Kabuki Plays on Stage pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Brandon, James R. (EDT)/ Leiter, Samuel L. (EDT)

出品人:

页数:464

译者:

出版时间:2003-1

价格:$ 58.76

装帧:

isbn号码:9780824825744

丛书系列:

图书标签:

• Kabuki
• 歌舞伎
• 戏剧
• 舞台艺术
• 日本文化
• 表演艺术
• 传统艺术
• 文学
• 艺术史
• 戏曲
• Kabuki

《江户浮世绘中的人情世态：艺伎、武士与庶民的生活剪影》 内容提要： 本书深入探究了江户时代（1603-1868年）浮世绘版画中所描绘的社会百态，尤其聚焦于当时城市生活中扮演重要角色的艺伎、武士阶层以及形形色色的庶民群体。通过对大量经典与罕见版画作品的细致解读，本书不仅勾勒出江户时代特有的审美趣味和生活风貌，更揭示了隐藏在华美图像背后的社会结构、阶层关系、情感纠葛与文化变迁。我们不谈舞台上的程式化表演，而是将目光投向画师们如何捕捉日常生活中的真实瞬间，记录下那个时代转瞬即逝的人情冷暖。 --- 第一章：花柳风韵与都市魅影——艺伎世界的肖像重构 江户时代的艺伎（Geisha，或称伎者、歌女）是都市文化中最具争议性也最引人入胜的一群人。她们并非仅仅是娱乐提供者，更是文化艺术的承载者和时尚的引领者。本章旨在超越传统上将她们简单定性为“交际花”的刻板印象，转而从浮世绘的视角，审视她们在社会结构中的复杂角色。 1.1 锦绘中的“美”的定义与流变： 早期浮世绘（如菱川师宣的作品）描绘的艺伎形象相对朴素，更侧重于“日常工作”的写照。然而，随着锦绘（Nishiki-e，彩色多色印刷版画）的兴起，特别是铃木春信将人物带入唯美而抒情的场景后，艺伎的形象开始被“理想化”。本节将分析版画如何参与构建当时的“美人”标准——从发髻的细微变化，到和服图案的选择，每一笔墨都反映了特定的审美风尚。我们考察那些描绘艺伎在茶室、宴会间隙的瞬间，捕捉她们在扮演角色与流露本真之间的微妙平衡。 1.2 身份的边界与文化的渗透： 艺伎群体内部存在严格的等级制度，从顶级的新造（Tayū）到普通的歌舞伎者，她们的服饰、居所乃至言行举止都有着严格的区分。浮世绘大师们，如喜多川歌麿，擅长捕捉这些身份的微妙差异。本章将通过对比不同等级艺伎的版画，探讨版画如何成为一种“身份消费”的媒介，普通市民通过购买这些版画，得以窥见并“分享”上流社交圈的奢华与风雅。同时，艺伎作为文学、诗歌、音乐的传播者，她们在文化生活中的实际贡献也被版画所间接记录。 1.3 情感的“未遂”与永恒的距离： 浮世绘中的艺伎形象常常带有浓厚的情感张力——或忧郁，或含笑，或沉思。这些画面往往捕捉了她们与顾客之间那层“一纸之隔”的距离感。本书聚焦于那些表现“告别”、“等待”或“独处”的场景，这些画面避免了直接的情色描绘，转而聚焦于复杂的人类情感，探讨版画是如何在审查制度的压力下，艺术化地表达都市男女之间难以圆满的情感关系。 --- 第二章：刀光剑影之外的武士阶层：日常、伦理与理想的重负 武士阶层是江户社会秩序的基石，但浮世绘对武士的描绘远非清一色的英勇战斗场面。本章考察版画如何揭示了太平盛世下，武士阶层在维持其社会地位、履行伦理义务以及面对个人理想之间的内在矛盾。 2.1 束缚与服饰的象征意义： 在德川幕府的严格等级制度下，武士的着装是其身份最直接的标识。本节细致分析了武士的羽织、袴以及佩刀的描绘。