The American Musical Theatre Song Encyclopedia pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Hischak, Thomas S.

出品人:

页数:566

译者:FWD>Bordman, Gerald

出版时间:1995-5

价格:$ 141.25

装帧:

isbn号码:9780313294075

丛书系列:

图书标签:

• Musical Theatre
• American Musical Theatre
• Songbook
• Reference
• Music
• Broadway
• History
• Performing Arts
• Theatre
• Popular Music

好的，这是一本关于美国音乐剧歌曲的百科全书的简介，但其中描述的内容不包含《The American Musical Theatre Song Encyclopedia》本身的内容。 --- 《时代之声：一部跨越百年的美国音乐剧发展史》 一部详尽记录美国音乐剧从发轫到黄金时代再到现代转型的深度研究 本书旨在为戏剧爱好者、音乐史学家以及舞台表演艺术家提供一部全面、深入且富有洞察力的著作，聚焦于美国音乐剧自19世纪末的早期形式，到20世纪中叶的黄金时代，再到当代多元化发展的整个宏伟历程。我们不着眼于对既有作品的曲目罗列与信息汇总，而是着重分析驱动这些艺术形式演变的社会文化背景、创作理念的迭代，以及音乐语言和叙事手法的革新。 第一部分：起源与奠基（1890s - 1920s）：从滑稽剧到叙事音乐的萌芽 本卷首先探讨了美国音乐剧在巴勒特（Burlesque）、歌舞杂耍（Vaudeville）以及轻歌剧（Operetta）的混合体中艰难诞生的历史。重点分析了这一时期在布鲁德韦（Broadway）早期形成的“甜心喜剧”（Sweetheart Comedies）模式的特点——即以轻松愉快的爱情故事为主线，音乐往往是插科打诨式的点缀，而非推动情节发展的核心动力。 我们将深入剖析弗雷德·罗杰斯（Fred Rogers）和伊万·林德霍姆（Ivan Lindholm）等早期编剧家如何开始尝试将歌曲与情节更紧密地结合，探讨了诸如《奥克拉荷马！》问世前夜的叙事困境。特别关注非裔美国人音乐剧在这一时期的独特贡献，如克莱·史密斯（Clay Smith）和詹姆斯·彭德尔顿（James Pendleton）的作品如何突破种族界限，虽然受到限制，却孕育了早期爵士乐和布鲁斯在舞台上的融合。书中详细论证了1910年代“大秀”（Revue）的兴盛及其对现代音乐剧结构松散性的影响。 第二部分：黄金时代的结构化与情感深化（1930s - 1950s）：叙事驱动力的确立 本部分是全书的重心之一，探讨了“叙事驱动音乐剧”（Book Musical）如何确立其在百老汇的主导地位。我们聚焦于奥斯卡·汉默斯坦二世与理查德·罗杰斯这一黄金组合之外的并行探索者。 A. 突破与转型： 分析了乔治·格什温（George Gershwin）在《谁敢说爱？》（Of Thee I Sing）中对政治讽刺的运用，以及科尔·波特（Cole Porter）如何通过其机智、尖刻的歌词，挑战传统道德观，同时保持音乐的优雅性。我们探讨了1943年《俄克拉荷马！》问世并非终点，而是起点，关注了内部逻辑的统一性成为衡量一部作品艺术价值的关键标准。 B. 戏剧张力与角色发展： 详细考察了伯恩斯坦（Leonard Bernstein）和斯蒂芬·桑德海姆（Stephen Sondheim）早期的合作尝试，特别是他们如何利用复杂的对位法和多声部写作来描绘角色内心的冲突与社会群体的张力。书中通过对几部关键作品的乐谱分析（不涉及具体歌名），揭示了作曲家如何运用调性中心的变化来象征人物心理的重大转变，而非仅仅依赖抒情段落的起伏。例如，探讨了如何通过主导动机的变形来预示关键角色的命运，而非仅仅依赖歌词的直接叙述。 C. 舞美与叙事的共生关系： 本章阐述了舞蹈作为纯粹的叙事工具（而非歌舞插曲）是如何被整合的。重点分析了杰罗姆·罗宾斯（Jerome Robbins）对肢体语言的精妙编排，如何使“无声的歌唱”成为推动剧情的关键要素。 第三部分：现代主义的冲击与概念剧的诞生（1960s - 1970s）：美学边界的拓展 随着二战后社会结构的剧烈变动，音乐剧开始偏离传统的“向上流动的”乐观主义叙事。本部分聚焦于对传统结构和主题的颠覆。 A. 概念音乐剧的兴起： 深入分析了“概念剧”（Concept Musical）这一新形态的诞生，它将中心议题或哲学思辨置于传统情节之上。我们侧重于探讨作曲家和词作者如何运用非线性叙事结构和重复性的音乐母题来构建一个思想框架，而不是遵循简单的A-B-A叙事弧线。书中对这一时期作品中出现的反英雄角色和道德模糊性进行了细致的剖析，探究了这些作品如何反映了越战和民权运动背景下的社会焦虑。 B. 摇滚与电子元素的渗透： 考察了音乐风格的激进变化，特别是摇滚乐、前卫摇滚（Progressive Rock）和电子乐如何被引入舞台，以及剧作家如何应对这些新声音带来的表达上的挑战。重点分析了如何平衡高能量的音乐表达与传统音乐剧对清晰歌词的要求，以及这些融合对观众听觉习惯的长期影响。 第四部分：全球化与多元文化的舞台（1980s 至今）：媒介融合与后现代反思 本书的收官部分审视了当代音乐剧的复杂图景，其特点是风格的极端多样化、媒介技术的深度融合以及对历史的自觉性“引用”。 A. 跨媒介的影响力： 探讨了电影、电视和录音技术如何改变了音乐剧的创作和传播方式，使得“舞台专辑”（Cast Recording）本身成为一种独立的艺术产品，影响了现场创作的侧重点。分析了诸如“摇滚歌剧”（Rock Opera）的持续演进及其在全球范围内的传播效应。 B. 音乐的后现代转向： 关注后桑德海姆一代的创作者如何进行自我解构和挪用。本书探讨了当代作品在叙事视角的碎片化处理、对“大都会式浪漫”的审视，以及对身份政治和边缘群体的关注。重点分析了当代作品如何通过对早期经典作品的戏仿或致敬，来完成对音乐剧历史的反思性对话。 C. 声音设计的革命： 总结了音频工程和声学设计在当代制作中的核心地位，探讨了数字混音技术如何允许声音设计师在舞台上创造出前所未有的声场深度和音乐层次，从而极大地拓宽了音乐剧的声音景观。 《时代之声》不仅仅是对过去剧作的汇编，更是一部探究美国精神如何通过舞台音乐得以具象化和不断重塑的文化编年史。它为理解音乐剧这一独特艺术形式的内在驱动力、美学演变及其对西方戏剧传统产生的深远影响，提供了坚实的理论基础。

