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出版者:The Baryshnikov Foundation

作者:Baryshnikov, Mikhail 摄

出品人:

页数:128

译者:

出版时间:2009-2-1

价格:USD 45.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780982172605

丛书系列:

图书标签:

photography
dance
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具体描述

Mikhail Baryshnikov, a photographer most of his adult life, has turned his lens on dance, and here pays vibrant homage to the work of master choreographer Merce Cunningham. In his introduction to "Merce My Way" Baryshnikov writes, Watching Cunningham's dances through the eye of a lens is a lesson in the extremes and restraints of a dancer's body... to a dancer, such nakedness is revelatory." This volume offers 85 of Baryshnikov's striking, never-before-published color images, in which he seizes the essence of Cunningham's choreography by anticipating the dancers' motions and capturing the streaming fluidity of the dance. His images are radiant and electric--blurring motion, past, present and future into a single frame. Featuring images of six recent Cunningham dances, the book is a revelation for all those who revere dance--and the work of these two masters."

《星辰下的足尖：二十世纪芭蕾的流光溢彩》简介本书并非聚焦于某一位特定的艺术巨匠，而是以二十世纪为广阔的舞台，细腻描摹了芭蕾艺术在这百年间所经历的深刻变革、审美转向以及文化碰撞。这是一部关于集体记忆、创新精神与技术巅峰的编年史，它追溯了古典芭蕾如何挣脱僵化的束缚，拥抱现代主义的先锋浪潮，最终成为一种能够反映时代精神的综合艺术形式。我们将穿越时间的长河，探访那些在幕后推动历史车轮的编舞家、革新者、舞台设计师，以及那些用身体书写了新篇章的舞者群体。本书旨在揭示，一个世纪以来，芭蕾的“声音”和“面貌”是如何被重塑的，以及在技术完美与情感表达之间，艺术家们是如何权衡与探索的。 --- 第一部分：古典的黄昏与新生的黎明（1900-1930年代）二十世纪的开端，芭蕾正处于一个关键的十字路口。彼时的舞台仍被十九世纪浪漫主义的幽灵所笼罩，叙事性强、技巧炫技的“大戏”占据主导地位。然而，一股来自东方的强大艺术洪流——由谢尔盖·佳吉列夫的“俄罗斯芭蕾舞团”（Ballets Russes）所引领的革命，如同惊雷般炸响了西欧的艺术界。 1. 佳吉列夫的魔力与全才的集合本书将详尽剖析“俄罗斯芭蕾舞团”如何以其跨界的合作模式颠覆了传统观念。我们不会仅停留在对著名舞者的介绍，而是深入探讨斯塔文斯基、德彪西的音乐如何为舞蹈提供了全新的律动基础；马蒂斯、毕加索的布景和服装如何将视觉艺术引入舞台，使得舞台不再是背景，而是叙事不可或缺的一部分。重点研究《火鸟》、《彼得鲁什卡》和《春之祭》如何通过对原始情感和非传统和声的运用，挑战了观众对“美”的既有认知。尤其对《春之祭》首演时的轰动效应及其对后世现代舞的深远影响，将进行细致的解读。 2. 早期现代性的萌芽在巴黎的喧嚣之外，其他地区也涌现出对古典规范的反叛力量。这一部分将考察早期现代舞先驱们——那些虽然不完全属于芭蕾范畴，但其对身体解放的探索间接促进了芭蕾语汇的扩展——如何通过更自由的躯干运动和对重力的重新理解，为古典舞者提供了新的可能性。芭蕾舞团内部开始出现张力，部分艺术家渴望在保持技巧严谨性的同时，融入更强烈的个体表达。第二部分：战争的阴影与技术的巅峰（1940-1960年代）两次世界大战深刻地改变了欧洲的文化版图。许多艺术家流散至美国，为北美大陆的芭蕾发展注入了新的活力，同时也促使芭蕾艺术在技术层面达到了一个前所未有的高度。 1. 结构主义与“纯粹的舞蹈” 乔治·巴兰钦（George Balanchine）对古典语汇的提纯与重塑是本部分的核心议题。我们将重点分析他如何去叙事化，创造出“新古典主义”——一种强调音乐性、速度感和清晰线条的舞蹈哲学。书中将细致分解其标志性的“快速脚步”（balancé rapides）和对空间几何学的极致运用。研究巴兰钦如何将芭蕾舞者的身体视为音符，使舞蹈的结构本身成为美学表达的最高形式。我们将考察《协奏曲》（Concerto Barocco）和《四季》（The Four Temperaments）中体现的结构美学，以及他如何成功地将欧洲的贵族艺术，转化为更具现代感、更“美国化”的舞台语言。 2. 战后欧洲的回归与实验在欧洲，战后的艺术氛围催生了对社会现实和心理深度的关注。一些编舞家开始尝试将古典舞步与更具戏剧张力的现代舞蹈技术结合，以探讨更复杂的人类情感，而非仅仅停留在童话故事中。我们探讨了那些在战后重建艺术中心时，努力平衡传统继承与大胆创新的努力，这些探索为后来的当代芭蕾奠定了基础。第三部分：观念的碰撞与边界的消融（1970年代至今）七十年代后，艺术的“边界”概念开始瓦解。芭蕾艺术不再是孤立的岛屿，而是积极地与当代戏剧、视觉艺术、甚至流行文化进行对话。 1. 当代编舞对古典的解构这一阶段的重点在于对“传统”的批判性继承。许多具有远见的编舞家开始系统性地“解构”古典芭蕾的既定语汇。他们保留了脚尖站立的技巧，但挑战了身体的传统姿态和动作的动机。书中将深入分析那些被认为是“争议性”的作品：它们如何利用不和谐的音乐、粗粝的动作或反传统的服装，来反映现代社会的疏离感和碎片化。我们探讨编舞家如何通过引入戏剧性的肢体语言，模糊芭蕾与现代舞的界限，使得“当代芭蕾”（Contemporary Ballet）真正成为一种成熟的艺术形式。 2. 技术与媒介的融合随着科技的发展，舞台的呈现方式也发生了革命性的变化。本部分将考察灯光设计、多媒体投影以及电子音乐如何被纳入芭蕾的创作流程。这些新的工具不仅增强了视觉效果，更重要的是，它们改变了观众感知舞蹈运动的方式。舞蹈不再仅仅是三维空间中的存在，它也成为了数字媒介的载体，探讨了这种融合如何拓展了芭蕾叙事和表现力的边界。结语：永恒的律动与未来的回响本书的终章将总结二十世纪芭蕾艺术的根本性转变：从服务于王室和叙事工具，演变为一种自我反思、高度抽象化、并能深刻反映时代精神的纯粹艺术形式。我们观察到，无论技术如何演变，对人类身体潜能的探索，以及对音乐的忠实解读，始终是支撑这一艺术跨越时代的永恒核心。这部艺术史的演变，最终揭示了人类对形式、美感和情感表达的无尽追求。