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出版者:

作者:Lowrey, Arnold

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:2005-1

价格:$ 22.54

装帧:

isbn号码:9781844480104

丛书系列:

图书标签:

• 丙烯画
• 绘画技巧
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• 绘画教程
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• 绘画入门
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• 手工
• DIY

雕塑的物质性与精神性：从古典到现代的形体塑造艺术 本书深入探讨了雕塑艺术的演变历程，侧重于物质材料的选择、处理技术在不同历史时期的应用，以及雕塑家如何通过三维空间的塑造来表达深刻的哲学、社会和精神主题。 第一部分：物质的召唤——材料的哲学与实践 雕塑的本质在于将无序的物质转化为具有特定形态和意义的实体。本书的第一部分将材料视为雕塑家思想的延伸，而非仅仅是支撑形式的载体。 第一章：石材的永恒性与挑战 石材，尤其是大理石和花岗岩，自古以来就被视为最能体现永恒和纪念性的材料。我们将详细剖析古希腊雕塑家如何驾驭卡拉拉大理石的半透明质感，创造出“生命之光”（Lumen）的效果。 凿与磨的对话： 探究从粗凿到精细打磨的完整技术链条。我们将分析不同凿子类型（如尖凿、平凿）对石材表面肌理的影响，以及如何利用抛光来控制光线的反射，从而赋予雕像以呼吸感。 结构与应力分析： 探讨古代大型石雕（如帕特农神庙的雕塑）在结构上如何应对重力、风化和内部应力。讨论在没有现代机械辅助的情况下，如何安全地运输和安装巨大的石块。 现代石材的解构： 审视亨利·摩尔（Henry Moore）和康斯坦丁·布朗库西（Constantin Brancusi）如何突破传统对石材的写实性限制，将石块的原始形态、断裂面和未加工的纹理本身作为作品意义的一部分。重点分析布朗库西对“纯粹形式”的追求如何简化了材料的复杂性。 第二章：青铜的流动与铸造的炼金术 青铜——铜与锡的合金——是表现动态、复杂姿态和精细细节的理想媒介。本书将详尽描述从古典失蜡法到现代浇铸技术的演变。 失蜡法的精微： 详细阐述用于制作精美青铜雕像（如“萨莫色雷斯的胜利女神”或罗丹的作品）的“失蜡法”（Lost-Wax Casting）。包括蜡模的制作、耐火石膏壳的包裹、蜡的熔除过程（“失蜡”），以及铜液的浇注温度和流变性控制。 铸造的瑕疵与修复： 分析铸造过程中可能出现的孔隙、冷隔等问题，以及雕塑家如何通过后期打磨、填充和嫁接等技术来“拯救”或接受这些不完美。 铜锈（Patina）的语言： 铜绿并非随机形成，而是艺术家控制化学反应的结果。我们将考察不同酸性浴液（如硝酸铁、硫化钾）对青铜表面颜色的影响，以及如何利用这种氧化层来强调雕塑的年代感或情绪张力。 第三章：木材的生命力与易逝性 木材，作为一种有机材料，其温暖的质感和内在的纹理为雕塑注入了生命的叙事。 木材的选择与保护： 讨论不同树种（如橡木、椴木、柚木）的密度、纹理方向和干燥过程对最终形态的影响。重点介绍传统木雕如何处理木材的收缩和开裂问题，以确保作品的持久性。 雕刻的节奏： 分析木雕刀法与绘画笔触的对应关系。探讨木材纹理如何引导刀具的走向，形成独特的节奏感和方向感，例如在巴洛克时期的木制祭坛雕塑中对动感的强调。 当代语境下的木材： 考察艺术家如何使用废弃或漂流木，探讨木材的“前世”和材料的生态学意义，将有机材料的易逝性转化为一种对时间流逝的沉思。 第二部分：空间、身体与叙事——雕塑的语境转换 本书的后半部分超越了材料本身，聚焦于雕塑在特定历史时期如何介入人类经验和社会结构。 第四章：人体形态的规范与反叛（古典主义与文艺复兴） 本章追溯了西方雕塑对理想化人体形态的持续探索。 希腊的“卡农”（Canon）： 分析波留克列特斯（Polycleitus）的《标准》（Canon）如何确立了人体比例的数学黄金分割，以及这种“规范”如何在菲狄亚斯的作品中实现神性的表达。 文艺复兴的复兴与解剖学： 详细审视多那太罗（Donatello）和米开朗基罗（Michelangelo）如何结合古典的完美比例与现实的人体解剖学知识。探讨米开朗基罗如何通过“未完成”（Non-finito）的手法，在石头中表现出挣扎着想要解放的生命力。 动态与情感的爆发： 贝尼尼（Bernini）的巴洛克雕塑标志着从静止的完美到瞬间戏剧性的转变。分析其作品中对光影、织物纹理和极端情感的捕捉，如何利用空间（观众的运动）来完成叙事。 第五章：现代性的断裂——从具象到抽象 19世纪末至20世纪初，雕塑经历了最剧烈的范式转变，开始质疑其固有的纪念碑性和对再现的依赖。 罗丹的内在性： 探讨奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin）如何通过对表面肌理的粗糙化处理，将雕塑从外部的完美表象转向内在的心理状态和未完成的思考过程。 体积的解放： 分析立体主义对雕塑的影响，特别是亚历山大·阿尔奇彭科（Alexander Archipenko）和雅克·利普希茨（Jacques Lipchitz）如何将实体体积分解为相互穿插的平面和负空间（Negative Space）。 布朗库西的简化哲学： 深入研究布朗库西如何将复杂对象（如鸟、人头）提炼为最基本的几何形式，探索“本质”而非“外表”。探讨《空中之鸟》系列如何挑战了传统雕塑的重量感和立足点。 第六章：公共空间与装置艺术的拓展 20世纪下半叶，雕塑的界限被彻底打破，材料、尺度和环境的观念被重新定义。 拼贴与现成物（Readymades）： 考察马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）对“现成物”的引入如何颠覆了雕塑对“手工制作”的依赖，将作品的定义权转移到艺术家的选择和语境设定上。 环境与尺度： 分析大型户外雕塑（如大地艺术）如何与景观融为一体，探讨理查德·塞拉（Richard Serra）如何使用巨大的、氧化钢板来限定和扭曲观众在空间中的行走体验，将“空间”本身视为雕塑的介质。 动态与时间维度： 探讨动态雕塑（Kinetic Art）如何引入时间作为第四维，例如让·丁格利（Jean Tinguely）作品中对机械运动的讽刺性展示，以及亚历山大·考尔德（Alexander Calder）对平衡与偶然运动的优雅捕捉。 结语：超越固体的未来 本书最后总结了雕塑艺术对新材料（如树脂、光纤、数字打印）的持续吸收，以及虚拟现实和增强现实技术对传统三维艺术形态的挑战与机遇。雕塑艺术不再仅仅是物质的堆砌，而是对物质性、感知和空间关系进行持续不断的哲学追问。

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