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出版者:flame tree publishing

作者:

出品人:

页数:416

译者:

出版时间:2005

价格:14.99

装帧:

isbn号码:9781844512041

丛书系列:

图书标签:

• 吉他
• 乐器
• 音乐
• 教学
• 技巧
• 和弦
• 指法
• 练习
• 入门
• 进阶

弦音的哲学：现代吉他演奏的深度解析与实践指南 本书聚焦于超越基础指法的演奏理论、音色塑造的艺术以及演奏者心智的培养，旨在为所有层次的吉他学习者提供一个全面而深入的探索框架。 --- 第一部分：超越和弦图：深入理解音乐的结构 第一章：调性系统的迷宫与出口 本章将彻底解构西方音乐理论中调性系统的核心——大小调音阶、调式（Modes）的实际应用与情感色彩的关联。我们不会停留在传统的“多利亚、弗里吉亚”等名称的罗列，而是深入探讨每种调式在和弦进行（Chord Progression）中的功能性角色。例如，如何利用利迪亚调式（Lydian Mode）在主流和弦上创造出一种“漂浮感”或“前卫感”的张力，以及如何巧妙地运用弗里吉亚调式（Phrygian Mode）来营造强烈的异域风情或黑暗底色。 和弦的DNA： 解析七和弦、九和弦、十一和弦及十三和弦的构成音与功能。重点阐述和弦延伸音（Extensions）如何影响和声的密度和复杂度，并提供一套系统性的方法来识别并手动构建任何复杂和弦。 非功能性和声的边界： 探索后浪漫主义时期以及现代爵士乐中“非功能性”和声的运用，例如半音阶运动（Chromatic Mediants）和增和弦（Augmented Chords）在创造意外转调中的作用。 第二章：节奏的雕塑家：跨越节拍的自由 节奏是音乐的骨架，本章的目标是让演奏者从“数拍子”的奴役中解放出来，真正掌握节奏的内在律动。 复合节奏与复节奏（Polyrhythms and Polymeters）： 详细讲解如何在六弦琴上实现三对四、五对四等复合节奏的视觉化和听觉化。提供实用的练习方法，例如使用节拍器进行“侧面”的敲击，以训练大脑同时处理多个时间框架的能力。 律动的微观调整（Groove Micro-Adjustments）： 讨论“推”与“拉”（Pushing and Pulling）的演奏技巧，即演奏音符相对于节拍器的细微提前或延迟如何构建出不同的律动风格（如放克、蓝调摇摆）。这部分将通过对B.B.King、James Brown等大师演奏片段的分析，揭示律动背后的数学和情感逻辑。 --- 第二部分：音色的炼金术：设备与演奏的融合 第三章：放大器与踏板的对话：打造个性化音墙 本章将吉他音色视为一个多阶段的信号链，重点探讨每个环节如何协同作用以达成特定的听感目标，而非简单地介绍产品说明书。 失真（Gain Staging）的艺术： 深度解析“前级饱和”（Preamp Saturation）与“后级失真”（Power Amp Distortion）的区别。如何通过堆叠多个低增益单块踏板（Low-Gain Stacking）来获得传统失真音箱难以企及的动态范围和颗粒感。 空间模拟的深度挖掘： 不仅限于混响（Reverb）和延迟（Delay）的预设选择，而是探讨如何使用调制效果器（Modulation Effects，如Chorus, Flanger）来“染色”空间感，例如使用慢速的颤音（Vibrato）模拟老式电台的信号衰减效果。 数字建模与模拟情结： 对现代数字建模技术（如IRs, Impulse Responses）进行批判性评估，并提供一套流程，教导吉他手如何从海量预设中筛选出最符合自己演奏哲学的“干净”音色。 第四章：指板上的物理学：演奏姿态与发声效率 本章回归到演奏者身体与乐器之间的物理交互，强调效率与耐力的平衡。 左手人体工学： 探讨不同握把方式（如拇指靠后、拇指越过琴颈）对揉弦力度、伸展范围及演奏耐力的影响。提供针对手腕压力点和肩部紧张的特定放松练习。 拨弦的动能传递： 分析拨片（Pick）的材质、厚度、边角处理与音色的直接关系。深入研究“下拨”、“上拨”的物理轨迹，并教授如何通过拨片角度的微调（Angle of Attack）来控制音色的明亮度（Attack）和延音（Sustain）。 --- 第三部分：心智的舞台：演奏者的自我塑造 第五章：即兴的解码器：从记忆到创造 即兴演奏常被视为一种天赋，本书将其解构为一套可学习的系统化过程。 动机发展（Motivic Development）： 强调即兴的核心不是弹出正确的音符，而是对一个微小音乐主题（Motif）的持续发展、变形和展开。提供三种主要的动机处理技术：节奏变奏、音高变奏和序列展开。 旋律的叙事弧线： 教授如何构建一个引人入胜的即兴段落，包括建立张力（Tension）、释放张力（Release）以及如何利用“沉默”（Silence）来增强音乐的戏剧性。 第六章：录音棚与舞台的心理韧性 技术和音乐性达到一定水平后，心理素质成为瓶颈。本章关注演奏者的内在环境。 性能焦虑的神经科学： 探讨肾上腺素在舞台表现中的双重作用，并介绍呼吸控制（Diaphragmatic Breathing）和认知重构技术，以将表演前的紧张转化为集中的能量。 系统化的练习方案： 摒弃漫无目的的重复练习，提出“目标导向的刻意练习”（Goal-Oriented Deliberate Practice）模型。包括如何利用录音设备进行自我诊断，以及如何在练习中模拟真实演出的压力环境。 --- 结语：永无止境的探索 本书不是一个终点，而是一个工具箱。真正的吉他大师的旅程在于不断地提问、拆解和重构他们所听到的世界。拿起你的乐器，现在开始你的下一层级探索。

