INTRODUCTION TO JAZZ ONLINE 2nd Edition (BOOK ONLY/NO CDs) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Donald D. Megill; David W. megill; Paul O.W. Tanner

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2005

价格:0

装帧:Ring-bound

isbn号码:9780757510274

丛书系列:

图书标签:

• Jazz
• Music Theory
• Music History
• Online Learning
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• Education
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爵士乐入门在线版 第二版（仅含书本/不含光盘） 深入探索爵士乐的灵魂与历史 《爵士乐入门在线版 第二版》（仅含书本/不含光盘）是一本为音乐爱好者、初学者以及希望系统性提升爵士乐素养的个体精心打造的权威教材。本书旨在以一种清晰、引人入胜的方式，引导读者穿越爵士乐百年发展的波澜壮阔的历史长河，深入理解其复杂的音乐结构、丰富的文化内涵和不朽的艺术魅力。 本教材摒弃了繁复枯燥的学术术语堆砌，转而采用一种更具可操作性和启发性的教学方法。它不仅是一本历史叙事作品，更是一份详尽的音乐词典和演奏指南的结合体，旨在让读者不仅“知道”爵士乐是什么，更能“听懂”爵士乐在说什么。 --- 第一部分：根源与黎明（Roots and Dawn） 本书的开篇部分致力于追溯爵士乐的起源，为读者构建理解这一复杂音乐形式所需的文化和社会背景。 1. 跨大西洋的融合：非洲、欧洲与美国的交汇 我们将从非洲节奏传统（如科拉琴、口头叙事）与欧洲和声体系（如赞美诗、进行曲）在美国南方特定环境下的碰撞开始。深入探讨“呼应与回应”（Call and Response）的非洲核心元素如何在早期的音乐形式中生根发芽。 2. 新奥尔良的熔炉：布鲁斯与军乐团的影响 重点剖析布鲁斯（Blues）作为爵士乐的“母语”所扮演的关键角色。分析蓝调音阶、和声进行（尤其是十二小节布鲁斯）如何成为即兴创作的基础。同时，详细考察了新奥尔良军乐团（Marching Bands）在早期爵士乐器配置、集体即兴演奏风格（Collective Improvisation）上的决定性作用。我们将探讨拉格泰姆（Ragtime）的钢琴切分节奏如何为爵士乐的律动（Swing）铺平道路。 3. 早期巨匠与风格确立 本章聚焦于早期最具影响力的先驱者，如巴迪·博尔登（Buddy Bolden）的传奇，以及金光闪闪的“国王”乔·“金格”·莫顿（Jelly Roll Morton）——他自称是爵士乐的发明者。深入分析了早期新奥尔良风格（New Orleans Style/Dixieland）的音乐特征，包括其紧凑的织体和强调集体旋律线的演奏方式。 --- 第二部分：摇摆的时代（The Age of Swing） 第二部分将读者带入爵士乐的“黄金时代”，探讨其如何从地方性音乐成长为美国主流流行音乐的霸主。 4. 芝加哥与纽约的迁移：爵士乐的北上 随着“大迁徙”，爵士乐的中心转移至芝加哥和纽约。本章详述了禁酒令时期地下酒吧文化对爵士乐发展的影响，以及萨克斯风等乐器地位的提升。 5. 摇摆（Swing）：节奏的革命 “摇摆”（Swing）不仅仅是一个节奏术语，更是一种文化现象。本节深入解析了摇摆律动的数学原理和听觉感受，探讨了其与更早期的切分节奏的区别。重点分析了大型乐队（Big Band）的兴起及其复杂的编曲结构。 6. 大乐队时代的领军人物 本章是爵士乐史上的群星闪耀时刻。详细介绍了本尼·古德曼（Benny Goodman）的跨界影响力、格伦·米勒（Glenn Miller）的流行成功，以及最核心的两位风格大师： 公爵”杜克·艾灵顿（Duke Ellington）：剖析其作为作曲家和编曲家的复杂艺术，探讨其如何将管弦乐配器法融入爵士乐，创造出精致的“丛林”音色。 卡伯·凯洛威（Cab Calloway）与小德尼·巴罗斯（Count Basie）：对比分析了艾灵顿的精雕细琢与巴斯重返堪萨斯城“摇摆”的简洁有力，以及其标志性的“律动优先”的演奏哲学。 --- 第三部分：即兴的革命——比波普与冷爵士（Bebop and Cool） 爵士乐进入了更加成熟和内省的阶段。本部分着重于音乐家如何将爵士乐从舞曲转变为纯粹的艺术音乐。 7. 比波普（Bebop）的诞生：速度、复杂性与智力化 比波普被视为爵士乐史上最重大的风格断裂之一。本章详细分析了比波普在和声上对延长音（Extensions）和替代和弦（Altered Chords）的大胆运用，以及在节奏上对四四拍的“散置化”（Displacement）。 核心人物解析：重点剖析查理·“鸟”·帕克（Charlie Parker）的旋律天才和节奏驾驭能力，以及迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie）对高难度技巧和拉丁节奏的融合。 节奏的重塑：探讨了肯尼·克拉克（Kenny Clarke）和马克斯·罗奇（Max Roach）如何将重音从大鼓转移到踩镲（Ride Cymbal）上，解放了低音鼓和军鼓，奠定了现代爵士鼓的基础。 8. 冷爵士乐（Cool Jazz）的精致与沉思 作为对比波普的狂热与高能量的一种回应，冷爵士乐在西海岸发展壮大。本章关注其特点：更柔和的音色、更克制的演奏力度、对巴赫对位法的使用，以及更偏向室乐（Chamber Music）的织体。迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）的《Birth of the Cool》是本节的分析核心。 9. 硬波普（Hard Bop）：回归布鲁斯与福音的根基 硬波普是比波普向更通俗、更接地气方向的回归。本章分析了它如何重新拥抱布鲁斯和福音音乐（Gospel）的元素，创造出更具“灵魂感”的音乐。重点讨论了阿特·布莱基与爵士信使（Art Blakey & The Jazz Messengers）在培养新一代音乐家中的作用，以及索尼·罗林斯（Sonny Rollins）的线性发展思路。 --- 第四部分：拓展边界与融合（Expanding Horizons and Fusion） 最后一部分探讨了爵士乐如何应对摇滚乐的冲击，并不断吸纳新的元素以保持其生命力。 10. 调式爵士乐（Modal Jazz）的突破 介绍迈尔斯·戴维斯在《Kind of Blue》中引发的革命。详细解释了调式即兴的原理——从基于快速变化和弦的即兴转向基于固定的音阶（Modes）的演奏，这极大地解放了即兴空间，使旋律线条更具流动性和哲学深度。约翰·柯川（John Coltrane）的早期调式探索也将在本节被详述。 11. 自由爵士乐（Free Jazz）的解构与前卫 探讨奥奈特·柯尔曼（Ornette Coleman）和塞西尔·泰勒（Cecil Taylor）如何挑战传统和声、旋律和节奏的既定框架。分析自由爵士乐在文化和政治背景下的意义，理解其作为一种激进艺术表达的内涵。 12. 爵士融合（Jazz Fusion）：电力与摇滚的结合 分析爵士乐如何吸收电子乐器、摇滚乐的强劲节奏和失真音色。重点分析迈尔斯·戴维斯后期作品的转变，以及赫比·汉考克（Herbie Hancock）和乔·扎维努（Joe Zawinul）领导的组合如何定义了电声爵士乐的黄金标准。 --- 结语：持续的对话 本书最后将总结爵士乐作为一种“进行时”艺术的特点，探讨后现代爵士乐的趋势，以及新一代音乐家（如当代键盘手和跨界演奏家）如何继续在传统与创新之间架起桥梁，确保爵士乐的对话永不停止。 本书特点： 结构清晰的章节划分、关键术语的详细解释、对重要专辑的聆听指南（侧重于概念理解而非特定曲目分析）、旨在帮助读者建立起一套坚实的爵士乐知识体系框架。

