New Orleans Drumming DVD pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Warner Bros. Publications Inc.,U.S.

作者:Riley, Herlin

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:232.00 元

装帧:DVD

isbn号码:9780757911934

丛书系列:

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探寻巴洛克音乐的辉煌：《维也纳宫廷音乐的黄金时代》 导言：乐音中的历史回响 当我们提及音乐史上的黄金时代，许多人的脑海中会浮现出18世纪中叶至19世纪初的维也纳。这座城市，不仅是政治和哲学的中心，更是欧洲古典音乐的心脏地带。《维也纳宫廷音乐的黄金时代》并非聚焦于新奥尔良的鼓点与节奏，而是将我们的目光引向多瑙河畔的辉煌殿堂，深入探究哈布斯堡王朝鼎盛时期，那段由海顿、莫扎特、贝多芬等巨匠共同铸就的音乐传奇。 本书旨在提供一次详尽而富有洞察力的旅程，带领读者穿越时空，回到那个充满活力与创新的时代。我们关注的焦点是宫廷赞助体系下，音乐如何从服务于贵族娱乐的工具，逐步演变为表达人类深刻情感与理性思考的艺术形式。这不是一部枯燥的学术著作，而是一部充满细节和生动描绘的文化史诗，旨在还原维也纳宫廷音乐生态的真实面貌。 第一部分：哈布斯堡王朝的音乐赞助与体制（1740-1800） 在那个君主拥有绝对权力的时代，宫廷是最高级别的艺术赞助人。本书的第一部分将细致描绘支撑起维也纳音乐黄金时代的政治和社会结构。 第一章：玛丽亚·特蕾莎与约瑟夫二世的音乐遗产 我们首先考察两位最具影响力的统治者——玛丽亚·特蕾莎（Maria Theresa）及其子约瑟夫二世（Joseph II）。玛丽亚·特蕾莎对意大利歌剧的偏爱，直接促成了维也纳歌剧院的繁荣。书中将详细分析宫廷乐师的招聘标准、薪资结构以及他们在宫廷庆典中的具体职责，例如为皇家婚礼和加冕典礼创作的特定作品。 约瑟夫二世则代表了“开明专制”的音乐理念。他对德语歌剧的推崇，以及对意大利歌剧垄断地位的挑战，直接为莫扎特的德语歌剧找到了肥沃的土壤。我们将剖析“国家剧院”的建立，以及这如何象征着艺术赞助权力的微妙转移——从纯粹的个人喜好转向对“国民文化”的构建。 第二章：宫廷与贵族的交织网络 维也纳的音乐赞助并非仅限于皇室。像利赫诺夫斯基亲王、施托伯格伯爵这样的贵族，他们既是音乐的鉴赏家，也是作曲家的重要雇主。本书将绘制一张错综复杂的赞助网络图，揭示这些贵族如何竞争性地招募人才，从而在维也纳音乐生活中形成不同的“派系”和艺术倾向。例如，对比以海顿为代表的艾斯特哈齐家族的音乐品味与年轻贝多芬所接触到的其他贵族圈子。 我们还会深入研究“室内乐团”和“宫廷乐队”的日常运作。这些小型精英团体的排练日常、曲目选择，以及它们如何在私密场合（如沙龙和私人音乐会）对音乐风格的演变产生影响。 第二部分：风格的革新与核心人物群像 维也纳的黄金时代之所以辉煌，在于它确立了古典主义音乐的基本范式，并在其基础上进行了革命性的扩展。 第三章：海顿：从宫廷乐长到“交响曲之父” 约瑟夫·海顿（Joseph Haydn）的职业生涯是理解这一转变的关键。本书将详细分析海顿在艾斯特哈齐宫廷的二十九年经历。这不仅仅是一份“打工”经历，更是他进行音乐实验的熔炉。 我们将探讨海顿如何系统性地完善了交响曲的四乐章结构，并运用“主题发展”的手法赋予音乐前所未有的逻辑性和戏剧性。特别关注他晚期在伦敦受到的影响，以及他如何将宫廷体制下的训练成果，转化为面向公众演出的宏大作品。 第四章：莫扎特：天才的戏剧性与完美的平衡 沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）的短暂一生，是维也纳音乐史上最耀眼的篇章之一。本书将聚焦于他定居维也纳后的创作爆发期，特别是他与剧作家洛伦佐·达·彭特（Lorenzo Da Ponte）合作的“三部曲”（《费加罗的婚礼》、《唐璜》、《女人心》）。 我们不会停留在旋律的美妙，而是深入解析这些歌剧如何利用音乐语言，微妙地讽刺了当时的社会等级制度。莫扎特如何将意大利正歌剧的传统与德语歌唱的深刻性融合，创造出真正具有普适人性的戏剧音乐。此外，对晚期弥撒曲和协奏曲的分析，将揭示他在和声与配器上的大胆创新。 第五章：贝多芬的黎明：从宫廷的继承者到艺术的解放者 路德维希·凡·贝多芬（Ludwig van Beethoven）的早期生涯，是古典主义向浪漫主义过渡的桥梁。本书将考察他是如何继承海顿和莫扎特的技法，尤其是在钢琴奏鸣曲和室内乐领域的探索。 不同于前两位大师，贝多芬的财政来源逐渐多元化，部分依赖于贵族资助，但更多依赖于出版和公开演出。我们将分析《海利根施塔特遗嘱》背后的创作心态转变，以及他的第三交响曲《英雄》如何标志着音乐从“为宫廷服务”到“表达个人英雄主义”的根本性飞跃。 第三部分：音乐的载体：歌剧、奏鸣曲与沙龙文化 音乐的生命力体现在其演奏和接受方式上。第三部分探讨了维也纳音乐的传播媒介及其对观众的影响。 第六章：歌剧院的硝烟：意大利与德语的较量 维也纳的歌剧院是社会和艺术竞争的前沿阵地。本书将详细比较意大利“正歌剧”（Opera Seria）和后来的“正歌剧”（Opera Buffa）的特点，以及新兴的德语“歌唱剧”（Singspiel）的兴起。我们将分析剧院管理者的商业决策、对歌手的依赖程度，以及音乐的“可消费性”在这一时期是如何被重新定义的。 第七章：钢琴的崛起与奏鸣曲的普及 钢琴取代了羽管键琴，成为维也纳家庭和沙龙的中心乐器。本书探讨了维也纳钢琴制造商（如瓦尔特、布罗德伍德）的技术进步，如何直接影响了作曲家的创作。 奏鸣曲作为一种灵活的体裁，成为检验作曲家技艺的试金石。我们将深入研究钢琴奏鸣曲的结构如何从早期的轻松愉快，逐渐演变为贝多芬晚期所展现的深刻的、近乎哲学的表达。 第八章：沙龙：非正式的权力中心 在宫廷之外，贵族和富裕市民的沙龙是音乐家交流、首演新作品以及政治敏感话题讨论的隐秘场所。本书通过对几位重要女主人（如娜苏博夫斯卡夫人）的回忆录和信件分析，重构了这些沙龙的氛围。在这里，音乐的接受标准往往比官方宫廷演出更为前卫和挑剔。 结语：古典主义的永恒遗产 《维也纳宫廷音乐的黄金时代》旨在证明，这一时期的音乐不仅是形式上的完美典范，更是社会转型期、理性主义兴起与个人主义萌芽的深刻映射。通过对体制、人物和作品的立体考察，本书揭示了为何维也纳的二十余载，能够为后世两百年的西方音乐奠定坚不可摧的基石。它提醒我们，伟大的艺术往往诞生于最稳定也最富于变革的土壤之上。

