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出版者:

作者:Martin, Jacqueline/ Sauter, Willmar/ Fischer-Lichte/ Holmstrom, Kirsten Gram/ Pavis, Patrice/ Schuma

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:59.5

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isbn号码:9789122016793

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• 戏剧
• 舞台艺术
• 表演
• 戏剧史
• 戏剧理论
• 戏剧分析
• 戏剧文学
• 艺术
• 文化
• 表演艺术

好的，这是一本关于戏剧艺术的综合性著作的详细介绍，其内容涵盖了戏剧理论的起源、发展、核心概念，以及不同历史时期和地域的戏剧实践。 --- 《舞台的脉络：从古希腊到当代剧场的演进与反思》 导言：探寻剧场永恒的魅力 剧场，作为人类文明最古老也最持久的艺术形式之一，始终是社会、文化和精神思想交汇的熔炉。它不仅是故事的容器，更是对人类生存状态、道德困境和社会结构进行深刻审视的场域。《舞台的脉络》旨在构建一部全面而深入的剧场史和理论指南，带领读者穿越时空的迷雾，考察戏剧从其萌芽之初到现今多元面貌的完整发展轨迹。本书不局限于文本的分析，而是聚焦于剧场作为一种现场性事件的本质，探讨表演者、观众与空间之间的复杂张力，以及技术革新如何持续地重塑着我们的观看体验。 第一部分：剧场的起源与古典根基 (The Classical Foundations) 本部分追溯戏剧的源头，深入剖析西方戏剧的奠基石——古希腊悲剧与喜剧的结构、仪式性功能及其哲学内涵。 第一章：酒神与日神的对话：希腊戏剧的仪式起源 我们将详细考察狄俄尼索斯崇拜与城市国家（Polis）的政治议程如何共同孕育了悲剧的诞生。重点分析埃斯库罗斯、索福克勒斯和欧里庇得斯的作品，解析“命运”、“自由意志”与“天谴”等核心主题。同时，也将探讨合唱团（Chorus）在叙事、评论和连接观众与角色之间的关键作用。喜剧部分将侧重阿里斯托芬的政治讽刺及其社会批判功能。 第二章：从舞台到竞技场：罗马戏剧的过渡与衰落 罗马时期戏剧的商业化和娱乐化倾向是本章的重点。分析普劳图斯和泰伦斯如何改编希腊喜剧，以及塞内卡悲剧对后世（尤其是文艺复兴时期）的影响。我们将探讨剧场建筑的演变——从露天剧场到半圆形竞技场，以及其对表演风格的潜在影响。 第三章：中世纪的回响：信仰、道德与世俗的张力 当古典传统沉寂后，戏剧如何在基督教的框架下重生？本章将分析神秘剧（Mystery Plays）、道德剧（Morality Plays）和间隙剧（Interludes）的结构、教化目的及其在城市广场和教堂间的流动性。这些早期的“大众媒体”如何服务于宗教教义的普及，并初步奠定了西方戏剧的道德辩论基础。 第二部分：文艺复兴的爆发与现代性的酝酿 (The Renaissance Bloom and the Dawn of Modernity) 本部分聚焦于剧场艺术在欧洲主要文化中心的一次伟大复兴，重点探讨其对人性、国家权力以及戏剧美学的重塑。 第四章：伊丽莎白时代的剧场革命：莎士比亚的宇宙 本章将深入剖析英国文艺复兴剧场的独特性：露天剧场的商业运作模式、对“诗意语言”的极致运用，以及对人类心理复杂性的前所未有的探索。