具体描述
For Lino Tagliapietra, glass art represents his life: Venice and the lagoon, its shadow and light. "It is part of my culture, my brain, my blood," he says. Born on a small Italian island known for lacemaking and fishing, Tagliapietra rose from a working class family and a minimal education to become an internationally acknowledged glass artist and maestro, an honour given to the most highly recognized of Italian glassmakers. Tagliapietra worked exclusively on the island of Murano until coming to the Pilchuck Glass School in Stanwood, Washington at the invitation of Benjamin Moore in 1979. Working with unfamiliar tools and speaking no English, Tagliapietra created unique pieces of glass using techniques that had rarely, if ever, been seen in the United States at that time.Despite the tradition of secrecy surrounding Italian glassblowing, he imparted knowledge to his students and colleagues, believing that keeping tradition and history alive is of the greatest importance. While he was not the first to leave the island and its glass companies for independent work, Tagliapietra did become the first Murano artist to experience widespread international recognition, particularly in the United States. He combines techniques that are rooted in the thousand-year-old Venetian glassmaking tradition and brings fresh and creative perspectives to art in glass. Tagliapietra's work stands within the grandest tradition of the decorative arts, an honoured discipline of unabashed beauty and exquisite craftsmanship. Susanne Frantz is the former curator of twentieth-century glass at the Corning Museum of Glass and author of "Contemporary Glass: A World Survey" from the Corning Museum of Glass. The other contributors are Helmut Ricke and Dante Marioni.
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用户评价
这本书的编排逻辑，简直像是一场精心设计的迷宫，引人入胜却又让人在其中流连忘返。它没有采取简单的时间线索，而是仿佛将艺术家的不同创作阶段、不同主题的探索，用一种近乎交响乐章的方式交织在一起。你可以在一页看到极简主义的纯粹线条，下一页却又被那些充满巴洛克式繁复细节的作品所震撼。这种强烈的对比和并置，展现了一种惊人的艺术弹性——这位艺术家似乎从未停止过自我审视和挑战极限的步伐。阅读这本书的过程，更像是在与一位深邃的智者对话，他通过无声的物质载体，向我们抛出了关于形式、光影、以及存在的本质的哲学命题。尤其是一些早期作品的文献照片，带着那个时代特有的粗粝感，与后期那些光滑、几近完美的现代主义杰作形成鲜明对照，让人不禁思考：艺术的“成熟”究竟意味着什么的？是技巧的圆融，还是思想的沉淀？这本书没有给出标准答案，而是留下了无数值得细品的问号。
评分作为一名对工艺美术抱有浓厚兴趣的旁观者，我必须赞叹这本书在呈现“过程”方面的深度。许多艺术书籍只展示最终成品的光鲜亮丽，但这本书却巧妙地穿插了许多工作坊的场景，那些汗水、火星、以及工具的特写镜头，构建起了一个真实可感的创作环境。这种对幕后劳动的尊重，极大地提升了作品的价值感。你不再仅仅欣赏一个“漂亮的物体”，而是开始理解它背后蕴含的巨大体力劳动和心智投入。那些关于玻璃吹制技术演变的图解，即便对于非专业人士来说，也充满了迷人的技术细节，让人体悟到每一道气泡、每一次拉伸，都不是偶然，而是精准计算和丰富经验的结合。它让我意识到，真正的艺术大师，一定是同时兼具了诗人的想象力和工程师的严谨性。这种对“手艺”本身的礼赞，是这本书最宝贵的一面，它提醒我们，在数字化的时代，物质创造的力量从未减弱。
评分这本书的装帧和纸张选择，简直是艺术品本身。我通常不喜欢过于闪亮的铜版纸，但这里的印刷质量处理得恰到好处，既保证了色彩的饱和度和层次感，又避免了廉价的反光，使得那些深邃的蓝色和浓郁的红色能够稳定地停留在纸面上，邀请你靠近，再靠近。更值得称道的是，许多作品的细节图——那些微小的气泡阵列、晶体结构的特写——展现了令人难以置信的锐利度，这对于呈现玻璃这种复杂介质的特质至关重要。翻阅时，我的指尖仿佛能感受到玻璃表面的光滑和温度的变化。不同章节的过渡页设计也颇具巧思，运用了半透明的插页，模拟了光线穿透玻璃的效果，这种细微的设计处理，体现了出版方对艺术家创作精神的深刻理解。可以说，从拿起它开始，直到合上，这都是一种全方位的、高度沉浸式的阅读体验，远超一般画册的水准。
评分这本书带给我最大的震撼，是那位艺术家在面对“限制”时所展现出的无限创造力。玻璃，作为一种必须在极短时间内，在剧烈高温下完成定型的材料，其固有的“不可逆性”和“时间压力”本身就是对创作者的巨大考验。然而，通过这本书，我看到的是他如何将这些物理限制，转化为他艺术语言中最具表现力的元素。那些仿佛凝固的动态瞬间，那些在冷却前必须完成的复杂结构，都诉说着一种与时间赛跑的激情。这不再仅仅是关于如何制作玻璃，而是关于如何用玻璃来表达“时间”、“易逝”与“永恒”之间的辩证关系。这种深度思考，使得书中的每一件作品都获得了超越工艺品的精神重量。阅读完后，我感觉自己对“耐心”和“把握时机”这两件事有了全新的认识，这种从艺术品中汲取的生存哲学，是我认为这本书最值得珍藏的地方。
评分翻开这本厚重的画册，一股古老而又充满生命力的气息扑面而来，那是一种对材料近乎虔诚的敬畏，和对火焰力量的精准掌控所共同酿造出的独特韵味。我常常沉浸其中，想象着玻璃工坊里白炽的炉火如何将沙子炼化成流动的色彩，那些匠人手臂上的力量与眼神中的专注，似乎都凝聚在了每一件作品的弧度和纹理之中。这本书不仅仅是关于一位艺术家的回顾，它更像是一部视觉化的炼金术史诗，记录了人类如何与自然界最基本的元素——火、沙、气——进行一场跨越时空的对话。每一张图片都像是一个定格的瞬间，捕捉到了光线穿透玻璃时那种难以言喻的、瞬息万变的魔力。当我凝视那些复杂的几何结构和看似随机却又暗含秩序的色彩晕染时，我感到的不是冰冷的艺术陈述，而是一种原始的、关于创造的冲动，仿佛能听到玻璃在冷却过程中发出的微弱而坚韧的“咔嗒”声。这本书的排版设计也极为考究，留白恰到好处，使得那些精美的作品有了呼吸的空间，不会让人感到视觉疲劳，反而引导着读者的目光，一步步深入到艺术家创作的内心世界。
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