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出版者:

作者:Wiley, Kehinde 绘

出品人:

页数:64

译者:

出版时间:2010-2

价格:$ 45.20

装帧:

isbn号码:9781427613738

丛书系列:

图书标签:

• Kehinde Wiley
• 当代艺术
• 肖像画
• 非洲裔艺术
• 美国艺术
• 绘画
• 艺术史
• 文化
• 身份认同
• 博物馆

《永恒的肖像：西方艺术史中的权力、身份与凝视》 一、 引言：在宏伟的画框中重塑历史 本书深入剖析了西方艺术史上肖像画的演变轨迹，重点考察了自文艺复兴盛期至当代，肖像如何成为构建、巩固乃至挑战社会权力的核心媒介。我们拒绝将肖像视为仅仅是对个体外貌的忠实记录，而是将其视为一种精心编排的文化文本，其中充满了意识形态的张力、社会阶层的诉求以及被描绘者与观者之间复杂的权力博弈。 本书的基石在于对“凝视”（The Gaze）理论的批判性继承与拓展。我们探究了在不同历史时期，谁拥有描绘的权力，谁被允许被描绘，以及这种描绘如何塑造了公众对“伟大人物”和“理想公民”的认知。通过对细节、姿态、服饰和背景元素的细致入微的解读，我们揭示了隐藏在华丽表象之下的社会结构性力量。 二、 文艺复兴的奠基：神圣性、世俗化与公民美德 在文艺复兴的佛罗伦萨和罗马，肖像画经历了从宗教偶像向世俗精英身份象征的转型。这一部分详细考察了早期的肖像大师，如提香（Titian）和拉斐尔（Raphael），他们如何巧妙地融合古典理想主义与新崛起的商业贵族和教皇的政治诉求。 我们分析了“Profile View”（侧面肖像）的复兴，它不仅是对古罗马钱币艺术的致敬，更是一种宣示身份的政治声明，象征着清晰的、不容置疑的权威。重点案例分析将集中在美第奇家族的肖像系列上，探讨他们如何通过艺术赞助，将个人财富转化为合法的政治影响力，并利用文艺复兴的人文主义精神来包装其统治的世俗性。此外，本书还将对比分析南北方文艺复兴中肖像关注点的差异，例如尼德兰画派对物质细节和个人性格的刻画如何预示了未来个人主义的兴起。 三、 巴洛克与洛可可的戏剧性：国家权力与感性诱惑 巴洛克时期（17世纪）的肖像艺术，以其强烈的动感、深沉的光影对比和对宏大叙事的偏爱，成为绝对君主制国家的强大宣传工具。鲁本斯（Rubens）和委拉斯开兹（Velázquez）的作品是本章的核心案例。我们研究了凡尔赛宫廷肖像如何将国王塑造成神授权力的化身，通过不对称的构图和夸张的肢体语言，使观者产生敬畏感。委拉斯开兹在《宫娥》（Las Meninas）中的自我纳入，则被视为一次对艺术地位和画家身份的深刻反思，模糊了被描绘者与描绘者之间的界限。 进入18世纪的洛可可时期，肖像的基调转向了私密性、享乐主义和性别化的装饰。我们探讨了法国沙龙文化如何催生了对女性肖像的新需求，以及画家如何利用柔和的色彩和精致的场景来描绘贵族阶层的优雅与感官的自由。这部分内容批判性地审视了洛可可肖像如何为随后的革命埋下了社会张力的伏笔。 四、 启蒙运动与浪漫主义的冲突：理性的公民与情感的主体 18世纪末至19世纪初，随着启蒙思想的普及和政治动荡的加剧，肖像画的功能发生了剧烈变化。雅克-路易·大卫（Jacques-Louis David）的肖像，如对罗伯斯庇尔和拿破仑的描绘，体现了对“古典美德”和共和精神的回归，试图将个体塑造成符合时代要求的公民典范。 浪漫主义运动则对这种理性主义提出了挑战。本章将聚焦于探索更深层、更具“灵魂”的描绘，例如戈雅（Goya）对西班牙王室的尖刻讽刺，以及特纳（Turner）作品中人物在自然伟力面前的渺小。我们着重分析了面部表情和眼神如何成为捕捉内在情感和未言明心理状态的关键工具，预示着现代心理肖像的诞生。 五、 摄影术的冲击与现代性的焦虑：身份的碎片化 19世纪中叶摄影术的发明对传统肖像画构成了生存危机。这迫使画家们放弃对客观再现的执着，转向对主观体验和形式探索的追求。印象派和后印象派的肖像作品，如马奈（Manet）对社会边缘人物的描绘，以及梵高（Van Gogh）充满挣扎的自画像，标志着肖像从社会地位的记录转向个体存在的焦虑表达。 现代主义的到来，尤其是立体主义和表现主义，彻底解构了传统的肖像范式。毕加索（Picasso）和席勒（Schiele）的作品被视为对“完整自我”概念的根本性颠覆，他们用破碎的几何形体和扭曲的线条来揭示现代社会中身份认同的复杂性与不确定性。 六、 20世纪后半叶的颠覆：媒介、消费与被观看的身体 二战后，肖像画进入了多元化的领域。波普艺术（Pop Art）对名人肖像的大量复制和挪用（如安迪·沃霍尔的作品），揭示了消费文化中“形象”如何被商品化和流水线化，艺术家的角色也从创造者转变为对大众媒体符号的解构者。 在后殖民语境和女权主义思潮的推动下，当代艺术开始对西方艺术史中长期被边缘化的声音进行“夺回”（Reclamation）。本章将探讨艺术家如何利用装置、录像和特定场域的表演，挑战传统肖像中固有的种族、性别和阶级预设。我们关注那些有意图挑战传统“美德”叙事，转而关注身体的政治性、脆弱性以及被主流凝视所忽视的经历的艺术实践，从而完成对艺术史中“永恒肖像”的彻底反思与重构。 结语：未来的面孔——身份的流动性与艺术的责任 本书最终总结道，肖像艺术的演变史，本质上是一部关于“谁有权定义我们是谁”的历史。从文艺复兴的理想化神人到现代性的心理挖掘，再到当代对图像政治的批判性解构，肖像画始终是社会权力结构最敏感的晴雨表。展望未来，本书认为，随着身份认同的日益流动化和去中心化，艺术家的责任在于继续拓展“肖像”的边界，使其能够容纳更多元、更复杂、更具挑战性的存在形式。

