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出版者:

作者:Shearer, James E.

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页数:0

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出版时间:

价格:686.00 元

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isbn号码:9780757528859

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• 爵士乐
• 音乐理论
• 音乐教学
• 爵士乐基础
• 和声
• 节奏
• 即兴演奏
• 乐理知识
• 音乐入门
• 爵士钢琴

蓝色调的低语：城市夜晚的灵魂乐画卷 书名：城市回响：不眠之夜的爵士漫游 作者： [此处留白，读者自行想象一位资深乐评人或城市观察者的名字] 类型： 非虚构文学 / 城市文化研究 / 音乐随笔 字数： 约1500字 --- 导言：霓虹灯下的脉搏 夜幕降临，不是终结，而是另一种形式的苏醒。当高耸入云的摩天大楼将天空切割成几何碎片，当最后一班地铁的轰鸣消散在空气中，城市便卸下了白日的喧嚣与伪装，露出了它更深沉、更富于纹理的底色。这底色，往往由一种特定的声响编织而成——那是一种慵懒、即兴、充满故事感的律动，我们称之为爵士乐。 《城市回响：不眠之夜的爵士漫游》并非一本技术手册，它不涉及复杂的和弦进行分析，不深入探讨布鲁斯音阶的起源，更不会教导读者如何用右手拨动贝斯。这本书，是关于“氛围”的记录，是关于“场所”的追溯，是关于在特定时空中，人类情感与即兴音乐如何交织成一幅永恒流动的城市夜景图。 我们将听众带离录音棚的洁净，潜入那些湿漉漉的后巷、烟雾缭绕的地下酒吧、以及高档酒店顶层俯瞰城市灯火的隐秘角落。这里的每一页，都是对那些不眠之夜、那些只对特定人群开放的音乐圣地的深情致敬。 第一章：午夜的地图绘制者——城市地形与爵士乐的根系 本书的首要任务，是建立一个地理学的框架。我们考察的不是抽象的音乐理论，而是具体的街道。从哈林区的秘密俱乐部到新奥尔良的法国区（尽管我们不深入探讨其早期根源，而是关注其现代回响），再到东京新宿的狭小空间，爵士乐如同水银泻地般，填充了现代都市结构中的每一个缝隙。 这一章详尽描绘了“场景”的构建。一个理想的爵士夜晚需要哪些元素？一张磨损的皮质卡座、微微倾斜的舞台灯光、空气中混合的威士忌蒸汽与陈旧烟草味。我们探讨了特定城市如何塑造其爵士乐的“口音”——纽约的紧凑与内省，芝加哥的粗粝与力量，以及欧洲都市的冷峻与哲思。这里的重点是环境对音乐表达的潜移默化影响，而非音乐本身的技术解析。 第二章：饮品、对话与留白——非音乐性的声音景观 爵士乐的魅力，很大程度上在于它与听众之间的互动，这种互动常常发生在音乐的间隙，或被音乐的背景所衬托。本章着重于“沉默的剧本”。 我们细致描述了酒吧里的特定音景：侍者轻放空玻璃杯的“叮”声，皮鞋踏过陈旧木地板的“吱呀”声，对乐手即兴段落发出的心领神会的低语。这些声音是构成体验的重要部分，它们是音乐的呼吸，是情绪的铺垫。我们研究了“留白”——一个音符与下一个音符之间，乐手故意拉长的停顿，以及听众屏住呼吸等待回应的张力。这些是超越乐谱本身、只存在于特定空间中的“性能美学”。 第三章：时间的褶皱——即兴的叙事结构与时间的弹性 虽然我们不讨论和弦，但我们必须探讨“时间感”。爵士乐被誉为“时间的艺术”，但在这里，我们聚焦于这种时间感如何被城市节奏所扭曲和拉伸。 想象一个凌晨三点的演奏：鼓手不再受制于白天的精确节拍，贝斯手的行走线条开始游离于稳定的支撑之外。本章通过对数个标志性夜晚的观察，剖析了乐手如何“偷窃”时间——拉长或压缩小节，让听众在时间维度上体验到迷失与重获控制的快感。这是一种情感叙事，而非技术分解。它关乎夜晚的漫长与无尽，关乎酒精催化下感官的松弛。 第四章：面具与面孔——乐手作为城市符号 这里的乐手并非被符号化的“大师”，而是活在具体街道上的个体。我们记录了他们在特定时刻的选择：是选择演奏一首老歌以唤起集体记忆，还是用尖锐的噪音来对抗清晨即将来临的曙光？ 我们关注的是乐手与观众之间的“眼神交流”，是他们如何在几分钟内，通过一个颤音或一个强音，向整个房间传递一个只有彼此才能理解的城市秘密。这种交流超越了乐谱，是人类在巨大都市中寻找共鸣的本能体现。本书记录的，是他们如何用乐器，为冰冷的混凝土丛林注入温度。 第五章：黎明前的收尾——从回响到静默 当最后一位乐手收起萨克斯风，当调酒师开始擦拭吧台，城市又将回到它的另一种形态。本章探讨了爵士乐体验的消散过程。音乐的能量如何从酒吧内部渗透到清晨的街道上，如何在第一个送报员经过时，被世俗的日常喧嚣所取代。 我们记录了听众带着音乐的余韵离开时的步伐，他们如何将那份夜晚的自由感带入白天的严肃工作中。这不仅仅是一个夜晚的结束，更是对下一场“回响”的期盼——对下一次在城市脉搏中找到同类节奏的渴望。 结语：永不落幕的舞台 《城市回响》是一封写给所有在城市夜晚中寻找“真实”声音的灵魂的情书。它赞美的是场景、氛围、未被记录的互动、以及音乐在特定地理空间中产生的化学反应。阅读它，如同推开一扇通往无数个不眠之夜的侧门，你闻到的是烟味，听到的是人声，感受到的，是都市深处那份永恒的、略带忧郁的，却又无比坚韧的灵魂律动。它捕捉的是环境，而非乐谱本身。

