具体描述
William Howard Schuman, a celebrated figure in 20th-century music, was a composer and a copious writer on music and music education. Early on, as a composer, he received the attention of several musicians and writers such as Nathan Broder, Elliott Carter, and Leonard Bernstein. He was the recipient of numerous prestigious awards, including the Pulitzer Prize, a Guggenheim Fellowship, and the New York Music Critics Circle Award. After teaching at Sarah Lawrence College from 1935 to 1945 and serving as president of the Juilliard School from 1945 to 1962, Schuman assumed the presidency of Lincoln Center, where he successfully implemented that institution's artistic programs. Schuman, who composed in several genres, is perhaps best known for his orchestral compositions and choral music. This reference work provides a biography and a thorough catalog and guide to Schuman's writings and compositions and to the current research available on this gifted and multi-talented musician. An invaluable resource to music scholars interested in William Schuman's career, five sections provide accessible detailed information: a biography, works and performances, discography, bibliography, and bibliography of writings by Schuman. The biography traces Schuman's life and career with an emphasis on illustrating his compositional activity. The bibliography includes books, dissertations, articles, and reviews that chronicle Schuman's activities from his days as a young composer to his death in 1992. An author index, index of compositions, and general index complete this in-depth reference on William Schuman.
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用户评价
这本书的书名似乎是《William Schuman》，但我手头上的这本书，讲的完全是关于二十世纪中叶美国音乐界一位重要人物的生平与创作。我的体验是，作者以一种近乎学术研究的严谨态度，深入挖掘了舒曼（William Schuman）从早年对爵士乐和斯特拉文斯基的热衷，到后来如何发展出他那标志性的、充满建筑感和力量感的交响乐语言。阅读过程中，我仿佛置身于1940年代的纽约，亲眼见证他如何在一个被欧洲传统主导的古典音乐世界中，努力构建一种“美国化”的宏大叙事。书中的乐评部分尤为精彩，作者没有停留在简单的赞美，而是细致地剖析了《三乐章交响曲》中那些令人不安的和声进行，以及《第四交响曲》里那种几乎是粗砺的、充满韧性的节奏处理。对于任何对美国现代主义音乐发展史感兴趣的人来说，这本书提供的不仅仅是传记信息，更是一把钥匙，用以理解那个时代艺术家们在身份认同和艺术创新之间拉扯的内心世界。它要求读者具备一定的音乐知识背景，否则那些关于对位法和配器法的深入讨论可能会显得有些晦涩，但只要你愿意投入精力，收获的将是对一位被低估的大师深刻的洞察。
评分这本书的真正价值，或许在于它成功地将一位重要的音乐人物从他创作的“阴影”中拉了出来，置于更广阔的社会文化背景下进行审视。作者特别关注了舒曼作为美国音乐基金会（Ford Foundation）音乐项目顾问的角色，这在以往的传记中常常被一笔带过。通过对这些行政和资助工作的深入分析，我们看到一位艺术家是如何运用体制内的力量，去推动他所相信的艺术理念的实现。书中探讨了他如何与工业界和文化机构进行复杂的谈判，以确保实验性音乐能够获得资助和表演机会。这种从“幕后”到“台前”的视角转换，极大地拓宽了我们对“音乐家生涯”的理解。这本书的行文并非总是轻松愉悦，它充满了对艺术理念的严肃探讨和对历史转折点的精准捕捉。我特别欣赏作者的旁白，那种冷静而富有洞察力的声音，使得即便是复杂的音乐理论也能被巧妙地嵌入到人物的心路历程之中，让读者在了解历史的同时，也进行了一场深刻的自我反思。
评分这本书在文献梳理方面做得令人印象深刻，几乎可以作为研究二十世纪上半叶美国音乐教育变迁的辅助教材。它详细记录了舒曼如何从费城音乐学院毕业后，受教于塞缪尔·巴伯，并深受新英格兰地区音乐传统的熏陶。作者大量引用了舒曼生前的私人信件和未发表的演讲稿，使得我们得以窥见他思想的演变过程。例如，书中花了相当大的篇幅来探讨他对“表现主义”的抵触，以及他坚持认为美国音乐应该扎根于本土的、坚实的、带有某种“工人阶级”道德感的创作原则。这种对思想根源的追溯，使得分析他的晚期作品，比如那几部弦乐四重奏，变得顺理成章。当我读到关于他晚年逐渐减少创作，转而专注于教育和倡导的段落时，心中不禁涌起一种复杂的敬意——他似乎更像一个建筑师，在为后来的音乐家打下坚实的地基，而不是一个只顾自己作品的独行侠。这本书的深度在于，它教会你如何“聆听”那个时代的文化张力。
评分从阅读体验上来说，这本书的文字密度非常高，需要细细品味。作者的写作风格带着一种古典的、略显冗长但逻辑严密的腔调，不像现代畅销书那样追求即时满足感。对于我个人而言，最有趣的部分是关于他与同代作曲家如柯普兰（Copland）和伯恩斯坦（Bernstein）之间复杂而微妙的关系的描述。书中清晰地描绘了他们如何在不同的审美路径上并行前进，有时合作，有时竞争。例如，在讨论到谁更“真正”代表美国声音时，那种文人间的微妙较量被描绘得淋漓尽致，充满了戏剧张力。书中没有回避舒曼在某些方面的局限性，比如他对某些新兴音乐流派表现出的不解和排斥，这使得人物形象更加真实可信，避免了脸谱化的美化。总的来说，这本书更像是一份精心制作的档案报告，它要求读者保持专注，但一旦你进入了作者构建的那个音乐世界，那种被知识和历史细节充盈的感觉，是相当令人满足的。
评分我不得不说，这本书的叙事节奏掌握得相当老练，它像一部精心编排的戏剧，而不是枯燥的年谱。作者似乎刻意避免了将威廉·舒曼塑造成一个高高在上的“天才”形象，相反，我们看到的是一个在现实压力下挣扎的创作者——他要面对音乐界保守派的质疑，要平衡他在茱莉亚音乐学院行政工作中的职责，还要努力让自己的作品在听众心中占据一席之地。最打动我的是关于他处理“社会责任”那部分的描写，尤其是在冷战初期，他如何通过音乐表达对公民自由和民主价值的捍卫。书里有一段详述他1956年访问苏联的经历，描述了他如何被一些年轻音乐家的保守态度所震惊，以及这如何反过来坚定了他创作更具“自由精神”作品的决心。行文间充满了生动的细节，比如他在创作某个协奏曲时，对定音鼓敲击力度近乎偏执的追求，这些小插曲让这位公众人物立刻变得立体可感。如果你期待的是那种轻快的、故事性的传记，你可能会觉得这本书的某些章节略显沉重，但正是这种厚重感，才配得上他音乐作品中蕴含的重量。
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