不仅仅是分析莎士比亚、马洛等人的剧作，更重要的是考察“戏仿”（Revenge Tragedy）、“舞台奇观”的运用，以及剧团作为职业组织的结构。 第五章：欧洲大陆的古典主义规范与巴洛克的华丽 我们将对比法国古典主义（高乃依、拉辛、莫里哀）对亚里士多德诗学规则的严格遵循，以及西班牙黄金时代（如洛佩·德·维加）的自由奔放。巴洛克时期，舞台技术（如布景、机械装置）的飞速发展，开始将“幻觉”置于戏剧体验的核心。 第六章：启蒙运动的理性之光与十八世纪的社会剧 随着启蒙思想的兴起，戏剧开始承担起教育公民的责任。本章关注“中产阶级戏剧”的兴起，探讨狄德罗等人对“真诚性”（Sincerity）和道德说教的追求，以及喜剧领域内对社会习俗的尖锐批判。 第三部分：现代戏剧的诞生与美学断裂 (The Birth of Modern Theatre and Aesthetic Ruptures) 十九世纪末至二十世纪初，工业革命、心理学和社会学理论的冲击，引发了戏剧艺术对既有现实主义范式的彻底反叛。 第七章：挑战镜子的力量：现实主义与自然主义的兴起 探讨易卜生、斯特林堡和契诃夫如何运用新的舞台语言来揭示家庭内部的病态、社会阶层的压抑以及潜意识的流动。重点分析“第四堵墙”的建立及其对观众参与感的深刻影响，以及梅耶荷德、斯坦尼斯拉夫斯基等人的早期导演实践。 第八章：对现实的解构：象征主义、表现主义与未来主义的激进 面对世界大战前夕的焦虑，艺术家们转向了非理性、内在经验和对感官的直接冲击。本章将详细考察象征主义的“暗示”美学、德国表现主义对“异化”的控诉，以及未来主义对速度、机器和暴力美学的狂热追求。 第九章：布莱希特的史诗剧场与观点的介入 本部分着重分析二十世纪最重要的戏剧理论家之一——贝托尔特·布莱希特。我们将深入剖析“陌生化效应”（Verfremdungseffekt, V-Effekt）的理论基础、史诗剧的叙事结构，以及如何通过“教化剧”将剧场从单纯的娱乐场所转变为政治教育和意识形态批判的平台。 第四部分：后现代的碎片化与全球剧场的交融 (Postmodern Fragmentation and Global Currents) 本部分关注二战后至今，剧场面对媒介爆炸和全球化带来的挑战，如何不断地重塑其边界和存在形式。 第十章：荒谬的剧场：存在主义与存在的焦虑 探讨贝克特、尤内斯库等“荒谬派”剧作家如何通过语言的失效、重复的动作和空洞的场景，来表达人类在失重世界中的存在困境。分析“等待戈多”等作品如何彻底颠覆传统戏剧的因果逻辑。 第十一章：身体、空间与仪式：前卫、行为艺术与后戏剧剧场 本章转向非文本中心的表演实践。我们会考察格洛托夫斯基（贫乏剧场）、巴萨（身体剧场）以及后戏剧剧场（如勒科克的默剧）对演员身体潜能的挖掘。重点分析“空间剧场”和“环境剧场”如何打破观众与表演的传统界限。 第十二章：跨文化视野与数字时代的剧场 最后，本章将探讨全球化语境下，非西方戏剧传统（如日本能剧、印度卡塔卡利舞剧）对西方舞台实践的启发。同时，也将审视数字技术（投影、互动媒体、虚拟现实）如何被整合进当代剧场，引发了关于“现场性”和“真实性”的深刻哲学辩论。 结语：剧场作为一种持续的提问 《舞台的脉络》总结了剧场艺术作为一种社会反思工具的韧性。它不是一部终结性的断言，而是一张邀请函，邀请读者在历史的深度和理论的广度中，重新思考：在日益虚拟化的世界里，我们为何依然需要一个聚集在一起，共同观看他人“在场”的时刻？ 剧场，永远在提问，永远在场。