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坦白说，我是一个对乐理有轻微抵触情绪的乐手，总觉得那些标记和符号只会束缚我的创造力。因此，我抱着试试看的心态拿起了《Jazz Basics》，没想到它在处理技术细节时展现出惊人的平衡感。它并没有陷入无休止的“你应该弹什么”的教条主义，反而更像是在展示“其他人是怎么做的，你可以从中获得什么启发”。书中关于和声色彩的探讨尤其精妙，它没有堆砌冗长复杂的七和弦、九和弦、十一和弦的指法图，而是通过对比“大七和弦的稳定”与“属七和弦的张力”等概念，让你从感觉上理解和声的色彩变化。我最喜欢的是它对“音色”的讨论，这在很多入门书中是被严重忽略的。作者详细分析了萨克斯风手是如何通过颤音、揉弦和气流控制来赋予单个音符以独特个性的，这促使我开始认真思考我自己的乐器发音质量。这本书的布局很巧妙，它将“技术训练”和“音乐鉴赏”巧妙地编织在一起，让你在练习音阶时，能立刻联想到某个大师在特定段落中是如何运用这个音阶的。它成功地将冰冷的技艺，重新注入了炽热的艺术灵魂之中。

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我必须承认，最初我对这本书的名字《Jazz Basics》感到一丝轻视，以为它又是市面上那种泛泛而谈、缺乏深度的“入门读物”。然而，这本书的深度远超出了我对“基础”二字的刻板印象。它在探讨节奏的复杂性时，展现了惊人的分析能力，比如它如何清晰地解释了“摇摆律动”（Swing Feel）中那些微妙的、非量化的延迟和推进感，而不是简单地用“三连音分解”来敷衍了事。作者似乎非常理解学习者的困惑点，在每一个关键概念的阐释后，都会立刻附带一个非常具有代表性的音乐片段进行佐证。这种“理论阐释 + 实例听力引导”的模式，极大地提高了学习效率和兴趣保持度。它对爵士乐“演变史”的梳理也并非简单的年代罗列，而是从社会文化背景切入，解释了为什么这种音乐会在特定的历史时刻以特定的面貌出现。总而言之，这本书的结构设计极其严谨，内容信息密度极高，但叙述流畅自然，它提供的是一个坚实的基石，让你能放心地在上面构建自己的爵士乐理解大厦。它不是那种读完就束之高阁的书，而是一本需要时常翻阅、每次都会有新体会的“工具书”和“精神指南”的结合体。