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这部关于新奥尔良鼓乐的DVD着实让我大开眼界，它远不止是简单的技巧演示。从我翻开它那天起，我就感觉自己仿佛置身于法国区的某个闷热的午后，空气中弥漫着咖啡和蔗糖的甜香，耳边是那种独特的、充满生命力的节奏轰鸣。首先吸引我的是它对“Second Line”文化的深入挖掘。它没有仅仅停留在讲解如何敲击军鼓或低音鼓，而是花了大量篇幅去解释这些节奏背后的社会意义——那些游行、葬礼游行中的情感宣泄与社区联结。我特别喜欢它对历史脉络的梳理，从非洲根源到解放后的演变，再到如今的街头艺术，每一个鼓点都仿佛承载着一段厚重的历史。影片的叙事节奏张弛有度，既有激昂的现场录像，穿插着对资深乐手的深入访谈，听他们讲述自己是如何被这种音乐“选中”并奉献一生的，那份对传统的敬畏和对即兴创造的热忱，简直具有感染力。我以前总觉得新奥尔良鼓乐就是一种吵闹的街头音乐，但看完这个DVD后，我才明白那是一种精致的、高度复杂的语言，每一个装饰音、每一次切分，都充满了深思熟虑的幽默感和严肃性。它成功地将观众从一个旁观者转化为了一个理解者，让我对这种音乐的结构和灵魂有了全新的认识。

