:496

译者:

出版时间:2004-12

价格:$ 56.44

装帧:

isbn号码:9781556220999

丛书系列:

图书标签:

• Lightwave 3D
• Character Animation
• 3D Modeling
• Animation
• Digital Art
• Computer Graphics
• Tutorial
• Software
• Visual Effects
• Rendering

《数字雕塑与形态构建：从概念到实现的全面指南》 本书简介 本指南深入探讨数字三维模型制作的核心流程，聚焦于从零开始构建复杂、富有表现力三维形态的艺术与技术层面。本书并非针对特定软件的详尽操作手册，而是致力于传授一种跨越软件平台的、关于形态学、拓扑结构和表面处理的底层思维框架。我们将构建一个坚实的基础，使读者能够自信地驾驭任何主流的数字雕塑或多边形建模环境。 第一部分：概念化与基底搭建 第一章：形态的哲学与解剖学基础 在踏入虚拟工作空间之前，理解“形”是如何被感知和构建的至关重要。本章将剖析自然界中生物和非生物形态的底层几何规律。我们将讨论比例（Proportion）、结构（Structure）与动态（Dynamics）之间的关系。内容涵盖经典艺术理论中的“黄金比例”在三维设计中的应用，以及如何通过观察现实世界的骨骼、肌肉和关节系统，来为数字角色或环境创建逻辑自洽的内部支撑结构。我们将详细分析如何将二维概念草图转化为具有深度和体积感的初步形态，强调形态的“可塑性”而非最终细节。 第二章：拓扑学的基石：高效网格的构建 三维模型的“骨骼”是其网格拓扑结构。本章是全书技术核心之一，它讲解了“好拓扑”的定义及其重要性——无论是在动画、游戏还是3D打印领域。我们将深入探讨四边面（Quads）的统治地位，探讨循环边流（Edge Loops）在关节和面部表情中的关键作用。内容包括：如何使用拉伸（Extrusion）、插入（Insertion）和滑动（Sliding）等基本工具来引导网格流向，以确保模型在后续的形变过程中不会产生拉伸或破碎。我们将通过实例展示如何从基础体块（Primitives）逐步提炼出具有清晰结构线的角色基础网格（Base Mesh）。 第三章：雕塑的艺术：初级体块的塑造 本章将数字雕塑过程分解为可管理的阶段。首先聚焦于“大形”（Primary Forms）的捕捉，即宏观轮廓和主要体块的确定。我们摒弃对微小细节的过早关注，而是强调通过推、拉、平滑和收缩等基本笔刷操作，建立起模型的情感基调和姿态。内容包括：如何利用图层（或称为“雕塑历史”/“形态层”）来管理不同细化程度的工作，确保可以随时回溯到最纯粹的体块状态。我们将探讨不同笔刷（如Clay Buildup, Standard, Pinch等）在不同阶段的功能定位，指导读者建立起一套有目的性的雕塑习惯。 第二部分：细节的精炼与表面处理 第四章：中级形态的细化与特征捕捉 在宏观结构稳定后，我们需要引入“中级形态”（Secondary Forms），即肌肉群的划分、骨骼的凸显、皮肤表面的起伏变化。