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这本《Jazz Basics》真是一本让人拍案叫绝的入门指南！我之前对爵士乐只停留在一些耳熟能详的旋律上，总觉得它高深莫测，充满了即兴的“天书”感。然而，作者用一种极其平易近人的方式，把那些看似复杂的乐理概念，比如蓝调音阶、切分节奏、和声进行，拆解得清清楚楚。特别值得称赞的是，书中对不同流派的介绍非常到位，从早期的新奥尔良爵士，到摇摆乐的黄金时代，再到比波普的颠覆性变革，每一种风格的演变脉络都梳理得井井有条。它不是那种干巴巴的教科书，而是穿插了许多历史轶事和音乐家的小故事，让你在学习知识的同时，也能感受到爵士乐背后那种自由奔放的精神气质。我尤其喜欢它在讲解“即兴”部分的处理，它没有直接扔给你一堆复杂的音阶图表，而是引导你去倾听大师们是如何在既定的和声框架下“对话”的，这种引导式的学习方法，极大地降低了我对未知领域的恐惧感。读完前几章，我竟然敢于跟着CD哼唱一些简单的旋律线条了，这在以前是完全不敢想象的。这本书无疑为我打开了一扇通往爵士乐世界的漂亮大门，让人由衷地感到“原来我可以懂！”

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当我翻开这本书时，我期待的是一本能快速让我掌握基本功的“速成手册”，然而，《Jazz Basics》带给我的却是更深层次的审美洗礼，它更像是一位资深乐评人带着你进行的一次沉浸式音乐之旅。它没有过多纠缠于那些僵硬的指法或者过于学院派的对位分析，而是聚焦于“听觉体验”本身。书中对“律动”（Groove）的剖析简直是神来之笔，作者用非常生动的语言描述了鼓手和贝斯手是如何构建起爵士乐那标志性的、略微前倾的驱动力，这种对节奏细微差别的捕捉，让我开始重新审视我以往听到的那些鼓点和低音线。更让我印象深刻的是，书中精选的曲目推荐，每一首都被赋予了深入的背景分析——为什么这首曲子重要？它在音乐史上扮演了什么角色？演奏者的情感是如何通过音符传递的？这种“带着耳机听历史”的感觉，让原本枯燥的理论变成了有血有肉的艺术品。我曾一度被比波普的快速和复杂劝退，但作者对查理·帕克（Charlie Parker）Solo的片段式解析，就像是慢动作回放，清晰地展示了那些看似杂乱无章的音符是如何服从于一个宏大结构之下的。这本书的价值在于，它教会我如何“用心”去听，而不是仅仅用耳朵去识别音高。

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作为一名已经有一定基础，但总感觉在爵士乐门槛前徘徊不前的业余爱好者，我需要的是一本能够帮助我“升级”思维模式的书，而不是重复教我C大调怎么弹。《Jazz Basics》恰好满足了这种需求。它没有浪费篇幅在教授基础的读谱能力上，而是直奔主题——如何像一个爵士乐手那样思考。书中对于“对话性”（Call and Response）的分析，让我对 ensemble 演奏有了全新的认识，原来爵士乐的本质是一种音乐上的辩论和互动，而不是个人独秀。它深入探讨了特定乐器组（比如鼓、贝斯、钢琴）之间的“角色互换”和“空间留白”的艺术，这一点对于希望融入乐队的演奏者来说至关重要。我特别欣赏它对“放手”艺术的强调——什么时候该弹满，什么时候该留白，这才是爵士乐呼吸感的关键。这本书的语言风格非常成熟、内敛，字里行间透露着对音乐的深刻理解，它不迎合初学者的急躁，而是耐心地引导你进入一个更成熟的音乐语境。读完它，我感觉自己看待乐谱的方式都变得更具维度了，不再是平面的音符，而是立体的、充满张力的结构。

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