Astaire and Rogers

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出版者:Columbia University Press
作者:Edward Gallafent
出品人:
页数:256
译者:
出版时间:2002-03-15
价格:USD 83.50
装帧:Hardcover
isbn号码:9780231126267
丛书系列:
图书标签:
  • 舞蹈
  • 电影
  • 弗雷德·阿斯泰尔
  • 金格·罗杰斯
  • 好莱坞
  • 音乐剧
  • 经典
  • 20世纪
  • 美国电影
  • 银幕情侣
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具体描述

Fred Astaire and Ginger Rogers endure in the American imagination. The charm and grace of their dancing in the ten films they made together, including Top Hat and Swing Time, elicit nostalgia today. Most books about the Astaire-Rogers films focus exclusively on the music and dance scenes, but this book shows that the films are much more than the sum of those scenes, which after all only account for approximately one-third of their films' running times. Gallafent argues that, contrary to received opinion, the musical numbers are not discrete, generic moments dropped in to enliven the films. Instead, the music and dance routines advance the movies' themes.Gallafent shows how dialogue, plotting, and the audience's perception of this striking professional couple affect the context, and thus meaning, for the song and dance routines. The book examines how the Astaire-Rogers musicals, which were produced and originally viewed as a series, relate to one another and to other musicals of their day. Gallafent also provides an illuminating account of the films Astaire and Rogers made separately during the 1940s before their final reunion in The Barkleys of Broadway.Astaire and Rogers concludes by tracing the development of their star personas both together and apart, and shows how the films were designed around those personas.

