具体描述
Speaking of Dance tells the story of how choreographers make their dances in their own words. The author has interviewed twelve distinguished and innovative American choreographers and presents in-depth conversations that focus specifically on the art of dance. The interviewees include Merce Cunningham, Meredith Monk, Bill T. Jones, Mark Morris, and Trisha Brown. The questions bring to light these masters' sources, motivations, and processes; their emotional vicissitudes; and their practical concerns in making dances. Taken cumulatively, their commentaries expose historical trends, yet their individual creative perspectives reveal a striking variety of concerns.
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读后感
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用户评价
说实话，这本书的叙事节奏处理得相当大胆，甚至可以说有些桀骜不驯。它并非线性的历史编年史，更像是一系列围绕“身体作为叙事媒介”展开的、高度风格化的论文集合。我尤其欣赏作者在探讨现代舞发展时，对具体作品的“解构”手法。她挑选了三部具有里程碑意义的现代舞作品——不是那些最广为人知的大路货，而是那些在舞蹈史的边缘地带却具有革命性意义的“异端”之作——然后从编舞家的个人传记、当时的社会政治背景以及音乐选择的意图这三个维度，进行多重曝光式的分析。这种多维度交叉审视，使得原本晦涩难懂的先锋理念变得清晰可辨，像是在通过一台高倍显微镜观察细胞结构。我感觉自己像个艺术考古学家，在作者的引导下，拨开了覆盖在那些历史遗迹上的尘土。对于那些对舞蹈史有一定了解，但渴望看到更尖锐、更具批判性视角的读者来说，这本书提供的思维工具是无价的。它挑战了许多既定的“神圣化”的叙事，迫使读者重新思考什么是“创新”。
评分这本书简直是为那些对古典芭蕾的深层美学和技术细节抱有近乎痴迷态度的读者准备的。我花了整整一个周末沉浸其中，那种感觉就像是拿到了一把精密的钥匙，瞬间解锁了舞台幕布后那些看似毫不费力的动作背后蕴含的千年积淀和严格训练。作者并没有停留在对舞者优雅身姿的肤浅赞美上，而是深入剖析了不同流派在“转”（turn）和“跳”（jump）这两种核心元素上的哲学差异。比如，她对法式体系中对“垂直感”的极端追求与俄式瓦岗诺娃体系中对“饱满度”的强调进行了细致入微的对比，这种对比绝不是简单的罗列，而是通过引用了多位传奇艺术家的访谈片段，让历史和理论活了起来。读到关于如何通过呼吸来控制舞者在空中停留时间的那个章节时，我几乎能想象到舞台上定格的那一瞬间，那种对物理定律的优雅反抗。对于任何想要真正理解“什么是好的古典芭蕾”而不是仅仅“欣赏”的人来说，这本书提供了一个无可替代的学术深度和实操洞察力。它要求读者有一定的基础知识，但回报是巨大的。
评分这本书的叙事风格极富个性，带有强烈的个人色彩，读起来就像是在听一位资深的前辈，在昏暗的排练室里，伴随着老旧的唱片机发出的沙沙声，向你倾诉她对这个行业几十年的观察与心声。它充满了对“舞台幻觉”的解构，不仅仅是对光影和布景的讨论，更是对舞者在公众面前必须维持的那种“永恒的完美”状态的辛辣讽刺。作者以一种近乎自嘲的口吻，描述了在膝盖严重磨损后，如何学会在不被观众察觉的情况下调整自己的发力点，以维持作品的完整性。这种坦诚是非常罕见的，它打破了艺术的“去人性化”的滤镜。读完后，我对舞台上光鲜亮丽的艺术家们多了一份深深的敬意，那不仅仅是对艺术的奉献，更是对身体极限的残酷搏斗。这本书更像是一份私密的日记，而非冰冷的教科书，它让你真切地感受到，伟大艺术的背后是多么巨大的个体牺牲和永无止境的自我修正。
评分我带着一种略微挑剔的心态开始阅读，因为我对舞蹈评论界中常见的那种过于抒情、缺乏实证的笔调感到厌倦。令人惊喜的是，这本书在平衡艺术感知与人类学观察方面做得非常出色。它将目光从传统的欧美剧场中心移开，将重点放在了全球范围内的身体实践上，特别是那些植根于特定仪式和社区生活的身体语言。其中一篇关于东南亚某个偏远部落的“狩猎舞”如何映射了其社会等级制度的章节，让我深受震撼。作者的田野调查方法论非常严谨，她没有把自己定位为一个高高在上的观察者，而是深入参与了当地的庆典，记录了那些在日常生活中几乎被忽略的微小动作：一次眼神的交汇，一次身体重心的瞬间转移，这些都被赋予了文化密码的意义。这本书的价值在于它拓宽了“舞蹈”的定义边界，提醒我们，任何有组织的身体运动背后，都承载着深厚的文化意义和生存智慧。它要求我们以更谦逊和更具包容性的视角去看待世界的身体表达。
评分这本书的排版和视觉呈现简直是一场灾难，这让我非常困惑，因为其内容的学术价值和深度显然是顶级的。大量的文字论述，尤其是在讨论后结构主义思潮对后现代舞蹈影响的那几章，已经够让人需要高度集中注意力了，结果印刷质量和页边距的设计却显得极其拥挤和仓促。我不得不反复使用手指辅助定位，才能跟上作者跳跃性的思路。尽管如此，其中的案例研究——特别是关于即兴创作（Improvisation）在当代剧场中如何从一种练习手段转变为一种成熟的表演形式的分析——极其精彩。作者没有满足于描述即兴的随机性，而是深入挖掘了潜意识的触发机制和群体动力学如何在一个开放的框架内产生“结构性的涌现”。这种对“不受控中的控制”的探讨，是我在其他舞蹈理论著作中从未见过的精妙阐述。这本书的物理形态可能令人沮丧，但其思想的闪光点足以让你忍受这些印刷上的瑕疵。
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