本章侧重于如何通过细微的网格密度变化来支持这些中级细节。内容涵盖肌肉拉伸与压缩的视觉表现，以及如何利用遮罩（Masking）技术来保护已完成的区域，同时对目标区域进行精确的雕刻。我们将通过人脸和手部等复杂区域的案例分析，讲解如何平衡解剖学的准确性与艺术表现力。 第五章：高频细节的层次化管理 高频细节（Tertiary Details）包括皱纹、毛孔、疤痕或材料表面的磨损纹理。本书强调，这些细节不应直接在低模上硬性绘制，而应通过多层结构进行管理。我们将探讨法线贴图（Normal Maps）和位移贴图（Displacement Maps）的生成原理，以及如何利用雕刻工具创建出逼真且可重复使用的细节笔刷。重点内容在于“细节的合理性”——皱纹必须遵循肌肉的拉伸方向，磨损必须符合物理逻辑，而非随意添加。 第六章：重拓扑学：从高模到动画就绪 对于任何需要运动和变形的模型而言，高模（High-Resolution Sculpt）必须转化为高效的低模（Low-Polygon Mesh）。本章将详尽讲解“重拓扑”（Retopology）的必要性、标准和技术。我们将对比手动重拓扑（如使用专用的线框工具）与自动重拓扑的优劣，并提供一套系统的方法论来创建满足变形需求的接合处和密度分布。内容包括如何在新网格上准确映射高模的细节信息，以及如何确保新模型的UV布局是清洁且便于纹理绘制的。 第三部分：纹理、材质与展示 第七章：色彩的语言与 PBR 纹理绘制 本章转向模型的视觉表现。我们将脱离传统颜色绘制的思维，专注于现代基于物理渲染（PBR）的工作流程。内容将详细介绍 PBR 材质系统的四大支柱：基础色（Albedo/Base Color）、粗糙度（Roughness）、金属度（Metallic）和法线/位移。我们将探讨如何通过程序化纹理和手绘图层相结合的方式，创建出具有真实世界光照反应的材质。重点分析皮肤、金属和布料等不同材质的 PBR 参数特征。 第八章：灯光与环境的叙事 一个优秀的模型需要合适的舞台来展现其形态。本章探讨如何利用灯光来引导观众的视线并烘托模型的氛围。我们将分析经典的三点布光法、环境光遮蔽（Ambient Occlusion）的作用，以及如何使用 HDRI（高动态范围图像）来实现逼真的环境照明。内容侧重于灯光的颜色、强度和角度如何增强模型的体积感和雕刻的深度，将单纯的技术展示转化为富有情感的视觉叙事。 第九章：工作流的整合与输出优化 最后，本书将指导读者如何将以上所有元素——干净的拓扑、精细的雕刻、优化的纹理——整合成一个可用于不同输出平台的最终资产。我们将讨论不同导出格式（如OBJ, FBX）的适用场景，以及如何针对实时渲染（游戏引擎）和离线渲染（电影级渲染器）的需求，对模型精度和纹理分辨率进行最终的调整和优化。本书旨在培养读者建立一套高效、可复用且适应行业标准的数字形态构建流程。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