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初翻阅目录时，我几乎被其广阔的议题范围所震撼，它似乎没有预设任何固定的戏剧流派边界，而是采取了一种近乎人类学考察的姿态，去解构“舞台”这个概念的本质。我注意到其中有一章专门讨论了非西方传统剧场的空间叙事，比如日本能剧中的“幽玄”概念如何渗透到舞台调度之中，以及印度卡塔卡利舞剧中手势与情绪的精确对应关系，这些内容对我这个习惯了欧陆戏剧传统的读者来说，无疑是一次颠覆性的体验。作者的分析方法极其灵活，他并非简单地罗列事实，而是擅长在看似不相关的文化现象之间建立起微妙的联系，例如，他将中世纪教堂的结构功能与现代剧院的“黑箱”概念进行对比，探讨了光线和观众距离如何重塑了叙事权力。这种跨文化的视野，让这本书的理论框架充满了张力与活力，远超出一本标准教科书的范畴，它更像是一部宏大的戏剧人类史诗。

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这本书的学术贡献度体现在它对“理论的工具箱”的构建上，它不拘泥于某一特定流派的术语，而是试图整合跨学科的研究方法。例如，在分析后戏剧时代剧场时，作者大量引用了符号学和接受美学的概念，将观众的解读过程视为与文本创作同等重要的环节。更让我惊喜的是，书中穿插了大量对著名导演排练过程的案例研究，这些描述细致入微，简直就像是一手田野调查的记录，展现了从抽象概念到具体舞台实践的艰难转化。我特别喜欢其中关于“排练作为一种创造性破坏”的论述，它揭示了导演如何通过不断地否定既有意义来挖掘文本更深层的潜能。这些具体的、充满张力的案例，极大地丰富了书本的血肉，使得枯燥的理论讨论变得鲜活起来，仿佛能闻到排练室里汗水和松节油的味道。

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我发现这本书在论述一些核心的理论概念时，其深度和思辨性达到了一个极高的水准，特别是关于“在场性”的探讨。作者并没有满足于简单的定义，而是引入了大量的哲学和现象学视角，深入剖析了演员与观众之间那种难以言喻的、转瞬即逝的能量交换。他引用了多位存在主义哲学家关于“被观看”的体验，阐述了剧场如何成为一个高度集中的“时间容器”。我花了好一番功夫去理解其中关于“临在”（Presence）的辩证法，作者巧妙地利用了对不同时代剧场技术变迁的观察——从早期的火把照明到现代的数字投影——来论证技术手段对“真实”体验的侵蚀与强化。这种层层递进的论证方式，要求读者必须慢下来，反复咀嚼每一个句子，这本书无疑是对那种浮光掠影式阅读习惯的有力挑战，它迫使你进入一种近乎冥想的状态才能真正把握其精髓。

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这本书的装帧设计实在太引人注目了，封面那种深沉的墨绿色调，配上烫金的字体，拿在手里就感觉沉甸甸的，仿佛握着一部跨越时空的艺术珍品。我特意在阳光下细细品味了扉页上的那段引言，作者的笔触极其精炼，寥寥数语便勾勒出了戏剧作为人类集体记忆载体的宏大图景。我尤其欣赏它在排版上的考究，字体选择了一种复古的衬线体，阅读起来既有古典的韵味，又丝毫没有晦涩感，大量的留白处理，让每一个章节的标题都显得格外有力。内页的纸张质感也是上乘，触感温润，翻页时发出的轻微摩擦声，本身就像是一种对阅读行为的仪式感加持。整体来看，这本书在视觉上传达出一种对“剧场”这一概念的深深敬意，它不仅仅是一本理论读物，更像是一件值得收藏的工艺品，每一个细节都透露出出版方对艺术的尊重与匠心，让人迫不及待想要探究其中蕴含的知识宝藏。

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如果要用一个词来概括这本书给我的整体感受，那就是“视野的拓展”。它彻底打破了我对“戏剧”可能性的固有认知。阅读完关于“非人类表演者”那一章后，我开始重新审视那些被我们视为背景或道具的元素——比如舞台上的布景、灯光设计本身，作者大胆地赋予它们主体性和能动性，探讨它们如何反过来“表演”给观众。这种极具颠覆性的视角，让人在合上书本后，走入任何一个剧院，都会带着一种全新的、近乎审视的眼光去观察那里发生的一切。它成功地将戏剧从一个单纯的文学或表演艺术领域，提升到了一个关于存在、感知和空间政治学的复杂讨论平台。这本书的价值不在于提供标准答案，而在于它提供了一套全新的、强健的“提问框架”，让读者对舞台艺术的理解进入了一个更深、更具批判性的维度。

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