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出版者:

作者:Otis, Michaelin

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:139.00元

装帧:

isbn号码:9781581805604

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好的，这是一份关于一本名为《The Sculptor's Hand: A Deep Dive into Materiality and Form》的图书简介： 《雕塑家的手：深度探索物质性与形式》 作者： 伊莲娜·瓦伦丁（Elara Valentin） 出版社： 铁砧与凿子出版社（Anvil & Chisel Press） 页数： 680页 装帧： 精装，附带大量高分辨率图片及图表 定价： 450元人民币 / 65美元 --- 简介：触摸、塑造与存在的对话 《雕塑家的手：深度探索物质性与形式》并非一本简单的技法手册，而是一部献给所有从事三维艺术创作——无论是古典雕塑、当代装置还是建筑构形——的匠人、理论家和鉴赏家们的百科全书式论著。本书的核心在于解构雕塑这一古老而永恒的艺术媒介，探究其本质：物质与非物质的相互作用，以及人类意图如何通过“手”的媒介，将惰性的材料转化为承载意义的实体。 作者伊莲娜·瓦伦丁，一位在罗马浸润了三十年，精通从青铜铸造到数字拓扑学研究的著名雕塑家和艺术史学家，以其深厚的实践经验和敏锐的理论洞察力，带领读者完成了一场横跨物质科学、美学哲学和历史演变的史诗之旅。 第一部分：物质的召唤——材料的内在语言 本书的第一部分（共三章）聚焦于“物质性”（Materiality）——这是雕塑的灵魂所在。瓦伦丁坚持认为，材料并非被动的承载体，它们拥有自己的“记忆”和“阻力”。 第一章：石的沉思与时间的刻度 详细分析了天然石材，如大理石、花岗岩和板岩。重点探讨了不同石材晶体结构的差异如何影响光线的反射和吸收，从而塑造最终的视觉效果。书中穿插了对卡拉拉大理石矿脉的考察报告，记录了从采石到粗坯制作的每一个关键步骤。特别值得一提的是，作者深入剖析了米开朗基罗如何“解放”藏于石块内部的形体，并将其与现代雕塑家如理查德·塞拉（Richard Serra）对钢铁的冷硬感知进行了跨时代的对话。 第二章：泥土的塑性与生命的呼吸 这一章专门献给了粘土、石膏和陶土。瓦伦丁认为，泥土是人类最原始的媒介，因为它具有最强的可塑性和最直接的温度感。书中详细描述了泥坯干燥、收缩、烧制过程中所产生的微观结构变化，以及这些变化对作品耐久性和色彩饱和度的决定性影响。书中包含了一组对古代陶俑和现代陶瓷艺术的对比研究，阐释了“火”这一元素在赋予材料最终形态上的关键作用。 第三章：金属的冶炼与永恒的张力 从铜、青铜到铝和不锈钢，本章系统地梳理了铸造艺术的复杂流程。作者不仅细致地绘制了失蜡法（Cire Perdue）的每一个精确步骤——从蜡模的雕刻到熔炉的温度控制——更着重于分析金属冷却后产生的内部应力和表面肌理如何传达力量与脆弱的辩证关系。书中收录了珍贵的铸造车间现场照片，记录了从液态到固态的戏剧性转变。 第二部分：手的技艺——从意念到触觉的转化 如果说第一部分是关于“什么”，那么第二部分（共四章）则专注于“如何做”。瓦伦丁将“手”视为人类与物质世界沟通的桥梁，探讨了工具理性与直觉感性之间的微妙平衡。 第四章：移除与加持：雕刻与堆叠的哲学差异 本章将“减法”（Subtractive）和“加法”（Additive）两种基本手法置于哲学高度进行审视。减法艺术（如凿刻）强调的是发现和限制，而加法艺术（如堆砌、粘合）则关乎构建和无限性。作者通过对古典希腊雕像和现代组合雕塑的分析，论证了雕塑家在不同手法中必须承担的认知负担和美学责任。 第五章：工具的延伸：从凿子到算法 瓦伦丁认为，工具是人类身体的逻辑延伸。本章系统考察了传统手持工具（如木刻刀、锉刀）的使用方式，并将其与现代的CNC机床、3D打印技术进行了严谨的对比。她特别关注了数字技术如何改变了雕塑的“在场感”（Presence）——当作品不再直接由手工完成时，其物质性是否被削弱，还是获得了新的维度？ 第六章：肌理的叙事：表面的信息密度 表面处理是雕塑家赋予作品最终情绪的关键。本章深入探讨了抛光、酸蚀、锈蚀、打磨等各种表面处理技术如何影响观众对作品体积、重量和温度的感知。书中引入了“触觉错觉”的概念，解释了如何通过视觉手段模拟触感，实现情感的直接传递。 第七章：平衡与动态：空间中的力学 雕塑的本质是占据空间并与环境互动。本章转向结构工程和动态平衡。瓦伦丁详细分析了悬臂结构、张拉整体结构在雕塑中的应用，探讨了如何创造出视觉上看似不可能的平衡，从而引发观众对重力与稳定性的重新思考。 第三部分：语境与重构——雕塑的场域 最后一部分（共两章）将焦点从工作室转移到外部世界，探讨了雕塑如何嵌入历史、社会和公共语境中。 第八章：纪念碑的责任：公共艺术的伦理困境 纪念碑雕塑是集体记忆的物质载体，也常常是社会争议的焦点。本章批判性地审视了公共艺术的委托、材料选择和长期维护问题。作者讨论了如何设计能够承受时间侵蚀和政治变迁的作品，以及当代艺术家如何解构传统纪念碑的权力结构。 第九章：装置的边界：从实体到现象 随着艺术边界的拓展，雕塑越来越多地与光线、声音、时间流逝等非物质元素结合，演变为“装置艺术”。本章探讨了实体雕塑如何通过引入环境因子，从一个固定的“物”转变为一个动态的“事件”或“现象”。书中涵盖了对特定场地特定艺术（Site-Specific Art）的案例分析，展示了材料的选择如何与地理和文化背景深度耦合。 --- 读者对象 本书适用于艺术院校的高年级学生、专业雕塑家、美术馆策展人、建筑系学生，以及所有对艺术史、材料科学和工艺美学抱有深刻兴趣的读者。通过《雕塑家的手》，读者将不仅学会“如何做”，更将理解“为何如此做”，从而深化对三维艺术表达潜能的敬畏与认知。 核心价值 《雕塑家的手》的价值在于它成功地弥合了实践经验与理论分析之间的鸿沟。它以一种既严谨又充满热情的笔触，将雕塑的制作过程提升到了对人类存在状态的深刻反思层面。这本书是理解雕塑这门艺术如何通过最坚固或最脆弱的物质，来捕捉和表达稍纵即逝的人类精神的必备指南。

