Marianne Moore and the Visual Arts pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Louisiana State Univ Pr

作者:Linda Leavell

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1995-05

价格:USD 32.50

装帧:Hardcover

isbn号码:9780807119860

丛书系列:

图书标签:

• Marianne Moore
• 诗歌
• 视觉艺术
• 现代主义
• 文学批评
• 艺术史
• 美国文学
• 女性主义文学
• 文化研究
• 图像与文本

视觉的迷宫：探索 20 世纪早期现代主义的非叙事性视觉体验 本书旨在深入剖析 20 世纪上半叶，特别是在两次世界大战之间，欧洲与北美洲艺术思潮的交汇点上所涌现出的一系列激进的视觉艺术实践。我们关注的焦点并非某一特定艺术家的作品集，而是弥漫在那个时代空气中、挑战传统再现模式和审美范式的“非叙事性”视觉语言的崛起。 该研究将艺术创作视为对感知本身的重构，而非对外部世界的模仿或对个人情感的抒发。我们将跨越达达主义的碎片化、至上主义的纯粹几何、超现实主义的潜意识拼贴，以及早期抽象表现主义的动力学探索，描绘出一幅复杂的图景，揭示艺术家们如何通过媒介的物质性、形式的自主性以及视觉的偶然性来重塑观看行为。 第一部分：媒介的叛变与形式的自治 本部分将考察 1910 年代至 1930 年代，艺术家们对传统绘画和雕塑材料的颠覆性使用。我们不将这些实践视为对“进步”的简单线性叙事，而是将其视为对艺术品“物性”的深刻反思。 1. 拼贴的语法与碎片化的现实： 我们将详细分析早期立体主义（Analytic Cubism）之后，拼贴（Collage）技术如何从一种辅助性的构图技巧，演变为一种独立的、具有颠覆性的创作策略。关注点在于，这些被切割、重新组合的日常物品的碎片，如何拒绝构建一个连贯的、可辨识的场景。它们创造了一种新的视觉语法，其中对象的并置（juxtaposition）产生的张力，取代了传统的透视法所提供的确定性。例如，我们将考察科拉日作品中，报纸文字、墙纸图案与描绘物体的并置，如何揭示了表征与实在之间的结构性裂痕。这种处理方式，挑战了观众对“完成”作品的期待，迫使观看成为一个主动的、永无止境的解码过程。 2. 工业时代的纯粹几何与精神诉求： 紧接着，我们将转向对几何形态的极端抽象化处理，特别是在俄国至上主义（Suprematism）和荷兰风格派（De Stijl）的语境中。这里的重点不是几何的“美学”，而是其作为一种超越感官经验的“本体论”宣言。卡齐米尔·马列维奇（Kazimir Malevich）的“黑方块”不再被视为一种图像，而是一个“零点”，一个视觉的奇点。我们分析这种对线条、平面和基本色彩的严格限制，如何试图创造一种不依赖于自然世界、直接诉诸精神或普遍秩序的视觉语言。这种对形式的“去语境化”处理，预示着视觉艺术与叙事性文学和音乐结构的彻底分离。 3. 摄影的冷峻凝视：新客观性与物体的肖像： 在摄影领域，我们将探讨“新客观性”（Neue Sachlichkeit）和早期现代主义摄影师们如何摒弃浪漫主义的柔焦，转而采用精确、甚至近乎冷酷的聚焦。这些照片并非为了“记录”事件，而是为了对物体进行一种近乎科学的、去情感化的审视。我们分析建筑的细节、工厂的机械、或者日常用品的特写，如何通过极端清晰的细节和非传统的构图，将这些无生命的对象提升到一种近乎雕塑般的崇高感。这种视觉策略，是对现代性中“物化”倾向的一种复杂回应，既拥抱了其清晰度，又保持了距离。 第二部分：潜意识的风景与不确定性的构造 本部分将深入研究超现实主义（Surrealism）的视觉策略，但其侧重点将避开对弗洛伊德理论的常规阐释，转而关注这些作品在结构上如何制造了“不确定性”和“视觉的断裂感”。 1. 梦境逻辑的结构分析： 超现实主义的绘画常常被简化为对梦境的简单描摹。本书则将分析其“自动性绘画”（Automatism）和“客观偶然性”（Objective Chance）的内在机制。我们探究艺术家如何设计画面，使得前景、中景和背景之间的尺度关系完全崩溃，空间不再遵循欧几里得几何。例如，在某些作品中，物体被置于不可能的地平线上，或者被赋予了生物的质感，这种并置并非为了讲述一个怪诞的故事，而是为了在观看者的心智中制造一种持续的认知失调（cognitive dissonance）。这种失调本身，成为了艺术体验的核心。 2. 意外的遭遇与“视见的诗学”： 我们将考察“发现物”（Found Objects）在达达和超现实主义艺术中的作用，尤其关注那些经过轻微修改的日常物品。这些被挪用的物体——如一个旧的雨伞、一个缝纫机——在脱离其原有功能和环境后，其视觉属性被放大了。我们分析这种“视觉的诗学”如何通过剥夺物体叙事功能，迫使观众去关注其形状、纹理和光影的纯粹性。这种诗性并非抒情的，而是基于一种突发的、令人不安的识别与陌生化之间的张力。 3. 运动的静止与时间的褶皱： 本节探讨如何通过视觉手段凝固或扭曲时间感。一些艺术家通过绘制静止的、似乎处于永恒运动边缘的物体（如流动的钟表或凝固的火焰），挑战了线性时间的观念。我们分析这种视觉的“时间褶皱”如何使得一幅画作不再是时间中的一个瞬间的快照，而是一个多重时间点的交叠。观众的眼睛在画面上游走时，体验到的是一种被拉伸、被压缩的感知流动，而非一个固定的叙事终点。 第三部分：身体、空间与体验的场所 最后，我们将目光投向战后初期（1940年代末至1950年代初）的某些倾向，特别是那些强调画布作为“行动的场域”而非“图像的窗口”的实践。 1. 行动与物质的拓扑学： 本章关注绘画行为本身如何取代了最终的图像成为主要议题。我们探究颜料滴落、泼洒或摩擦的轨迹，如何记录了一种身体的在场和能量的释放。这里的关键不在于辨认出任何可识别的形象，而在于将画布视为一个物理空间，一个承载了动力学事件的拓扑平面。观众的凝视不再是寻找意义，而是追踪能量的路径和物质的堆积，体验一种近乎原始的、与重力抗争的视觉反馈。 2. 空间与观众的身体性： 我们考察了那些试图打破画框限制，使艺术体验延伸到观众周围环境的尝试。这包括对色彩场的深入研究，其中大面积的色彩饱和度旨在淹没观众的视觉场域，创造一种“在场感”。这种策略拒绝了文艺复兴以来“框中之窗”的观看模式，要求观众的身体进入一种沉浸式的、全方位的感知状态。作品不再是观察的对象，而是观众自身感知的背景或容器。 通过上述三个维度的深入分析，本书旨在提供一个理解 20 世纪现代视觉艺术复杂性的框架——一个专注于形式、结构、感知机制，以及艺术如何通过拒绝既有叙事来开辟新的视觉经验场域的框架。

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