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这本书的封面设计倒是挺吸引眼球的，那种复古又略带迷幻的字体搭配深沉的背景色，一看就知道是关于爵士乐的。我当初买它的时候，是冲着“Online”这个前缀去的，想着或许能找到一些跟数字时代、现代演奏技巧相关的洞察，毕竟是第二版了，应该有所更新。然而，当我真正翻开它的时候，那种期待感慢慢就被一种莫名的熟悉感所取代。书的装帧质量还算扎实，纸张拿在手里有一定的分量，不像那些廉价的小册子，至少在实体感受上是合格的。排版上，字号适中，留白也算合理，阅读起来不费力。不过，对于一本定位在“入门”或者“导论”级别的教材来说，它的视觉引导性似乎稍显不足，缺乏那种能一下子抓住初学者眼球的图表或者精美的乐谱示例。它更像是一部沉甸甸的学术专著的简化版，而非一本充满活力的音乐指南。我特别留意了目录，从基础和声概念到早期布鲁斯根源的追溯，脉络是清晰的，但这清晰度更像是教科书的刻板逻辑，而非一位资深乐手娓娓道来的故事。整体而言，这本书给我的第一印象是：一本规规矩矩、但可能略显沉闷的“老派”爵士乐导论，它的外在包装试图跟上时代，但内在的质感似乎还停留在上个世纪的课堂里。我对它后续的内容充满了好奇——它究竟是如何在文字中重构爵士乐那种转瞬即逝的现场魔力的。

