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出版者:Tate Publishing(UK)

作者:Monique Beudert

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1998-06

价格:USD 25.00

装帧:Paperback

isbn号码:9781854372475

丛书系列:

图书标签:

• 当代艺术
• 现代艺术
• 艺术史
• 艺术评论
• 绘画
• 雕塑
• 装置艺术
• 摄影
• 新媒体艺术
• 艺术理论

好的，这是一份关于一本名为《城市脉络：现代建筑的演变与未来》的图书简介，内容详实，绝不涉及您提及的“Contemporary Art”一书的任何信息。 --- 城市脉络：现代建筑的演变与未来 一本深入剖析自工业革命以来，人类居住环境如何被建筑艺术重塑、挑战与展望的宏伟著作。 导言：凝固的时间与流动的空间 自古以来，建筑便是文明的骨骼，是人类社会结构、技术能力和哲学思想最直观的物质载体。然而，若论及对我们日常存在感影响最为深刻、变化最为剧烈的时期，非自十八世纪末工业革命肇始，直至今日的“现代”阶段莫属。 《城市脉络：现代建筑的演变与未来》并非仅仅是一部编年史，它是一次对空间哲学的深度挖掘。本书追溯了驱动现代建筑浪潮的核心动力——工业化带来的材料革命、城市化进程的不可逆转性，以及对社会公平和功能主义的深刻反思。我们不再满足于简单的遮风避雨，而是试图通过建筑的形态、材料和布局，来定义一种全新的、高效的、甚至理想化的人类生活方式。 本书聚焦于“现代性”这一复杂概念在建筑领域的具体体现，分析了那些塑造了我们今天城市天际线和居住体验的决定性时刻、关键人物及其背后的思想冲突。从早期的理性主义萌芽到后来的解构主义的碎片化表达，我们观察到建筑如何成为一场永不休止的辩论。 第一部分：理性之光与机器的诞生 (1850s – 1930s) 本部分着眼于现代建筑的黎明，即技术进步如何首次赋予建筑师超越传统美学的工具。 1. 铁、钢与玻璃的解放 蒸汽机、轧钢技术和玻璃工业的成熟，彻底打破了承重墙的桎梏。本书详细考察了水晶宫、埃菲尔铁塔等早期工程奇迹，它们不仅是技术展示，更是对古典秩序的无声挑战。我们分析了建筑师如何开始拥抱“新材料”的固有美感，并将其应用于实际的住宅和公共建筑设计中。 2. 功能至上：现代主义的理论基石 随着城市人口爆炸，卫生、交通和居住密度成为迫在眉睫的社会问题。在此背景下，现代主义的“形式追随功能”被奉为圭臬。本章深入剖析了维也纳的社会住房运动、包豪斯（Bauhaus）的教育理念，以及勒·柯布西耶（Le Corbusier）的“新建筑五点”，理解他们如何试图通过标准化、工业化预制构件来解决社会弊病。对阿道夫·卢斯（Adolf Loos）的《装饰与犯罪》等早期论点的审视，揭示了现代主义在道德层面上的自我要求。 3. 地区主义的早期回响 尽管国际风格（International Style）占据主导，但不同地理文化背景下的建筑师也在探索现代技术与本土语境的结合。本书对比了斯堪的纳维亚半岛的朴素功能主义，以及在特定气候条件下对材料和采光进行的本土化适应，为后续的批判地域主义埋下伏笔。 第二部分：全球化浪潮与意识形态的交锋 (1940s – 1970s) 二战后的重建工作加速了现代主义的全球扩散，但也带来了对其普适性的深刻质疑。 1. 战后重建与城市规划的重构 战后，大规模的重建需求使得现代主义的效率和预制化优势凸显。我们考察了战后欧洲的住房项目、美国高速公路系统对城市肌理的切割，以及城市规划大师如何试图以宏大叙事重塑城市空间。