The Encyclopedia of Oil Painting Techniques pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:

作者:Galton, Jeremy

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:2009-5

价格:$ 22.54

装帧:

isbn号码:9780855329600

丛书系列:

图书标签:

艺术
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具体描述

A comprehensive guide to oil painting practice and technique, this reference offers an informative A-to-Z section of valuable skills such as how to build up a painting and how to make brushwork describe forms and textures--as well as a wealth of stimulating ideas for the canvas, including combining oil paints with other media, mixing paint with sand and sawdust, and applying it with such tools as knives, rags, or even the fingers. The second half of the book shows all the techniques in context. Illustrated with a gallery of paintings by well-known artists and full of detailed, step-by-step demonstrations, the guide shows how each artist applies knowledge of oil painting techniques to the interpretation of a subject, whether landscape, portrait, or still life.

经典文库：探寻艺术之源的宏伟篇章本册精选集汇集了二十世纪初至中叶，在欧美艺术界享有盛誉的几部重量级艺术理论与实践专著。这些作品跨越了印象派的余晖、后印象派的深刻反思，直至现代主义的萌芽，为读者勾勒出一段波澜壮阔的艺术发展史。它并非聚焦于某一特定媒介的技法，而是致力于解析艺术家的创作心路、视觉哲学的演变以及不同流派在理论层面的核心主张。第一卷：光影与色彩的革命——印象派的科学解析本书精选了法国评论家埃米尔·佐拉（Émile Zola）在其鼎盛时期撰写的一系列关于“外光画派”的评论文章的汇编。佐拉以其敏锐的观察力和文学的笔触，深入剖析了莫奈（Monet）、雷诺阿（Renoir）等艺术家如何摒弃传统学院派的僵硬教条，转而拥抱瞬间的光影变化。其中一篇名为《论瞬息的真实》的论述，详细探讨了当时新兴的物理学理论（如牛顿的光学研究）是如何悄然影响了这些画家的色彩运用。佐拉并未讨论具体的颜料混合方式，而是侧重于分析他们如何通过并置纯色来模拟人眼在自然光下对色彩的感知。例如，书中详尽对比了工作室内的“人工光”与户外“自然光”下，同一物体色彩饱和度的差异，并以此为证，说明印象派并非“粗糙随意”，而是一种基于科学观察的视觉重构。另一部分则关注这些艺术家对“主题”的选择。佐拉指出，这些作品的主题——咖啡馆、巴黎的林荫道、火车蒸汽——是工业时代精神的直接体现。他评论道：“这些画家捕捉的不是永恒的雕塑感，而是时代流动的呼吸。”全卷的重点在于构建理论框架，解释“印象”这一概念在当时语境下的哲学意义，而非传授绘制风景或人物的实用步骤。第二卷：形式的内在律动——后印象派的结构重构这一部分收录了三位承前启后的艺术巨匠的私人信札与未发表的创作手稿。我们得以窥见他们如何从印象派对瞬时性的迷恋中抽身，转而探索更持久、更具结构性的艺术表达。其中最引人注目的是保罗·塞尚（Paul Cézanne）与其友人的一系列通信。塞尚在信中反复强调“用圆柱体、球体和圆锥体来处理自然”。这部分内容深入阐述了他对空间几何化的追求。他讨论的不是如何调出“赭石色”来描绘山体，而是如何通过多重视角和色彩平面的叠加，在二维画布上构建一个“稳定的”三维结构。书中收录了手稿草图，这些草图着重表现了线条的支撑作用和色彩的“体积感”，而不是对光影的忠实记录。文森特·梵高（Vincent van Gogh）的部分则侧重于其晚期作品中“情感的线条化”。手稿中，他描述了如何利用强烈的、蜿蜒的笔触来表达内心的躁动与对自然的敬畏。这些描述是关于“运动的能量如何被转化为可见的符号”，而非具体的笔触技巧指南。例如，他讨论了“黄色”在表达生命力时的心理暗示作用，而非如何混合镉黄与锌白。高更（Gauguin）的片段则集中在其对“象征主义”的探索。他阐述了如何利用平涂的、不自然的色彩来传达更深层次的精神寓意，质疑西方艺术对“客观再现”的执着。这部分是纯粹的哲学辩论，旨在为“色彩的自主性”正名。第三卷：现代主义的曙光——抽象的先声本卷汇集了二十世纪初，在慕尼黑和巴黎新兴的先锋艺术家们对“纯粹视觉语言”的探索。重点在于对“何为绘画本质”的形而上学拷问。瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky）的早期理论文稿占据了重要篇幅。康定斯基在此探讨了“点、线、面”作为独立实体的潜力。他提出了著名的“内在必然性”原则，即艺术作品的创造动力源于艺术家的精神需要，而非外界的模仿。书中的论述充满了音乐性的比喻，他将不同的几何形态比作音符，将色彩的冷暖比作音阶，构建了一个试图脱离具象世界的理论模型。他讨论了“蓝色如何能产生静谧感”，而不是讨论如何用调色刀涂抹蓝色。同期，彼得·蒙德里安（Piet Mondrian）的几篇关于“新造型主义”的宣言也被收录。蒙德里安的理论基石是还原主义——将一切自然形式简化为最基本的元素：水平线与垂直线，以及三原色（红、黄、蓝）与非色（黑、白、灰）。他旨在通过这种严格的限制，达到一种普世的、和谐的平衡。文稿详细阐述了这种“动态平衡”的数学美学，探讨的是线条之间的张力与结构关系的逻辑，完全没有提及画布准备或油画介质的选择。总结：超越技艺的艺术哲学之旅总而言之，本合集是一部关于艺术理念演变、视觉理论构建与美学思想交锋的文献集。它是一份跨越了十九世纪末至二十世纪上半叶的“思想地图”，旨在引导读者理解大师们是如何思考他们的作品，他们如何构建了新的视觉语法，以及他们如何挑战了几个世纪以来的艺术传统。阅读本书，您将获得的是对艺术史深层驱动力的洞察，而非关于如何握笔、如何调色的实际指导。它探讨的是艺术的“为什么”和“是什么”，而非“怎么做”。