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这本书的结构安排，说实话，有点像在走一条非常传统的、被无数次重复过的学术路径。它开篇就直奔主题，试图用理论的基石来构建整个爵士乐的大厦。我个人期待的是，能有一点点“野路子”的切入点，比如从某张里程碑式的唱片或某个传奇人物的即兴段落入手，先让读者沉浸到那种“律动”之中，再回溯理论。但这本书选择了一条更“安全”的路线，上来就是音阶、琶音、和弦进行，这些内容我曾在其他任何基础乐理书里都见过，爵士乐特有的和声色彩和节奏复杂性，似乎被硬生生地塞进了传统调式分析的框架里。这让我有些困惑，爵士乐的灵魂恰恰在于它对传统规则的颠覆和灵活变通，但这本书似乎在试图将这种自由的艺术，还原成可以被精确量化的公式。文字的叙述风格也偏向于陈述和解释，缺乏那种能让人热血沸腾的激情。读到一些关于摇摆（Swing）节奏的段落时，作者试图用文字去精确描绘那种“前八后八”的微妙时值差异，但那种感觉是需要听觉来体会的，纯粹的文字描述显得苍白无力，甚至有些故作高深。我感觉，如果一个零基础的读者拿到这本书，可能会在第一章就被那些密集的术语和理论吓退，从而错失了爵士乐最迷人的入口。

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在阅读体验的细节上，我不得不提一下“（BOOK ONLY/NO CDs）”这个标注所带来的隐性缺失。爵士乐是一门听觉的艺术，任何试图用纯文字来替代或详尽描述音乐现象的尝试，都带有内在的局限性。尽管我可以自行去寻找配套的音乐来佐证书中的理论，但一本优秀的音乐教材，其文字与声音的整合应该做到天衣无缝，即读到某个乐句分析时，手指就能自然地翻到对应的音频片段。这本书显然无法提供这种即时的反馈回路。所有的节奏、和声变化、音色描述，都必须依靠读者自己去“脑补”，这极大地增加了学习的门槛和理解的难度。想象一下，当作者描述某个萨克斯手如何通过“多重音”技术来制造出那种粗粝的颗粒感时，如果听不到那个声音，文字的描述就成了一种纯粹的抽象概念。这种体验上的“断裂感”，使得这本书更像是一部理论参考手册，而非一套完整的教学系统。它要求读者具备极强的内听能力和跨模态的理解能力，这对于初学者来说，无疑是一个巨大的障碍。最终，我合上这本书时，脑海中留下的是清晰的知识结构，但缺少了那种被音乐灵魂直接击中的震撼和共鸣。

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这本书的选材和侧重点，透露出一种非常“学院派”的倾向，这或许是它的优势，但也成了它最大的局限。对于那些已经对爵士乐有一定基础，或者更偏爱某些特定分支（比如冷爵士、融合爵士或者自由即兴）的读者来说，这本书的广度可能会稀释深度。它似乎努力想覆盖所有重要的历史节点和关键人物，结果就是，很多本应浓墨重彩的地方被草草带过。比如，对于女性音乐家在爵士乐发展史中的贡献，如果不是专门查找，很容易被这本“主流叙事”的书所忽略。此外，虽然这是第二版，但内容的新鲜度似乎仍有待加强。爵士乐从未停止发展，尤其是在近十年里，电子乐元素的渗透、全球化带来的地域性爵士的崛起，这些都是重要的讨论方向。这本书在触及这些前沿地带时，给出的分析显得比较保守，甚至有些滞后。它更像是一份对“经典爵士乐核心曲目与理论”的权威总结，而非一本紧跟时代脉搏的“在线”指南。如果你想了解21世纪爵士乐的最新动态和实验精神，这本书可能无法提供你所期待的、那种尖锐而前卫的视角。它更像是博物馆里的珍藏，而非正在创作中的画布。

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深入阅读后，我发现这本书的行文逻辑虽然严谨，但在处理不同流派的演变时，似乎有些过于碎片化了。爵士乐的历史本身就是一部不断融合、冲突与再创造的历史，从新奥尔良的集体即兴到摇摆大乐队的精确定位，再到比波普的智力化转向，每一步都伴随着巨大的社会文化背景的变迁。然而，这本书似乎更倾向于罗列“谁在什么时候做了什么”，而不是深入剖析“为什么会发生这种变化”。例如，在讨论比波普的诞生时，它可能提到了查理·帕克和迪兹·吉莱斯皮的技术革新，但对于那种战后青年对大乐队商业化和音乐僵化的反叛情绪，挖掘得不够深入。这就导致，爵士乐的历史在我脑海中变成了一系列孤立的知识点，而非一条有机的、充满戏剧性的时间河流。我尤其关注了关于“即兴”的部分，这是爵士乐的生命线。书里详细讲解了如何使用调式和和弦内音进行即兴，这对于技巧训练无疑是有益的，但对于理解“音乐对话”的本质，也就是乐手之间如何聆听、呼应和创造共同的瞬间结构，文字的描述显得力度不足。它给了我很多“怎么做”的工具，却很少告诉我“为什么要这么做”的艺术哲学。这使得阅读体验更像是在上理论课，而不是在探索一种充满生命力的艺术形式。

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