同时，本书也尖锐地批判了大规模、单一化的住宅区的弊端，分析了简·雅各布斯（Jane Jacobs）等评论家如何挑战“摩天大楼的瘟疫”。 2. 中期现代主义的成熟与危机 密斯·凡德罗（Mies van der Rohe）的极简主义与结构透明化达到了一个高峰。本章详细分析了其“少即是多”哲学在商业建筑中的统治地位。然而，随着技术的固化和美学的僵化，建筑界开始感到窒息。我们探讨了对纯粹主义的反叛如何催生了“野兽派”（Brutalism）——这种使用粗粝混凝土（béton brut）的运动，它既是对结构诚实的表达，也无意中成为了一种政治宣言。 3. 批判地域主义的兴起 面对国际风格的文化真空，建筑师们开始有意识地回归地方性。本书详细分析了肯尼斯·弗兰普顿（Kenneth Frampton）对“批判地域主义”的理论建构，考察了日本的丹下健三、印度的巴克里希纳·多西等建筑师，如何在接受现代技术的同时，重新激活了对光影、气候、本土材料和场地精神的敏感性。 第三部分：后现代的转向与多元化的探索 (1980s – 2000s) “现代性”的宏大叙事瓦解后，建筑进入了一个充满符号、历史引用和技术奇观的时代。 1. 从拒绝到拥抱：后现代的回归 面对现代主义的冷漠，后现代主义重新引入了历史的幽默、装饰和象征意义。罗伯特·文丘里（Robert Venturi）的《建筑的复杂性与矛盾性》成为理论武器。本章对比了复杂的历史引用（如菲利普·约翰逊的作品）与对主流的戏谑性批判，探讨了符号学在建筑中的复兴。 2. 技术奇观与形态的解放 随着计算机辅助设计（CAD）的普及，建筑的几何形态不再受限于直线和平面。我们深入研究了比雅克·英格尔斯（Bjarke Ingels）、扎哈·哈迪德等新一代建筑师如何利用参数化设计工具，创造出前所未有的、动态的、充满张力的曲面和折叠结构。这不仅仅是美学上的转变，更是生产方式和结构计算能力的飞跃。 3. 建筑的社会责任与批判性实践 面对全球化带来的贫富差距和环境危机，一部分建筑师转向了更具社会参与性的实践。本部分介绍了关注贫困社区、灾后重建和可持续性的建筑运动，反思了建筑作为“权力工具”的潜在危险，强调了在地性、低成本技术和参与式设计的重要性。 第四部分：面向未来：可持续性、数字孪生与城市韧性 (21世纪至今) 当前，建筑正处于一个由气候危机和信息技术驱动的深刻转折点。 1. 零能耗与循环经济：绿色革命 本书将可持续性视为现代建筑的“新功能主义”。我们系统性地评估了从被动式设计（Passivhaus）、生物气候适应到使用再生材料和模块化建造的最新进展。章节重点分析了建筑如何从能源消耗者转变为能源生产者，以及“零净零”目标的实现路径。 2. 智慧城市与建筑的数字互联 物联网（IoT）、传感器技术和大数据正在重塑建筑的使用方式。我们探讨了“智能建筑”的真正含义，分析了建筑信息模型（BIM）如何贯穿整个生命周期，以及数字孪生技术如何帮助城市管理者实时优化资源分配和建筑性能。 3. 适应性与韧性：面对不确定性 未来的建筑必须具备应对极端气候事件和快速社会变迁的“韧性”。本书最后展望了“可适应性结构”——那些能够根据需求改变内部布局或外部表皮的建筑。同时，我们也审视了对城市密度和自然界限的重新定义，思考在不远的将来，建筑将如何与生态系统更和谐地共存。 --- 《城市脉络：现代建筑的演变与未来》 是一部全面、深入且富有批判精神的著作，它邀请读者超越视觉上的惊叹，去理解构成我们现代世界的每一块砖石、每一道光线背后，所蕴含的社会、技术和人文的复杂故事。它不仅是建筑专业的必备参考，更是每一位关注城市生活质量和人类居住未来的人士的案头之作。 字数统计： 约 1550 字。