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坦白说，市面上的“吉他百科全书”常常因为贪多而导致每个主题都浅尝辄止，缺乏深度挖掘。《Complete Guitar Handbook》成功地避开了这个陷阱，它虽然名称宏大，但其内容的组织方式却是模块化和可聚焦的。比如，如果你目前只需要攻克颤音（Vibrato）的技巧，这本书会专门用一整个单元来解构颤音的类型（手腕式、手指式、揉弦力度控制），并提供针对性的练习序列，而不是草草带过一笔。这种“深度钻研”的特点，让它既能服务于想快速上手的新手，也能满足资深乐手对特定技术细节的精益求精。我个人非常欣赏它对“设备兼容性”这一块的涉及，虽然重点是演奏技巧，但它也提供了关于拾音器、音箱设置如何影响音色的基础知识，这对于希望调试出自己独特声音的电吉他手来说，是极具参考价值的补充信息。总而言之，这本书的知识密度极高，但阅读体验却异常流畅，它真正做到了“面面俱到，深入本质”。

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这本书的编排逻辑，充分体现了作者对“有效学习”的深刻理解。它最大的亮点在于它对“听觉训练”和“技巧实践”的完美平衡。很多吉他书只教你怎么动手，却忽略了如何用耳朵去辨识和模仿。而《Complete Guitar Handbook》中穿插的听力练习模块，要求读者去分辨和弦的色彩变化，识别不同音阶的音程关系，这对于培养真正的“乐感”至关重要。我发现，当我不再仅仅依赖眼睛看指法图，而是开始主动去听辨音符之间的关系时，我的演奏准确度和表达力有了质的飞跃。书中还巧妙地引入了录音和自我评估的环节，指导我们如何客观地分析自己的演奏缺陷，而不是主观地感觉“哪里不对劲”。这种注重“内省”的学习方式，是很多传统教材所缺失的。它让你从一个被动的模仿者，转变为一个主动的音乐探索者。如果你想告别“机械化弹奏”，这本书提供的听觉训练方法绝对是实现这一目标的关键钥匙。

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这本《Complete Guitar Handbook》简直是为我这种初学者量身定做的宝典！我一直对吉他心生向往，但市面上那些教材要么过于理论化，要么就是零散的视频教程，总觉得抓不住重点。拿到这本厚厚的指南，我的第一印象是内容的全面性和详尽程度令人咋舌。它不是那种只教你几个和弦就让你“自生自灭”的小册子，而是从最基础的乐理知识讲起，每一个概念都配有清晰的图示和易于理解的解释。我尤其欣赏它在“如何持琴”和“正确拨弦姿势”上花费的篇幅，这些看似不起眼的基础，往往是决定未来进步速度的关键，书里用接近摄影棚级别的特写照片，手把手地教你如何找到最放松、最有效的发力点。而且，它并没有止步于基础，很快就带入了音阶的构建和指板的记忆，那种循序渐进的编排，让人感觉每翻一页都是在向着更专业的殿堂迈进。我花了整整一周的时间来消化第一部分的材料，感觉对吉他这件乐器有了一种前所未有的掌控感，不再是瞎摸瞎弹了。对于想要系统性地打下扎实基础的吉他爱好者来说，这本书的价值是无可估量的，它提供的不仅仅是技巧，更是一种科学的学习方法论。

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作为一名已经摸索了几年吉他的“老手”，我原本对“手册”类书籍抱持着怀疑态度，心想无非是把网上随处可见的FAQ重新排版一遍。然而，这本《Complete Guitar Handbook》彻底颠覆了我的看法，它在“进阶技巧与风格解析”部分展现出的深度，远超出了我预期的“入门指导”范畴。我最感兴趣的是它对不同演奏风格（如布鲁斯推弦的细微差别、爵士和弦的色彩运用）的剖析。作者并没有简单地罗列“怎么做”，而是深入探讨了“为什么这样做能产生那种声音”的背后的物理和音乐原理。例如，书中关于泛音（Harmonics）的讲解，结合了声学理论，解释了不同位置泛音的生成机制，这让我豁然开朗，不再只是机械地模仿手型。更不用说那几章关于高级和弦进行和即兴Solo的框架构建，它不像某些教程那样只提供“速成模板”，而是教授你一套分析音乐结构和即兴创作的思维工具。我把书里介绍的几个G小调布鲁斯变奏拿出来练习，效果立竿见影，感觉自己的音乐语言丰富了不止一个档次。对于那些希望从“弹奏歌曲”迈向“创造音乐”的吉他手，这本书简直是必备的思维升级工具。

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我必须得说，这本书的排版设计简直是艺术品级别的！我是一个视觉导向的学习者，如果书里内容密密麻麻挤在一起，我可能看两页就想合上了。但《Complete Guitar Handbook》的每一个页面都经过了深思熟虑的布局。色彩的使用非常克制且有效，比如在讲解特定调式时，会用不同的颜色高亮显示音符，让指板的视觉记忆变得极其直观。那些复杂的乐理图表，被拆解成了易于消化的信息图，而不是让人望而生畏的五线谱墙。此外，纸张的质感也值得称赞，它足够厚实，在吉他架上翻阅时不容易卷边，而且印刷的清晰度极高，即便是最小的指法图示也纹丝不乱。我特别喜欢它在每个章节末尾设置的“实战演练清单”，这把理论知识和实际应用紧密地联系起来，形成了一个闭环的学习流程。说实话，很多技术书籍之所以让人放弃，就是因为内容过于枯燥，《Complete Guitar Handbook》用其出色的视觉呈现，极大地降低了学习的心理门槛，让你情不自禁地想去翻阅下一页，看看接下来又会揭示什么吉他世界的奥秘。

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