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看完这部DVD，我感觉自己对“节奏”这个概念有了颠覆性的认识。它不再是一个被动跟随旋律的背景音，而是推动一切、赋予意义的核心力量。这部作品的叙事视角非常独特，它采用了多位年轻一代鼓手学习和致敬老一辈大师的过程为主线，这种“传承”的视角赋予了整个影片一种动人的张力。当年轻乐手们笨拙地模仿那些传奇乐手的经典段落时，我们看到了学习的艰辛，也看到了文化血脉的延续。影片的高潮部分是一场即兴的街头聚会录像，那场面简直是纯粹的音乐狂欢，每一个鼓手都在用自己的声音与他人对话、挑战彼此、最终又融为一体。我特别喜欢它在结尾处对未来音乐方向的展望，那些将传统鼓点融入现代采样和电子音乐的尝试，显示了这种古老艺术形式强大的生命力和适应性。总而言之，这不是一本教科书，这是一份邀请函，邀请你走进一个充满泥土芬芳、汗水和不朽旋律的世界。

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我必须指出，如果你只是想找一个快速学会“Funky Drummer”片段的视频，那么你可能会对这部DVD感到失望，因为它走得更远、更深。它更像是一次田野考察，而非一次速成班。影片中对“Marching Style”（行进风格）的解析占据了相当大的比重，这对很多室内鼓手来说可能是一个全新的领域。如何克服在移动中保持节奏稳定性的挑战，如何利用环境的自然回音，这些细节都被细致地分解说明。更让我惊喜的是，它没有回避技术上的难度，反而将其视为通往艺术表达的必经之路。例如，关于如何精确控制脚踏板的力度以在不同的鼓面上创造出“滚动”感，视频提供了慢动作回放和剖析图。这种对细节的执着，让我想起了那些古典音乐大师对乐谱的严谨态度。它成功地将这种看似随性、充满即兴色彩的音乐，还原成了其背后严谨的结构体系，这种反差感极大地丰富了我的理解层次。

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这份DVD的制作水准，坦率地说，达到了纪录片的级别，而不是传统的教学片。它的视觉美学非常引人入胜，大量的航拍镜头展示了节日庆典的盛况，那些色彩斑斓的服饰、热情洋溢的舞者，与鼓手们沉浸式的演奏形成了强烈的对比和完美的统一。影片的音效处理堪称教科书级别，你能清晰地分辨出军鼓（snare）的“脆响”、低音鼓（bass drum）的“沉稳”以及镲片（cymbals）的“闪烁”，每一个声音元素都得到了充分的尊重和清晰的呈现。我个人对它选取了几位已经年迈的“活化石”级鼓手的访谈片段印象深刻。他们谈论音乐的方式，更像是在谈论生活哲学——关于耐心、关于倾听、关于如何在集体中找到自我位置的智慧。这让我意识到，新奥尔良鼓乐的奥秘不在于快速学会几个花样，而在于将自己融入一个持续不断的文化洪流之中。它传达的信息是：音乐是一种生活方式，一种传承方式，而鼓，是这个生活方式最直接的心跳。

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我得承认，我抱着极大的怀疑态度开始观看这个DVD的，毕竟市面上充斥着太多故弄玄虚、内容空泛的教学视频。然而，这部作品的表现远远超出了我的预期，它在技术层面和哲学层面都达到了极高的水准。影片对不同鼓手的演奏风格进行了细致的剖析，比如强调了那种“松弛而有力”的手感，而不是一味追求速度和力度。其中关于“Groove Construction”（律动构建）的部分尤其令人拍案叫绝。它没有使用复杂的数学公式来解释节奏，而是通过大量的实例演示，展示了如何通过微小的动态变化和间隙的利用，创造出那种令人不由自主地想要摇摆起来的魔力。我特别欣赏它对“Call and Response”（呼应）机制的解析，这不仅仅是鼓手之间的互动，更是音乐家与听众之间的对话。视频的剪辑非常专业，多角度的特写镜头，让观众可以清晰地捕捉到指尖在鼓皮上的每一次微妙触碰。对于那些想真正掌握新奥尔良节奏精髓的严肃乐手来说，这绝对是一份无可替代的参考资料，它要求你不仅要“听”节奏，更要“感受”和“呼吸”节奏。

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