《群星的轨迹:二十世纪舞台艺术的辉煌群像》 书籍简介 本书带领读者深入二十世纪波澜壮阔的舞台艺术史,聚焦于那些定义了一个时代、引领了潮流的艺术家群像。我们追溯的不是单一的表演形式,而是一张由舞蹈、音乐剧、歌剧、戏剧和电影交织而成的宏大网络,解析这些领域如何相互渗透、互相启发,共同塑造了现代娱乐的面貌。 第一部分:古典的革新与现代的萌芽 (1900-1930年代) 本部分首先考察了世纪之交,欧洲和美国剧场界发生的深刻变革。随着十九世纪浪漫主义的余晖散去,先锋派艺术思潮如立体主义、表现主义开始冲击僵化的舞台美学。 我们详尽分析了伊莎多拉·邓肯的自由舞蹈哲学如何打破了古典芭蕾的藩篱,她对自然、情感的推崇,如何为后来的现代舞奠定了思想基石。书中不仅描述了她的标志性表演——“光着脚,穿着希腊式的长袍”——更深入探讨了她在德国和俄罗斯推广其“自由意志”美学时所面临的文化阻力与共鸣。 在音乐领域,我们聚焦于谢尔盖·佳吉列夫领导的“俄罗斯芭蕾舞团”(Ballets Russes)。这个流动的艺术中心,汇集了斯特拉文斯基、毕加索、科克托等顶尖人才,彻底颠覆了传统歌剧与芭蕾的界限。重点分析了《火鸟》、《彼得鲁什卡》和极具争议性的《春之祭》如何通过尖锐的音乐和前卫的视觉设计,引发了欧洲艺术界的地震。本书不回避对佳吉列夫本人作为一位艺术“独裁者”的复杂性进行剖析,他如何以近乎暴力的手段,强迫观众接受“美是令人不安的”这一新观念。 同时,美国百老汇的早期发展也得到了细致描摹。从早期的滑稽剧(Vaudeville)和轻歌剧向成熟音乐剧的过渡,侧重于乔治·M·科汉等人物,如何将美国本土的故事、节奏和表演风格融入剧场,确立了“美国式”音乐剧的雏形,强调了其叙事功能和对社会现实的初步反映。 第二部分:黄金时代的交汇与冲突 (1930-1950年代) 随着经济大萧条和两次世界大战的阴影笼罩,舞台艺术展现出惊人的韧性与适应性。本部分着重探讨了艺术的“大众化”趋势及其内部的紧张关系。 在戏剧界,康斯坦丁·斯坦尼斯拉夫斯基的“体系”被空前重视和应用。书中详细比较了“方法表演”(Method Acting)在美国哥伦比亚大学、格林威治村剧团的传播路径,以及它如何影响了新一代电影和舞台演员对人物内心世界的挖掘深度。我们考察了尤金·奥尼尔作品中体现的美国悲剧精神,以及他如何将斯坦氏方法融入到对美国家庭痛苦根源的探索中。 音乐剧方面,罗杰斯与汉默斯坦的组合被视为黄金时代的里程碑。本书不再仅仅罗列《俄克拉荷马!》或《南太平洋》的成功,而是深入分析了他们如何通过紧密整合歌曲、舞蹈与核心叙事,将音乐剧从单纯的娱乐升级为具有社会评论价值的艺术形式。例如,探讨《东西岸区》(West Side Story)的前身,如何处理了移民、种族隔阂等敏感议题,并将其融入到舞蹈设计中。 电影工业的崛起对舞台艺术构成了巨大挑战,但也提供了新的实验场。我们分析了早期的歌舞片如何借鉴百老汇的布景和编舞,以及舞台导演如何反过来利用电影的镜头语言来增强舞台的视觉冲击力。特别关注了那些在舞台上取得成功,并被好莱坞“招募”的演员和编导,他们如何在中介过程中保持或稀释了自己的艺术纯粹性。 第三部分:后现代的解构与全球的视野 (1960年代至今) 本书最后一部分审视了战后文化冲击对舞台艺术带来的颠覆性影响。随着对既有权威的质疑,艺术家们开始系统性地解构传统叙事和表演的边界。 默斯·坎宁汉在舞蹈领域的贡献被置于聚光灯下。我们阐释了他如何将“偶然性”(chance operations)引入编舞过程,使得作品的结构与音乐、布景分离,挑战了观众对于“意义”和“和谐”的传统期待。书中详细解析了其作品结构与约翰·凯奇音乐之间的辩证关系。 戏剧方面,彼得·布鲁克的探索是核心内容。从他早期的莎士比亚作品到在巴黎创建的“国际剧场实验室”(CIRT),本书跟踪了他对“可见的剧场”和“神圣的剧场”的追求。通过分析《马拉松之死》等作品,我们理解布鲁克如何尝试剥离文本的文化外衣,直抵人性中最本质的冲动和情感。 此外,本部分还考察了鲍勃·福斯等舞蹈家对“即兴”(Improvisation)的精细化研究,以及它如何与现代舞蹈的技术训练相结合,创造出既有技术深度又充满生命力的表演。最后,书籍将目光投向全球化背景下,舞台艺术如何吸收非西方传统,例如日本“歌舞伎”和印度“卡塔卡利”对当代西方先锋戏剧和舞蹈的影响,展示了二十世纪艺术舞台如何从单一的西方中心主义走向一个多元、并置的“世界剧场”。 总结:技艺的传承与不息的革新 《群星的轨迹》旨在为读者提供一个全面的、多维度的视角,理解二十世纪的舞台艺术并非孤立的技艺展示,而是一场关于人类表达极限的持续对话。它记录了艺术家们如何在时代的洪流中,以精湛的技艺为工具,不断重塑我们观看和感受世界的方式。本书清晰地描绘了这些大师们如何通过对形式、情感和观众关系的深刻理解,将短暂的舞台表演凝练成永恒的艺术遗产。

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读后感

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用户评价

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如果让我用一个词来形容这次阅读体验,那一定是“回味无穷的韵味”。这本书的后劲实在太大了,它不是那种读完即忘的爆米花小说,而更像是一杯陈年的威士忌,初尝可能觉得辛辣刺激,但随后留下的醇厚和悠长,却能久久地盘踞在心头。最让我难忘的是,作者对于“沉默”的运用达到了炉火纯青的地步。很多场景中,空气似乎凝固了,文字之间的空白地带充满了未言明的情绪和潜台词,这些留白需要读者自己去填补,而你填补的内容,往往是你自己过往经验和情感的投射。这种互动性,让这本书真正成为了“你的”书,而不是仅仅属于作者的文本。每当我在日常生活中遇到相似的场景或相似的情感拉扯时,总会不自觉地想起书中的某个瞬间,仿佛作者为我提供了一套全新的、更精确的词汇和框架去理解我自己的生活。这种渗透性,正是优秀文学作品的终极标志。