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如果要用一个词来形容这本书的整体氛围，那一定是“克制的美学”。作者对情绪的表达是极其内敛的，所有的强烈情感，无论是爱、绝望还是狂喜，都像是被包裹在厚厚冰层之下，你只能通过观察冰面上的细微裂痕去推测内部的暗涌。这种处理方式使得故事的张力达到了一个极高的水准，因为你知道，一旦那层克制被打破，其爆发的力量将是毁灭性的。从文体风格上来看，它的语言凝练、精准，没有一丝多余的赘述，每一个词语都像是经过精心挑选并放置在最合适的位置上。它像一部打磨得近乎完美的机械装置，每一个齿轮的转动都为了最终展示一个宏大而又冰冷的美丽图案，这种艺术上的高度自律，令人肃然起敬。

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这本书的结构设计简直是鬼斧神工，它完全颠覆了我对传统叙事模式的固有认知。作者似乎并不急于给出明确的答案或统一的结论，而是像一位高明的园丁，引导着读者在迷宫般的情节中自行探索和构建意义。那种碎片化的信息不断抛出，然后又在不经意间被另一段看似无关的描述所串联起来，每一次“啊哈！”的顿悟都伴随着更深层次的困惑，这构建了一种令人着迷的阅读体验。我花了很长的时间去梳理那些错综复杂的线索，但这种“费力”的过程本身就是一种享受。它迫使你调动起全部的智力去参与到意义的创造中去，而不是被动地接受既定内容。最让我印象深刻的是，当故事走到看似高潮时，作者却笔锋一转，将焦点又拉回到一个极其微小却又至关重要的瞬间，这种对宏大叙事和微观观察的巧妙平衡，堪称一绝。

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我必须承认，这本书对读者的心智要求是比较高的，它绝不是那种可以让你在通勤路上轻松翻阅的消遣读物。它更像是一部需要你全神贯注、甚至需要借助笔记和思考才能完全消化的严肃文学作品。作者似乎在挑战读者的耐心和理解力，用大量的留白和暗示来构建其艺术世界。起初，我有些许的不适应，觉得情节推进缓慢，人物动机晦涩难懂，但一旦适应了这种独特的节奏和语境，便会发现其中蕴含的巨大能量。这种作品的魅力就在于，它不会轻易地向你敞开心扉，而是要求你付出同等的努力去挖掘和争取的，每一次深入的理解，都像是自己赢得的一个小小的胜利。它成功地将阅读变成了一种主动的、创造性的行为，而不是被动的接收信息的过程。

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这本书最让我感到震撼的，是它对“存在感”这一主题的探讨达到了近乎形而上的深度。它似乎在追问：我们所感知到的现实，究竟有多大程度上是我们自身意识的投射？作者通过一系列充满象征意义的场景和对话，营造出一种介于梦境与清醒之间的模糊地带。角色的身份认同危机被描绘得淋漓尽致，他们的每一次行动都带着一种宿命般的无力感，却又在细微之处迸发出对自由的渴望。这种对人类境况的深刻反思，超越了简单的情节叙述，上升到了哲学层面。读到某些段落时，我甚至会暂时放下书本，望向窗外，思考自己此刻的处境，书中的世界和现实的世界在某一刻达到了奇妙的交融，这种精神上的共鸣感是非常罕见的。

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这本书简直是一场视觉的盛宴，作者的叙事功力深厚得让人惊叹。它不是那种平铺直叙的流水账，而是通过一系列精心编织的、带着强烈个人色彩的片段，勾勒出了一个复杂多维的世界。读完之后，脑海中挥之不去的是那些鲜活的场景和人物的内心挣扎，那种感觉就像是亲身参与了一场漫长而又深刻的旅程。尤其值得称道的是，作者对细节的把握达到了近乎苛刻的程度，无论是对某个特定时代背景下社会风貌的细致描摹，还是对角色微妙情绪波动的捕捉，都精准到位，让人拍案叫绝。这种对文本质感的极致追求，使得每一页都充满了值得反复咀嚼的韵味，仿佛每一句话语后面都隐藏着更深层次的哲思和隐喻。我尤其喜欢它那种略带疏离却又充满洞察力的叙事视角，它既保持了必要的距离感，又让你对故事中的人物产生了强烈的共情，这无疑是高超叙事技巧的体现。

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