我们探讨了版画中对“禁奢令”下武士如何通过版画来“炫耀”其精神财富而非物质财富的现象。特别关注那些描绘武士在出行、参觐（Sankin Kōtai）途中的场景，这些宏大场面背后的官僚主义和旅行的艰辛被微妙地记录下来。 2.2 文武之道与内心的挣扎： 和平时期，武士的“武”的价值如何体现？很多武士开始转向文职工作或文学艺术。本章选取了描绘武士读书、习字、或与学者、僧侣交流的版画。例如，在描绘“忠臣藏”故事的版画中，我们关注的不是战斗的高潮，而是人物在决断前夜的沉思与对家族名誉的权衡。这些图像反映了武士阶层在“忠义”伦理与现实生活压力下的心理负荷。 2.3 武士家庭的生活侧写： 武士的妻子和女儿同样生活在严格的礼教约束之下。本章通过描绘武家宅邸的庭院、女性学习礼仪的场景，展现了武家女性在维护家族尊严和教育后代方面的角色。这些版画往往透露出一种克制的美感和深沉的家庭责任感，与市井女性的奔放形成了鲜明对比。 --- 第三章：町人世界的活力与世俗哲学：庶民的衣食住行与信仰 町人（Chōnin），即城市中的商人与手工业者，是江户时代经济的真正驱动力，也是浮世绘艺术最主要的支持者和描绘对象。本章侧重于捕捉这股新兴力量如何通过版画表达他们的生活哲学、消费欲望和对日常乐趣的追求。 3.1 “时令”的盛宴：饮食、节日与风俗： 浮世绘是记录江户时代风俗变迁的百科全书。本节重点分析了描绘季节性活动的版画，如隅田川的花火大会、深川八幡祭的盛况、以及不同季节的特色食物（如荞麦面、寿司）。这些版画不仅是娱乐的记录，更是消费主义萌芽的体现，展示了庶民如何利用有限的资源创造出丰富多彩的物质生活。 3.2 商业街景与人流的动态捕捉： 以广重（Hiroshige）的“名所绘”系列为代表，本章考察了版画如何将地理景观与商业活动相结合。从日本桥的鱼市喧嚣到浅草寺的香火鼎盛，这些场景充满了动感和细节。我们分析了版画中对商店招牌、货物堆放、以及顾客讨价还价等商业细节的刻画，这些都反映了町人阶层日益增长的经济权力和社会自信。 3.3 庶民的娱乐与“微型反叛”： 除了官方认可的节日，庶民还有自己独特的消遣方式。本章探讨了版画中描绘的相扑比赛的狂热气氛、歌舞伎爱好者在剧场外的聚集场景，以及游廓边缘的市井小民的娱乐活动。这些场景常常流露出一种对僵化社会秩序的调侃和轻松的世俗幽默感，体现了町人文化中务实、享乐主义的哲学倾向。 --- 第四章：从版画的技法看社会阶层的微妙互动 浮世绘的制作是一个复杂的分工体系，涉及绘师、雕师、刷师和出版商。这种工业化的流程本身就是江户社会分工的缩影。 4.1 技法的选择与受众的定位： 本书最后探讨了不同版画类型（如肉笔画、墨摺绘、丹绘、锦绘）的成本和受众定位。昂贵的彩色锦绘往往面向富裕的町人或中级武士，而相对廉价的单色版画则面向更广大的群体。这种技术与经济的关联，决定了哪些“故事”被讲述，以及以何种“美学姿态”被呈现。 4.2 模版之外的社会意涵： 通过研究版画的题跋、印章和发行信息，我们可以反向推导出当时社会对特定主题（如政治讽刺、异域事物、或是特定名人的私人生活）的接受度和限制。本书认为，浮世绘虽然看似描绘“风俗”，实则是江户市民阶层在官方意识形态的夹缝中，构建自身文化身份和表达社会观察的有力工具。它记录的不是历史的宏大叙事，而是日常生活的细微褶皱与人性的复杂光影。 --- 结语： 《江户浮世绘中的人情世态》旨在提供一个多维度的观察窗口，透过木刻的线条和色彩，触摸江户时代活跃的社会脉搏，理解艺伎的优雅、武士的责任、以及庶民的生命力是如何共同编织出那个迷人而又充满张力的浮世。