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坦白说，我是一个对艺术史略有涉猎的业余爱好者，我最怕的就是那些只会重复已知信息的书籍。这本书完全没有这种问题，它的学术野心很大，试图在一个相对精炼的篇幅内，勾勒出过去数十年视觉艺术最核心的脉络和争议焦点。它的论证逻辑非常扎实，即便是在探讨那些高度抽象、高度概念化的艺术流派时，也总能找到一个坚实的参照点——通常是一个标志性的艺术家或一个关键的社会事件。我尤其喜欢它对“全球化”背景下艺术生产的探讨。它没有天真地将所有非西方艺术纳入一个单一的“东方主义”框架下，而是细致地辨析了不同区域的艺术家如何在吸收西方观念的同时，保持并发展出本土的批判性声音。这种细致的地域区分和复杂的文化交织，让整个叙事变得立体而非扁平。这本书就像是为我们这些渴望更深层次理解艺术的人准备的“思维工具箱”，它提供的工具不仅锋利，而且设计精巧，让我感觉自己看待世界的方式都隐隐发生了一些微妙但重要的变化。

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这本书的装帧设计简直是艺术品本身，沉甸甸的纸张，触感细腻，翻开扉页，那黑白灰的排版布局就透露出一种冷静而克制的美学态度。我原本以为这是一本晦涩难懂的理论大部头，但作者的叙述方式却出奇地引人入胜。他们没有一味地堆砌术语，而是巧妙地将艺术史的宏大叙事，拆解成一个个充满张力的个体故事。比如，对战后“新达达主义”的剖析，不再是枯燥地罗列作品清单，而是深入挖掘了艺术家们在社会剧变背景下，内心涌动的焦虑与反叛，那种将日常物品提升到哲学层面的冲动，被描绘得淋漓尽致，让我仿佛能透过文字感受到颜料和工业废料的气味。特别是书中关于“观念艺术”的章节，作者没有满足于给出定义，而是通过一系列精彩的案例分析，展现了观念如何超越物质媒介，成为艺术本身的核心驱动力。这种由表及里，由现象到本质的论证结构，极大地拓展了我对“什么是艺术”的认知边界。我尤其欣赏它在跨文化交流上的努力，试图在西方现代主义的主流叙事之外，开辟出更广阔的对话空间，虽然这些探讨还略显初步，但方向感是明确且令人振奋的。整体而言，这是一本阅读体验愉悦，又能在思想层面提供深厚滋养的佳作，适合所有对视觉文化抱有好奇心的人士。

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我是在一个艺术圈朋友的强烈推荐下购入这本大开本的画册的。说实话，我更偏爱视觉冲击力强烈的作品，所以一开始对这种侧重于理论和历史脉络梳理的书籍抱有疑虑。然而，一旦沉浸其中，那种强烈的代入感是其他任何导览文章都无法比拟的。这本书的厉害之处在于，它极其擅长捕捉那些“转折点”——那些瞬间改变了艺术语言既有规则的微妙时刻。例如，它对“波普艺术”的解读就非常精妙，没有停留在对玛丽莲·梦露丝网印刷的表层模仿，而是深入剖析了在消费主义浪潮前，艺术家如何从“创作的神圣光环”中抽离出来，拥抱批量生产的机械美学，这其中蕴含的讽刺与赞美之间的张力，被作者拿捏得恰到好处。每当我读完一个章节，我都会立刻去搜索引擎上查找书中提到的那些我不太熟悉的艺术家的名字和他们的代表作，这种主动探索的乐趣，正是好书给予读者的最大馈赠。它像一个技艺高超的向导，不仅指明了方向，还提供了望远镜，让你看得更远、更清晰。即便是对那些已经烂熟于心的艺术运动，作者也能挖掘出全新的解读角度，让你产生“原来如此”的豁然开朗之感，这才是真正有价值的学术普及读物。

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阅读这本书的过程，与其说是学习，不如说是一场智力上的“漫游”。它的行文风格非常自由，时而像一位严谨的学者在梳理复杂的谱系，时而又像一位富有激情的策展人在向你娓娓道来某个作品背后的“秘密心事”。这种风格的交替，有效地避免了阅读疲劳。我特别关注了书中关于“后现代转向”的部分，那段论述极其精彩，它没有用简单的“反叛”来概括，而是将其描述为一场对“宏大叙事”的消解和对多元“碎片化”经验的接纳。作者用一系列并置的例子——从建筑解构到摄影的挪用——清晰地展示了这种哲学观是如何渗透到视觉创作中的。而且，这本书的翻译质量高得惊人，它成功地保留了原作那种略带挑衅性的学术语调，使得那些原本可能显得高高在上的概念，变得触手可及，但又不失其应有的深度。这对于非英语母语的读者来说，是极其重要的加分项。它教会我的不仅仅是“看”艺术，更是“思考”艺术在当下的文化生态中所扮演的角色，是社会情绪的放大器还是催化剂。

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我是在一个周末的下午，泡着一杯浓缩咖啡，抱着这本书一头扎进去的。这本书的结构设计非常人性化，它不像传统的教科书那样采用线性时间轴，而是更多地以主题和议题为导向进行组织。这使得即便是偶尔中断阅读，再次拾起时也无需费力回忆前文的逻辑链条。让我印象最深刻的是它在探讨“身体政治”与艺术创作关系时的论述。作者大胆地将行为艺术、身体记录摄影与当代女性主义艺术实践并置分析，揭示了艺术家如何通过对自身肉体的干预、展示甚至牺牲，来挑战既有的权力结构和审美规范。这种跨越媒介的整合性分析，是这本书最核心的价值之一。它促使我重新审视那些我过去只是“看”过，而从未“读懂”的作品。书中对细节的关注令人叹服，比如对特定展览文献的引用，对艺术家亲笔信的摘录，都为冰冷的理论添上了鲜活的人性温度。它让“当代”这个似乎遥不可及的概念，变得如此具体、可感，充满了我们日常生活中可以捕捉到的回响。

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