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读完这本书，我感到一种前所未有的启发，它让我重新审视了艺术与现实之间的关系，以及艺术在社会中扮演的角色。Kehinde Wiley 的作品，在这本书中展现出的力量，是如此的直接和有力，它不仅仅是视觉上的冲击，更是思想上的启迪。我被Wiley 创作的那些具有强烈视觉张力的作品所吸引，他以一种非常独特的方式，将当代人物置于古典的、甚至是宏伟的艺术语境之中。这种“跨时空的对话”让我不得不思考，艺术是如何反映时代，又如何影响时代。书中对 Wiley 创作过程的展现，也让我看到了艺术家在构思和创作过程中的思考和探索。他不仅仅是简单的模仿，而是通过对古典艺术的深入理解和研究，来创造出具有当代意义的作品。这种对历史的尊重与对现实的关照相结合，使得 Wiley 的作品具有了一种独特的深度和广度。我尤其欣赏书中对作品背后文化背景的解读，它帮助我更深入地理解了 Wiley 作品的内涵，以及他对身份、权力和归属感的探讨。这本书让我意识到，艺术不仅仅是艺术家个人的表达，更是对社会文化的一种回应和贡献。它鼓励我去更积极地去思考，去质疑，去探索，并用自己的方式去参与到这个世界之中。

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这本书给我留下了深刻的印象，尤其是在它所呈现的视觉语言方面。Kehinde Wiley 的作品，无论是在画布上还是在其他媒介中，都充满了令人惊叹的细节和丰富的层次。当我翻阅这本书时，我被那些精心构建的图像所吸引，它们不仅仅是简单的肖像，更是对身份、权力和历史的深刻探讨。Wiley 独特的风格，将古典艺术的元素与当代人物相结合，创造出一种既熟悉又令人耳目一新的视觉体验。书中的每一幅作品都像是在讲述一个故事，通过人物的姿态、眼神，以及背景中繁复的花纹和装饰，我似乎能够感受到他们的过去、现在以及他们所处的社会语境。这种叙事性是这本书最打动我的地方之一，它让我不仅仅是观看，更是去理解和感受。而且，书中对色彩的运用也极其大胆和富有表现力，那些鲜艳的色彩碰撞在一起，却又和谐统一，营造出一种既充满活力又带有一丝戏剧性的氛围。我花了很长时间去欣赏每一处细节，去琢磨 Wiley 在构图和色彩上的考量，仿佛置身于一个充满故事的视觉博物馆，每一次翻页都像是一次新的发现。这本书不仅仅是一本画册，更是一次关于视觉艺术力量的沉浸式体验，它挑战了我对传统肖像画的认知，并让我对艺术家的创作意图有了更深入的思考。

