Known for their repeating motifs and signature tropes, the films of Ingmar Bergman also contain extensive variation and development. In these reflections on Bergman's artistry and thought, Irving Singer discerns distinctive themes in Bergman's filmmaking, from first intimations in the early work to consummate resolutions in the later movies. Singer demonstrates that while Bergman's output is not philosophy on celluloid, it attains an expressive and purely aesthetic truthfulness that can be considered philosophical in a broader sense. Through analysis of both narrative and filmic effects, Singer probes Bergman's mythmaking and his reliance upon the magic inherent in his cinematic techniques. Singer traces throughout the evolution of Bergman's ideas about life and death, and about the possibility of happiness and interpersonal love. In the overtly self-referential films that he wrote or directed (The Best Intentions, Fanny and Alexander, Sunday's Children) as well as the less obviously autobiographical ones (including Wild Strawberries, The Seventh Seal, and the triad that begins with Through a Glass Darkly) Bergman investigates problems in his existence and frequently reverts to childhood memories. In such movies as Smiles of a Summer Night, Scenes from a Marriage, and Saraband, Bergman draws upon his mature experience and depicts the troubled relationships between men who are often weak and women who are made to suffer by the damaged men with whom they live. In Persona, Cries and Whispers, and other works, his experiments with the camera are uniquely masterful. Inspecting the panorama of Bergman's art, Singer shows how the endless search for human contact motivates the content of his films and reflects Bergman's profound perspective on the world. Irving Singer is Professor of Philosophy at MIT. He is the author of Reality Transformed: Film as Meaning and Technique, Three Philosophical Filmmakers: Hitchcock, Welles, Renoir (both published by The MIT Press), and many other books.
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对于一个长期关注影像艺术的爱好者来说,这本书无疑是近年来读到过最具启发性的一部专著。它最成功的地方在于,它没有把我当成一个被动的接受者,而是积极地邀请我参与到对伯格曼电影哲学的构建过程中来。作者在提出每一个论点时,都会提供多重解读的可能性,促使读者主动去填补那些未被言明的空白。这种“开放式”的分析策略,极大地激发了我的批判性思维。它不仅仅是关于一位导演的传记或评论,更像是关于“如何观看电影”的一堂大师课。全书的论证严密得像一座精密的钟表,每一个齿轮都咬合得天衣无缝,驱动着读者不断深入挖掘文本的深度。读完合上书本的那一刻,我感觉自己的观影视野被彻底重塑了,这才是真正有价值的阅读体验。
评分这本书的阅读体验,简直是一次对“思辨”本身的洗礼。它的结构安排非常巧妙,没有采用传统的线性叙事,而是像一张巨大的、相互关联的概念地图,将伯格曼复杂多变的主题——从信仰的危机到人性的孤寂,再到死亡的阴影——系统而又富有张力地串联起来。我印象最深的是其中对于“沉默”和“面孔”的论述部分,作者没有停留在表面化的描述,而是深入挖掘了这些元素在营造心理空间中的决定性作用。行文间那种严谨的逻辑推导和对西方哲学思想的穿插引用,显示出作者深厚的学养。阅读过程中,我常常需要停下来,反复咀嚼某些句子,因为它们所蕴含的信息密度实在太高了。对于那些想要真正理解欧洲艺术电影精髓的读者来说,这本书提供了近乎苛刻但又极其丰厚的智力挑战。它要求你投入百分之百的专注,但回报绝对是超乎预期的。
评分这本书的语言风格,带着一种奇异的音乐性,即使在论述最沉重的主题时,也保持着一种近乎诗意的节奏感。我尤其赞赏作者在处理那些关于“神性缺失”的段落时,所展现出的那种克制而有力的情感表达。它没有使用任何煽情的辞藻,但字里行间却充满了对人类境遇的深刻同情。这种对语言的驾驭能力,使得原本严肃的理论探讨,读起来竟然有一种沉浸式的阅读享受。它更像是一部高质量的文学评论,而不是单纯的电影研究报告。那些长句的组织和从句的嵌套,流畅得像是精心编排的管弦乐章,每一个停顿都恰到好处地强化了观点的力度。这本书让我体会到,深刻的思考也可以用如此优美的方式来呈现。
评分这本书的装帧设计真是让人眼前一亮,那种沉稳的色调和简约的字体排版,透着一股北欧特有的冷静与思考的深度。光是捧在手里,就能感受到它对电影艺术的敬畏。我原本以为这是一本枯燥的学术分析,但翻开内页后,那种流畅的叙事和对文本的精妙解读,立刻抓住了我的注意力。作者似乎拥有一种罕见的洞察力,能够穿透那些光影和对白的迷雾,直抵核心的精神内核。尤其是在讨论那些标志性的场景时,那种对细节的捕捉和对象征意义的挖掘,简直是教科书级别的示范。它不仅仅是罗列事实,更像是一场与这位瑞典大师精神世界的深度对话。我尤其欣赏作者在保持批判性眼光的同时,流露出的那种对伯格曼电影语言的深切理解与热爱。这本书让我对重新审视那些我自以为已经“看懂”的经典作品,产生了强烈的冲动。它无疑是那种值得放在案头,随时翻阅,每一次都能带来新感悟的宝藏。
评分我必须承认,我原本对这位大师的理解仅停留在那些广为人知的情节上,但这本书彻底拓宽了我的视野。作者的笔触如同外科手术刀般精准,解剖了那些光影背后隐藏的文化语境和创作动机。最让我感到惊喜的是,作者对不同时期作品之间微妙的风格演变进行了细腻的对比分析,而不是简单地将所有作品并置。这使得我们能够清晰地看到,伯格曼是如何从早期的戏剧性冲突,逐渐转向后期那种近乎冥想式的、对存在本质的追问。这种层层递进的分析,让原本看似晦涩难懂的电影语言变得鲜活可触。更难能可贵的是,作者的语气并非高高在上的评判,而是充满了一种带着敬意的探讨,仿佛在引导读者一同去探索那些无人之境。读完后,我立刻迫不及待地去重温了其中几部被重点剖析的作品,那种“茅塞顿开”的感觉,是无法用言语形容的。
评分果不其然,作者就是MIT电影哲学公开课的那位教授。
评分果不其然,作者就是MIT电影哲学公开课的那位教授。
评分短小精悍 MIT哲学系教授之作 非常值得一读。
评分短小精悍 MIT哲学系教授之作 非常值得一读。
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