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我向来对那些过于学术化、充满晦涩术语的艺术评论敬而远之，但这本书却以一种近乎口语化的、充满激情的笔调，彻底颠覆了我的这种偏见。读这本书的过程，简直就像是坐在一个经验老到的“头牌”演员旁边，听他如数家珍般讲述台前幕后的点滴。书中对不同流派在同一角色塑造上的细微差异，进行了近乎“八卦”的生动对比，这种对比并非贬低，而是一种对艺术传承中“千人千面”的赞美。尤其是在描述“隈取”（脸谱化妆）如何服务于角色的心理变化时，作者没有堆砌晦涩的色彩理论，而是将其与人物的命运紧密相连，让人读完后，再看任何一张隈取照片，都会多一层对“命运之网”的理解。我特别喜欢它探讨的“余韵”概念，那种灯光渐暗后，观众心中久久不散的情绪，这本书似乎有一种魔力，能将这种无形的体验，凝练成可触摸的文字。

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这本关于歌舞伎舞台表演的著作，从我翻开第一页起，就完全将我带入了那个光怪陆离、充满仪式感的江户世界。作者对于“见得”这一关键动作的细致剖析，简直如同高倍显微镜下的观察，让我这个原本只停留在表面欣赏的戏迷，第一次真切感受到了演员在方寸舞台上凝聚的巨大能量。书里没有冗长的历史背景介绍，而是直击核心，聚焦于那些让歌舞伎之所以成为歌舞伎的“技术”本身。特别是关于“六方”的段落，作者用极其生动的比喻，将那种缓慢、有控制的移动肢体语言，描述成水银泻地般的流动美学，让我忍不住想立刻去剧场，用全新的眼光去捕捉那些瞬间的定格与爆发。文字的节奏感把握得非常好，时而如狂风骤雨般讲述高潮迭起的场面调度，时而又如同清晨的露珠般，描绘角色内心微小的挣扎与转变。它不仅仅是一本教科书，更像是一份来自资深艺术家的手札，充满了对舞台的深沉敬意和独到见解，强烈推荐给所有渴望深入理解日本传统表演艺术的人。

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坦白说，我最初是冲着那些精美的舞台布景图片买的这本书，但没想到，内容的深度远超我的预期。它对舞台机关的运用描述得极为精准，简直是舞台工程学的入门指南。比如，那个著名的“花道”如何从一个简单的通道，演变成角色内心挣扎的象征性空间，书里详细解析了不同时期舞台设计师的创新。我尤其着迷于作者对“太夫”（说唱者）和“三味线”乐师之间微妙的互动关系的分析。这两者的关系不是简单的伴奏与演唱，而是一种互相牵引、甚至互相“挑衅”的共舞。书中举例分析了某段著名场景中，当太夫情感达到顶点时，三味线是如何通过拨弦的力度和速度，将观众的情绪推向最后崩溃边缘的。这种对听觉艺术与视觉艺术完美融合的拆解，让我对歌舞伎的“综合艺术”属性有了更立体的认识，可以说是对我审美经验的一次深度拓宽。

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阅读过程中心情如同坐过山车，时而因对某个历史事件背景的补充而感到充实，时而又被对演员即兴发挥的描述所震撼。这本书的妙处在于，它成功地在“记录”和“诠释”之间找到了一个绝佳的平衡点。它没有试图给出“标准答案”去定义每一场表演的价值，而是呈现了多种可能性，鼓励读者自己去剧场寻找答案。其中关于服装和道具如何服务于叙事节奏的章节尤其精彩，例如，一件特定颜色的和服是如何在特定灯光下，瞬间暗示角色的命运转折，这些细节的挖掘，体现了作者对表演美学的极致追求。我特别欣赏作者对“间”（Ma，留白）的哲学性讨论，即舞台上那些看似空无一物的瞬间，是如何通过演员的呼吸、幕布的轻微颤动，被赋予了比任何动作都更强大的力量。这本书为我打开了一扇通往更深层审美体验的大门，它不是教人如何欣赏，而是让人学会如何“感受”舞台的生命力。

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这本书的叙事风格充满了令人惊喜的跳跃性，它不像传统的历史书籍那样循规蹈矩，而是更像一个四处游走的剧评人留下的札记。有时候，它会突然从对一个著名演员的精湛身段描写，毫无预警地转到对江户时代观众反应的研究，这种跨界的视角让人耳目一新。作者对于“役柄”（角色类型）的分类和解构非常新颖，没有简单地停留在传统划分，而是引入了现代心理学的框架去剖析那些经典的英雄、恶人和女性角色。我印象最深的是关于“女形”（扮演女性的男演员）的部分，作者没有陷入对性别模仿的简单讨论，而是深入探讨了“美之理想”在舞台上是如何被构建和超越的，这种对“表演即创造”的深刻洞察，让我对舞台上的“虚构性”产生了更强烈的共鸣。读完后，我仿佛被赋予了一双新的眼睛，能够穿透华丽的服饰，看到表演者背后那颗燃烧的灵魂。

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了解Kabuki看Brandon的书足矣。

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