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这本书给我带来的最深刻的感受，是一种力量的传递，它充满了自信和张扬，让我不由自主地想要去回应。Kehinde Wiley 的作品，在这本书中以一种非常直接和宏大的方式呈现，仿佛一个个的王者降临。我被那些人物的姿态所吸引，他们眼神坚毅，表情自信，仿佛在宣告着自己的存在和力量。Wiley 巧妙地运用了古典艺术中描绘皇室和贵族的元素，但又将这些元素赋予了当代人物，创造出一种既有历史感又不失现代感的视觉效果。书中的背景图案更是令人惊叹，那些繁复的花纹和装饰，充满了异域风情，同时也衬托出人物的尊贵和神秘。每一次翻开这本书，我都会被这些画面所震撼，它们让我感受到了艺术的魅力，以及艺术家通过艺术所表达出的对生命的热情和对个体的肯定。Wiley 似乎在用他的画笔告诉我们，每一个生命都值得被看见，都值得被赞颂。书中的色彩运用也极其大胆，鲜艳的色彩碰撞在一起，却又和谐统一，营造出一种既充满活力又带有一丝庄重感的氛围。这本书不仅仅是一本画册，更是一次关于自我认同和生命力量的探索，它鼓励我去发现自己内在的力量，并以自信和勇敢的态度去面对世界。

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这本书给我的感觉，是一种沉浸式的、感官的体验，它不仅仅是眼睛的享受，更是心灵的触动。Kehinde Wiley 的作品，在这本书中以一种近乎触手可及的方式呈现，让我仿佛能够感受到画布的纹理，闻到颜料的气息。我尤其喜欢书中对细节的处理，那些精心绘制的花卉、植物，以及人物身上繁复的服饰，都充满了生命力。Wiley 似乎有一种魔力，能够将这些元素组合在一起，创造出一种既华丽又充满力量的视觉奇观。当我凝视书中那些人物的眼睛时，我仿佛能看到他们内心的故事，他们的骄傲，他们的力量，以及他们所承受的压力。这本书让我感受到了一种前所未有的亲切感，因为 Wiley 描绘的人物，很多都来自于我们生活的真实世界，他们不是遥不可及的神祇，而是有着真实情感和生活经历的人。这种“真实感”与他所运用的古典艺术语境相结合，产生了一种奇妙的化学反应，让观众在惊叹于艺术之美的同时，也能与画面中的人物产生共鸣。书中还巧妙地运用了光影的对比，使得画面更具立体感和戏剧性，仿佛每一个人物都在一个精心设计的舞台上，接受着聚光灯的照耀。这本书让我重新审视了肖像画的意义，它不仅仅是记录，更是一种对生命、对存在本身的赞美和肯定，让我深深沉醉其中，久久不能自拔。

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这本书的触动之处在于它所引发的关于社会阶层和文化认同的思考，这种思考是如此的细致入微，以至于让我不得不停下来，反复咀嚼。Kehinde Wiley 的作品，在这本书中得到了淋漓尽致的展现，他以一种非常独特的方式，将那些在传统艺术史中被忽视或边缘化的人物，置于宏伟的、甚至是神圣的背景之下。这种“挪用”和“重塑”的策略，不仅仅是一种艺术手法，更是一种强有力的社会宣言。当我看到那些年轻的、具有鲜明当代特征的人物，被描绘成与文艺复兴时期的帝王将相相似的姿态时，我感到一种强烈的视觉冲击，同时也引发了我对谁有权被艺术史铭记的思考。书中对这些作品的呈现，不仅仅是图片的堆叠，更是在探讨艺术作品背后的权力结构和历史叙事。Wiley 巧妙地利用了古典艺术的语言，来挑战和颠覆我们对美的、对身份的既有认知。这本书让我深刻地意识到，艺术不仅仅是关于美学的追求，更是关于对社会现实的观察和批判。它迫使我去思考，那些被描绘的对象，他们代表着什么？他们的存在，又揭示了我们社会中哪些不为人知的角落？这种深刻的社会洞察力，使得这本书不仅仅具有艺术价值，更具有重要的社会意义，它像一面镜子，映照出我们时代的种种矛盾和张力，引发了更为广泛和深刻的讨论。

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