我是一个对动画“节奏感”有着近乎偏执追求的人，这也是我阅读大量相关书籍的主要原因。这本书在处理时间轴和关键帧的运用上，展现出一种近乎音乐作曲家的精准度。不同于一些侧重于静态模型展示的书籍，这本书从头到尾都围绕着“运动的生命力”在展开。例如，在讲解如何处理“角色接触地面”的瞬间时，作者不仅仅是展示了向下压缩和向上反弹的帧，而是详细分析了角色在接触前后的“缓冲”和“延迟”对动作重量感的影响。这种对物理定律的细腻拿捏，让书中的每一个示例动作都充满了“分量”。我特别喜欢它在最后附加的一些“故障排除”小贴士，比如当角色在快速旋转时，关节处常常会出现不自然的扭曲，作者给出的解决方案简洁而高效，直接避开了复杂的二次调整。总的来说，这本书的价值在于它构建了一个从概念设定到最终渲染输出的完整、逻辑严谨且充满艺术洞察力的角色动画工作流，它教会的不是如何使用Lightwave 8，而是如何成为一个更优秀的动画创作者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直让人眼前一亮，那种深邃的蓝色调，配上一些未来感的线条，立刻就能感受到它在3D动画领域的专业性和前沿性。我最初是被这个名字吸引的，"Lightwave 3D 8"本身就代表了一个时代的经典，而"Character Animation"则精准地抓住了我对角色动态的渴望。迫不及待地翻开扉页，我期待着能有一场视觉盛宴和技术革新的洗礼。内页的排版清晰流畅，大量的插图和步骤分解图，让人感觉作者是在手把手地带你进入这个复杂的数字世界。特别是关于骨骼绑定和权重绘制的部分，图文并茂的解释，即便是初学者也能很快抓住要领，而不是陷入那些晦涩难懂的技术术语中无法自拔。我特别欣赏作者在介绍基础概念时所展现出的耐心和细致，仿佛他深知每一个刚刚接触3D软件的人都会在哪一关卡壳，并提前准备好了“解药”。这本书不仅仅是软件操作手册，更像是一本艺术创作的指南，它鼓励我们去思考角色的情感表达，如何通过细微的面部肌肉运动来传递复杂的心绪，这一点对于追求角色“灵魂”的动画师来说，价值无可估量。我尤其喜欢其中关于表情系统建立的章节，它并没有停留在表面的滑条调整，而是深入探讨了表情驱动的底层逻辑，这让我的角色不再是僵硬的木偶，而是真正“活”了起来。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧质量和内容质量达到了惊人的一致。纸张的触感很好，即便是高分辨率的渲染图在上面也显得色彩饱满、细节清晰可见。当我翻到关于“面部表情系统”的章节时，我几乎是屏住了呼吸。作者没有满足于使用内置的简单变形工具，而是详细展示了如何结合“骨骼驱动”和“形态键”（Morph Targets）来构建一个复杂且富有层次感的面部控制器。他花了大量篇幅去解析如何捕捉和细化人眼中的“微表情”，比如眼神的游移、眼睑的轻微颤动，这些在其他教材中往往被忽略的细节，恰恰是区分业余和专业作品的关键所在。书中对“表演捕捉”的理论探讨也非常到位，即使不使用专业的捕捉设备，读者也能从中学到如何通过关键帧模拟出富有张力的表演节奏。更难能可贵的是，作者在讲解每一个复杂技术点时，总会穿插一句总结性的“设计师箴言”，将技术操作提升到艺术创作的层面，让人在学习工具的同时，也在不断反思自己的审美和表达意图。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书的时候，我就在琢磨，在这个CG技术日新月异的今天，一本关于特定版本软件（Lightwave 3D 8）的书籍还能提供多大的参考价值？然而，当我沉浸其中后，我发现作者的功力远远超出了对软件界面的罗列。他真正传授的是一套贯穿始终的“动画思维”。比如，关于运动规律的章节，作者引用了大量的生物力学原理，解释了为什么一个奔跑的动作需要遵循抛物线轨迹，为什么角色的重心转移是如此关键。这已经上升到了理论的高度，而不是简单的“按A键然后拖动滑块”的机械指令。我试着将书中学到的“弧线原则”应用到我之前制作的一个行走循环中，效果立竿见影，原本有些生硬的步伐立刻增添了一种自然的韵律感。这本书的叙事方式非常引人入胜，作者仿佛是一位经验丰富的老前辈，用讲故事的方式分享他的“踩坑”经历和独家秘笈。他对时间与空间控制的讲解尤其精辟，那种对帧率、延迟和加速减速的精准拿捏，是教科书上难以找到的“艺术直觉”的量化表达。对于那些渴望从“操作员”蜕变为“动画师”的进阶用户来说，这本书提供了坚实的理论基石和实战指导，让人受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我对Lightwave这个软件平台的情怀是比较复杂的，它在市场上似乎不如某些巨头那样光芒万丈，但它的内在潜力和高效的工作流程一直为人称道。这本书完美地捕捉到了Lightwave 8版本中那些独特且高效的工具集，并且将其融入到角色动画的整体流程中进行了深度挖掘。我最欣赏的一点是作者对“预演”阶段的重视。在很多教程中，绑定和动画的衔接常常被一带而过，但这本书用了相当大的篇幅来讨论如何设置一个健壮且易于动画师操作的控制架（Rig），以及如何在绑定阶段就为后续的表情和次级运动预留好接口。这种前瞻性的设计理念，极大地节省了我在后期调整时的痛苦。书中的案例分析非常具有针对性，例如如何处理角色在复杂环境中的碰撞反馈，或者如何在有限的资源下实现逼真的布料或毛发动态模拟。作者似乎深谙独立制作人的困境，提供的是一套既专业又贴合实际生产压力的解决方案，而不是那些只有在大制作公司才能实现的奢华流程。读完这些章节，我感觉自己对“管线优化”有了全新的认识。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