具体描述
Following the first volume, this second book provides the plots of a further 124 operas. Each composer featured is the subject of a short biographical sketch, with details of the opera's first performances, the librettists and the cast, and a detailed summary of the plot. Opera-goers are guided through the performance, and the principal arias and choruses are indicated where they occur in the story. The operas in this volume include: Monteverdi's "Il Ritorno d'Ulisse in Patria", Lully's "Atys", Gluck's "Alceste" and Rossini's "William Tell", with contemporary works such as Philip Glass's "The Voyage".
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用户评价
这本书的书脊上印着“都市的咏叹调”，光是这个名字就带着一股华丽的、近乎炫目的气息，让人不禁联想到镀金的包厢、璀璨的水晶吊灯，以及那些在聚光灯下燃烧生命的歌剧巨星。我带着一种朝圣般的心情翻开了它，期待着能沉浸在那个被精致的艺术和无尽的戏剧性所笼罩的世界里。首先映入眼帘的，是一系列关于十九世纪末欧洲歌剧院建设的详尽描述。作者似乎对建筑美学有着一种近乎偏执的热爱，笔触细腻地勾勒出每一根廊柱的纹理，每一块天鹅绒幕布的厚重感，甚至连通风系统的设计都被赋予了某种历史的重量。我仿佛能闻到空气中弥漫着的旧木材、汗水和廉价香水的复杂混合气味。然而，这些关于物理空间的描绘，尽管详实到令人赞叹，却总像是在舞台的侧面徘徊，迟迟不肯揭开幕布，让我这个渴望听到高亢咏叹调的听众略感焦躁。它更像是一本关于“歌剧院如何成为一个场所”的编年史，而非聚焦于舞台上那些激动人心的瞬间。对于那些醉心于舞台背后的权力斗争、艺术家们脆弱的内心世界，或者仅仅是想知道某部著名歌剧是如何首演的读者来说，这本书提供的可能是过多的建筑图纸和过少的幕后耳语。我希望看到的，是那些震慑人心的最高音是如何冲破人类声带的极限，而不是有多少吨大理石被用于铺设门厅的地板。
评分这本厚重的文集，与其说是一部统一的著作，不如说是一系列风格迥异、主题松散的短篇论文集。每一章节似乎都由不同的学者执笔，其对同一主题的阐述方式简直天差地别。有时，你会读到一段文笔优美、充满浪漫主义色彩的散文，描绘了某位女高音在舞台上的光辉瞬间，那段文字简直可以用“如泣如诉”来形容，让你恨不得立刻冲进剧院。但紧接着，下一章的风格会骤然转向晦涩的后结构主义理论，用一连串的专业术语和复杂的哲学隐喻来分析“角色身份的解构与再建构”，读完后常常需要查阅好几本哲学词典才能勉强理解作者的论点。这种极端的文体跳跃性，使得阅读体验如同在崎岖的山路上驾驶，时不时会因为前方路况的突然变化而感到措手不及。我理解，多元化的观点是学术研究的优势，但对于一个寻求连贯体验的普通读者而言，这种割裂感让人难以建立起对全书的整体印象。它更像是一本大学课堂的精选阅读材料汇编，而非一本旨在向大众普及和赞美歌剧的入门读物。
评分这本书的叙事风格极其疏离，仿佛一位冷眼旁观的社会学家，而非一位热情的艺术爱好者。它采取了一种宏观的、近乎统计学的方法来审视一个世纪以来歌剧艺术在特定地理环境中的演变。大量的图表、数据分析和引用脚注充斥其间，详尽地列举了特定时期内上演剧目的商业成功率、观众群体的收入分布，以及不同声部歌唱家薪资的波动曲线。我花了很大的力气去解读那些复杂的百分比和时间序列图，试图从中发掘出某种必然性的艺术规律。例如，书中有一章专门分析了“次级市场对高雅艺术消费的影响”，通过对比五十年代和八十年代的票务数据，试图论证大众文化的兴起如何不可避免地稀释了歌剧的“精英性”。这种解构式的分析无疑具有学术价值，它提供了一个全新的、去情感化的视角去理解一个曾经充满激情的艺术形式。然而，当我合上书页时，我脑中残留的不是美妙的旋律，而是一组组冰冷的数字，像是在一份年度财务报告上签名。我阅读艺术作品，是希望被感动，被带入一种超越日常的境遇，而不是被要求像一个审计师一样去量化艺术的价值。这本书提供了一个透彻的“是什么”，却几乎回避了“为什么”和“感觉如何”。
评分我拿这本书时，原本期待的是一段关于“声音的魔力”的旅程，然而，我得到的却是一部关于“权力与赞助人”的社会史。书中对于艺术创作本身的讨论，大多停留在表层，更多篇幅被用来解析歌剧院如何依赖于少数几个富有的家族或政治实体生存。作者仿佛是一位专业的“赞助史学家”，一丝不苟地梳理了每一笔重要的捐赠、每一位关键的幕后操盘手及其背后的政治联姻。我们了解到，某位公爵的投资如何直接导致了某位作曲家的风格转变，或者某次外交访问如何促成了某部特定剧目的上演。这种对金钱流向和政治角力的深度挖掘，揭示了艺术殿堂光鲜外表下的现实基础，无疑是具有冲击力的。然而，这种过于功利化的解读，不可避免地稀释了歌剧作为一种纯粹艺术形式的吸引力。读到最后，我感觉自己仿佛不是在欣赏一门艺术，而是在阅读一份关于十九世纪贵族阶层如何通过文化投资来巩固其社会地位的内部备忘录。它教会了我艺术是如何被“操纵”和“资助”的，但却很少告诉我，它为何值得我们如此热忱地去歌颂和聆听。
评分这本书的视角似乎完全集中在“幕布拉开之前”的那个永恒的、充满焦虑的准备阶段。它详尽地记录了导演、舞美设计师、服装师和指挥家们在首演前夜的各种会议、争吵、灵感迸发和濒临崩溃的瞬间。作者似乎对舞台上的辉煌艺术本身兴趣缺缺，反而对那些确保演出得以进行的后勤和心理战役情有独钟。我们读到了如何为了一件道具的精确颜色而与供应方进行长达数周的拉锯战，听到了指挥家因为乐团某段和弦处理不当而砸碎指挥台的故事，甚至详细描述了主演因压力过大导致的饮食失调。这种对“过程”的痴迷，使得最终呈现出的艺术作品——那些被无数人力和心血浇灌出的动人旋律——反而被置于次要地位。读完整本书，我清楚地知道了《茶花女》中某个场景的布景是如何从原先的希腊柱式改为巴洛克风格，也知道了某位男中音的假发是如何在第二幕换装时险些掉落，但我却很少被提醒，这一切挣扎的最终目标是为了呈现那段令人心碎的咏叹调。这是一种极端的“聚焦于流程而非结果”的叙事倾向。
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