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最后，我想谈谈阅读这本书带给我的**情感冲击和个人启发**。这本书成功地将冰冷的音乐知识与热腾腾的舞台情感连接起来。通过作者对不同时代音乐剧“核心冲突”的提炼，我不再是单纯地欣赏一个优美的旋律，而是能深入理解那个角色在那个特定时刻所承受的巨大情感压力，以及音乐是如何充当他们内心独白的媒介。它让我重新去聆听那些熟悉的曲目，每一次聆听都变得更加丰富和立体。它让我意识到，美国音乐剧的魅力，恰恰在于它敢于直面美国社会在不同阶段所经历的身份认同、文化融合与个人奋斗的主题，并将这一切浓缩在三分钟的歌曲之中。这本书教会了我如何以一种更具批判性、更富同理心的眼光，去拥抱和欣赏这门伟大的艺术形式。

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从**排版和实用性**的角度来看，这本书的设计感和用户体验也值得称赞。它没有堆砌枯燥的文字，而是巧妙地穿插了大量珍贵的历史照片、剧照以及，最关键的，乐谱摘录。这些视觉元素不是简单的装饰，它们是文本的延伸和佐证。例如，当讨论某个特定歌唱技巧的发展时，书中会配上当时歌唱家的肖像，让你能将声音的想象与形象联系起来。此外，书中的索引系统设计得非常人性化，查找特定歌曲、作曲家、剧目或者特定的音乐术语都极为便捷，这对于需要快速查阅资料的研究者或学生来说，简直是福音。总而言之，它不仅仅是一本“读物”，更是一套“参考工具书”，可以随时翻阅，总能从中发现新的知识点。

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这本书最让我惊喜的是它对**“歌曲结构与音乐语言”的细致剖析**。它不仅仅停留在“这首歌很美”或者“旋律很抓耳”的层面，而是真正进入到乐理的层面进行解读。它用通俗易懂的语言解释了“转型段”（Transition）在驱动剧情中的作用，解析了“主导动机”（Leitmotif）是如何在不言自明的情况下暗示角色内心世界的变化。比如，书中对某几首特定歌曲的和声进行了解构，展示了作曲家如何利用不协和音来表达角色的焦虑或冲突，这对于想要进行音乐分析或者有志于音乐创作的人来说，简直是教科书级别的指导。我特别喜欢它将“曲式”（Form）分析和“戏剧功能”（Dramatic Function）结合起来的写法，让你在欣赏旋律的同时，也能理解它在故事中承担的精密责任。这种兼顾艺术性和技术性的讲解方式，极大地提升了阅读体验的层次感。

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作为一名资深的音乐剧爱好者，我关注的焦点往往在于那些**“被低估的杰作与幕后人物”**。这本书在这方面做得非常出色，它没有将所有笔墨都集中在那些家喻户晓的“热门金曲”上。相反，它花了大篇幅去重访那些在商业上可能不太成功，但在艺术成就上具有里程碑意义的作品。更难能可贵的是，它深入挖掘了那些通常被光芒掩盖的幕后英雄——作词家（Lyricists）的贡献。它清晰地阐述了作词家如何在高难度的韵律和格律限制下，用最精炼的语言捕捉角色的全部心境。我感觉，通过这本书，我重新认识了许多“二线”的作曲家和编剧，他们的作品摆脱了历史的偏见，重新回到了聚光灯下，让我对这个艺术领域的广阔性有了全新的认识。这种对“全景图”的追求，体现了作者极高的学术热情和人文关怀。

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哇，我最近翻阅了一本关于美国音乐剧歌曲的百科全书，里面的内容简直是宝库！首先，让我来聊聊这本书在**历史深度和跨度**上的表现。这本书可不是简单罗列歌曲名和作者那么肤浅。它深入挖掘了从美式轻歌剧（Operetta）到现代百老汇音乐剧的演变脉络。每一章节都像是一次精妙的策展，将特定历史时期的社会背景、技术革新（比如音响和舞台设计的进步）与音乐风格的转变紧密结合起来。比如，它详尽分析了格什温（Gershwin）如何将爵士乐元素融入传统音乐剧结构，以及罗杰斯与汉默斯坦（Rodgers and Hammerstein）如何彻底革新了“歌舞叙事一体化”的概念。读完相关部分，你会清晰地看到，每首经典歌曲的诞生都不是孤立的事件，而是时代精神、技术限制与作曲家个人才华碰撞出的火花。对于想要了解音乐剧从娱乐小品发展成为严肃艺术形式的读者来说，这种宏大叙事提供的知识框架是无价的。

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