具体描述
In 2002, Ben Quilty won the Brett Whiteley Travelling Scholarship and journeyed to Paris where he imbibed the colour and atmosphere so eloquently expressed by Henri Matisse who, along with the British artists Frank Auerbach and Leo Kossoff, greatly influenced the young artist's approach to colour, form and line. The Paris drawings, rapidly sketched in oil bar on linen, came close to the 'drawing with paint' that is the hallmark of Quilty's approach. While his influences have been European, part of Quilty's mission is to find subjects that explore Australia's cultural identity. Thus, partly tongue-in-cheek, he embarked on a series of paintings dedicated to the Holden Torana and its importance to Australia's testosterone-driven youth. Equally confronting are his Budgerigars, harmless and endearing at first glance, but in effect painted as a protest against mutant selective breeding programs undertaken to serve the collectors' market. As a young artist, at times quite irreverent in his approach, he believes fervently in developing the necessary skills of drawing and painting and, as a portrait painter, has more than once been a finalist in the Archibald Prize. Quirky as his approach to painting can sometimes be, he believes it is possible to gather inspiration and enlightenment by osmosis; by observing places once inhabited by persons of genius. Hence his fascination with 'painters' places' in Australia- like Hill End and Heidelberg, or with Paris and the colourful presence of Mattise. This Macmillan Mini-Art book, the third in the series, shows how art can be quite radical without abandoning its foundations.
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读后感
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用户评价
我必须承认，这本书的阅读体验是充满“噪音”的，但这种噪音却是艺术的本质所在。它没有给我提供任何标准答案，反而抛出了一连串更深刻的问题。比如，当一个艺术家面对一个快速变化的、被全球化符号淹没的文化背景时，他如何坚守其地域性的身份？这本书详细记录了Quilty在不同媒介间的游走，从厚重的油画到轻盈的版画，再到那些带有强烈装置艺术倾向的作品。让我印象深刻的是他对“失落与寻找”这个母题的处理。那些被遗弃的物体、模糊的记忆，都被他用一种近乎考古学家般的细致和画家的激情重新挖掘出来。文字部分与其说是评论，不如说是艺术家本人的“自白”，坦诚得让人心惊。他毫不避讳地谈论创作中的自我怀疑和外部世界的误读，这种坦率使得整本书的基调非常真诚。对于想要深入了解当代艺术创作过程中的心路历程的读者来说，这本书提供了无与伦比的内部视角，它揭示了伟大作品背后往往隐藏着无数次失败的尝试和痛苦的抉择。
评分这本书的装帧设计本身就充满了当代艺术的意味，厚实的铜版纸，搭配着偶尔出现的留白和不对称的布局，让我每次捧起它都像在进行某种庄重的仪式。但内容上，它却极其叛逆。它没有遵循传统艺术家的传记结构，而是更像一个主题拼贴画，将不同时期的作品、手稿、以及零散的访谈片段交织在一起。我特别关注其中关于“景观政治”的章节，Quilty对澳大利亚广阔地貌的描绘，远超出了简单的风景画范畴，他似乎在用色彩和线条来书写历史的创伤和原住民的记忆。那种宏大叙事与个人情感的紧密缠绕，让人读后久久不能平静。这本书的好处在于，它不试图“教育”你如何去欣赏，而是邀请你进入他的创作现场，让你自己去感受那种原始的、未经驯化的创造力。看完之后，我感觉自己对“边界”这个概念有了新的理解，艺术的边界、地理的边界、以及自我认知的边界，都在Quilty的作品中被反复试探和模糊化。这是一本需要细细品味，并且会随着阅读者的成长而不断焕发新意的艺术典籍。
评分这本书对我来说，更像是一面哈哈镜，它反射出的艺术世界既扭曲又无比真实。最让我着迷的是他对澳大利亚本土文化符号的解构和重塑。书中收录的那些标志性的袋鼠、内陆景观，甚至是那些充满历史感的殖民地建筑，在Quilty的笔下都带上了一种超现实的怪诞色彩。他似乎对“美”的概念持有一种戏谑的态度，用夸张的比例和饱和到近乎刺眼的色彩，来表达他对既有秩序的不满。我尤其喜欢其中关于“荒谬感”的探讨，他如何将日常生活中那些微不足道的、甚至是丑陋的元素提炼出来，赋予它们强烈的戏剧张力。这让我想起一些魔幻现实主义文学作品，视觉上的冲击力直接作用于读者的潜意识。这本书的编排者似乎也深谙此道，他们没有将作品按时间线或主题死板地排列，而是通过看似随机的并置，制造出一种强烈的对话感和冲突感。读完全书，我感觉自己的审美阈值被彻底重置了，世界观好像也随之稍微倾斜了一点，这才是真正优秀的艺术书籍该有的力量。
评分这本书简直是场视觉的盛宴，每一次翻页都像被拽入了一个充满原始力量和细腻情感的漩涡。我至今还能清晰地记得那些画布上颜料堆叠的肌理感，它们不是被平铺上去的，而是像地震后的地貌一样，带着厚重和张力。尤其是他对于光影的捕捉，那种澳大利亚烈日下特有的、近乎残酷的清晰度，被他用狂野的笔触毫不留情地展现出来。我记得其中有一幅描绘着废弃工业场景的画作，那些生锈的金属和斑驳的墙体，本身就带着一种末世的美学，但Quilty的加入，让那种腐朽感有了一种近乎神圣的意义。你仿佛能闻到空气中尘土和机油混合的味道。更让我震撼的是，他的作品里总有一种挥之不去的人文关怀。那些看似粗粝的笔触下，藏着对社会边缘人物的深切同情，他们不是被审视的对象，而是以一种近乎英雄的姿态被呈现在我们面前。读着伴随作品的文字介绍，我愈发觉得，这不仅仅是关于艺术创作的技术探讨，更是一次对现代生存状态的深刻反思。他用最不加修饰的方式，撕开了日常生活的表皮，让我们直面那些被主流审美忽视的真实。这本书，绝对是值得反复品味的艺术史料。
评分我得说，初次翻开这本书时，我的期待值其实挺高的，毕竟名字在艺术圈子里算是响当当的。但阅读过程中的体验却比我想象的要复杂得多，它不像那些规整的艺术画册，总给你一种井井有条的学术感。这本书更像是一本艺术家的私人日记，充满了跳跃性的思维和近乎神经质的能量。其中关于“材料实验”的部分尤其吸引我，他似乎永远在挑战颜料和画布的极限。我记得他提到过使用回收材料入画的经历，那种对传统媒介的叛逆，让我联想到上世纪中叶的某些激进主义艺术思潮，但Quilty的手法又显得更加接地气，更加“泥土味”。这本书成功地将理论的深度与实践的野性完美结合，让你在赞叹其技艺的同时，又对创作背后的哲学困惑不已。读到某一章节，他描述自己在偏远地区写生时的那种与自然搏斗的状态，我几乎能感受到那种身体上的疲惫和精神上的亢奋。这本书的排版也很有意思，时而疏朗，时而拥挤，仿佛在模拟艺术家创作时的心境起伏。这绝对不是一本适合快餐式阅读的书，它需要你沉下心来，去感受每一页纸张背后那股不安分的创作冲动。
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