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在探讨这本书的主题深度时,我感到一种莫名的共鸣,尽管故事的背景设定似乎遥远而华丽,但其中触及的核心人性议题却是恒久不变的。它没有采用说教式的笔法去抨击或赞美什么,而是极其冷静且精准地解剖了“身份认同”与“环境塑造”之间的复杂博弈。那些角色,他们表面的光鲜亮丽和内心的焦虑不安形成了强烈的对照,作者的犀利之处在于,他从不轻易地为任何一个角色下定论,而是呈现了他们在特定社会结构下的必然选择与挣扎。我看到的是一系列关于妥协、野心和幻灭的寓言,它们被巧妙地融入到华丽的场景描写之中,使得道德的模糊地带成为了故事的主要舞台。读完之后,我花了很长时间去回想那些次要人物的命运,因为他们的命运往往揭示了更深层次的社会潜规则。这本书的价值,就在于它提供了一个观察人性复杂性的绝佳切片,让你在合上书本之后,仍然会不断地反思自己和周围世界的运行逻辑。

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这本书的结构设计,绝非线性叙事可以概括。它更像是一张精心编织的网,或者说是一座多维度的迷宫,作者在不同的时间线和视角之间游刃有余地穿梭,每当我觉得自己已经掌握了故事的主脉络时,一个突如其来的闪回或者一个旁观者的插叙,就会立刻将我带入一个全新的观察角度。这种非传统的叙事手法,初读时需要高度的专注力来梳理人物关系和时间轴的对应,确实对读者的心智提出了不小的挑战。但一旦你适应了这种节奏,你会发现这种结构带来的沉浸感是无与伦比的——你不再是被动地接收信息,而是在主动地重建世界观。某些关键事件,被放置在不同的章节以不同的光影来呈现,你必须将这些碎片拼凑起来,才能窥见事件的全貌,这种“读者参与”的体验,极大地增强了阅读的智力趣味性。对我而言,这本书成功地将“阅读”从一种信息获取行为,升华成了一场需要主动破解的、充满惊喜的智力冒险。

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坦白说,我最初接触这本书是冲着那种流动的、近乎于舞蹈般的叙事节奏去的。整本书的行文风格像极了一首精心编排的组曲,时而急促高昂,充满了戏剧性的冲突和快速的场景转换,让人屏息凝神,生怕错过任何一个转折点。但紧接着,作者又会突然放缓笔调,用极其细腻、近乎于雕琢的语言去描绘那些转瞬即逝的情感波动和微妙的内心挣扎,那种慢下来的力量,比任何激烈的场面都更具穿透力。我特别欣赏作者在处理人物对话时那种不动声色的张力,很多重要的信息和情感的爆发点,并非通过直白的呐喊来完成,而是隐藏在那些看似平淡无奇的日常寒暄和眼神的交汇之中。每一次阅读,我都能从中捕捉到新的层次感,仿佛在剥洋葱,每一层都带着不同的酸甜苦辣。这种叙事上的老道和成熟,使得即便是对于那些看似陈旧的主题,作者也能赋予其焕然一新的生命力,让读者在熟悉的框架下,体验到全新的情感共振,这才是真正高明的写作技巧所在。

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这本书的装帧设计简直是视觉上的盛宴,我一拿到手就被那种沉甸甸的质感和封面复古的烫金字体深深吸引了。内页的纸张选择也非常考究,光影下泛着柔和的米黄色,阅读体验极佳,让人忍不住想捧着它在阳光下细细品味。初翻阅时,我特别留意了排版,那些留白恰到好处,既不显得空旷,也不会让人觉得文字拥挤,仿佛作者的呼吸和节奏都被精确地印在了每一页上。装订工艺之精湛,即便是反复翻阅,书脊也依然平整如新,看得出出版方在细节上确实下了大功夫。我甚至花了好些时间去研究扉页上的那些小小的装饰性花纹,它们似乎暗示着某种特定的时代背景或美学取向,为整本书增添了一种低调而奢华的仪式感。如果说内容是灵魂,那么这本书的物理形态无疑是为这个灵魂量身打造的精美外壳,光是摆在书架上,它都能提升整个房间的格调,简直是艺术品级别的出版物,让人不忍释卷,更不舍得被外界尘埃沾染。这种对实体书本身的尊重和呈现,在如今这个电子阅读盛行的时代,显得尤为珍贵和难能可贵。

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