Foo Fighters - One by One (Transcribed Scores) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Hal Leonard Corporation

作者:Foo Fighters

出品人:

页数:206

译者:

出版时间:2003-06-01

价格:USD 24.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780634056826

丛书系列:

图书标签:

• Foo Fighters
• One by One
• Transcribed Scores
• Rock
• Alternative Rock
• Guitar Tab
• Music Transcription
• Band Scores
• Dave Grohl

《摇滚史诗：七十年代前卫摇滚大师的音乐解构与演奏指南》 一、本书概述：深入探索前卫摇滚的黄金时代 本书并非聚焦于某一个特定乐队的某一阶段作品，而是将视角投向了上世纪七十年代前卫摇滚（Progressive Rock）运动的宏大图景及其核心精神。我们旨在为吉他手、贝斯手、键盘手以及对复杂音乐结构感兴趣的爱好者，提供一本全面、深入且极具实践指导意义的参考书。七十年代是前卫摇滚爆发性成长的十年，涌现出如Pink Floyd、Yes、Genesis、King Crimson等风格迥异却都致力于拓宽摇滚乐边界的巨匠。本书将这些杰作背后的复杂编排、精妙和声、以及革命性的演奏技巧进行系统性的拆解和阐释。 本书的结构设计旨在平衡理论深度与实操可行性。我们不会沉溺于对特定专辑或歌曲的逐一转录，而是抽取这些流派的共性与代表性技法，构建一个可供学习者融会贯通的知识体系。核心目标是让读者不仅能“弹奏出”这些音乐，更能“理解”其背后的音乐哲学与创作逻辑。 二、核心章节详解：构建你的前卫摇滚知识体系 第一部分：节奏的革命——复杂拍号与律动解析 (The Rhythmic Revolution) 前卫摇滚最显著的标志之一便是其对传统四四拍的挑战。本部分将深入剖析七十年代大师们如何运用非常规拍号（如 5/4, 7/8, 11/8 等）来构建史诗般的乐章结构。 1. 拍号的逻辑与数学基础： 详细解释不同拍号的构成方式，以及如何通过内部重音（Accent）的转移来保持听觉上的连贯性，而非仅仅是数拍子。我们将分析Yes乐队中那种既复杂又充满驱动力的律动是如何通过精确的乐器间对话实现的。 2. 节奏的“摇摆”与“锁死”： 探讨如何区分那些需要精确、如同古典乐般“锁死”的节奏段落（常见于King Crimson的早期作品），与那些依然保持摇滚乐根基的“律动感”的段落。书中将提供大量的节拍器练习，帮助读者将这些复杂的节奏内化为肌肉记忆。 3. 鼓与贝斯的互动哲学： 重点分析鼓手如何通过“填充”（Fills）来预示拍号的转换，以及贝斯手如何承担起连接和声与节奏的桥梁作用。例如，对Geddy Lee（Rush）在特定乐章中，如何以单音线同时驱动和声走向和保持节奏准确性的技巧进行案例分析。 第二部分：和声的拓展——超越布鲁斯基础 (Harmonic Expansion Beyond the Blues) 七十年代的前卫摇滚深植于古典音乐、爵士乐，乃至更远古的音乐传统。本书将引导读者脱离标准大小调和弦的思维定式。 1. 调式（Modes）的精妙运用： 系统性地介绍和讲解利底亚调式（Lydian）、弗里吉亚调式（Phrygian）以及多利亚调式（Dorian）如何被大量用于构建迷幻、空灵或紧张的听觉氛围。我们将解析Pink Floyd标志性的“太空感”音墙，很多时候正是依赖于这些非主流调式的选择。 2. 半音阶与增和弦的色彩： 探讨如何通过不协和音程和半音阶的行进，创造出戏剧性的张力。这不是为了制造混乱，而是为了服务于叙事。我们将分析如何将这种古典配器中的手法，成功地移植到摇滚乐的编曲中。 3. 键盘的拓扑学： 聚焦于Hammond B3、Mellotron（特别是其代表性的弦乐和笛声）在构建和声纹理中的关键作用。我们将提供如何模仿这些复古合成器音色的指法和音色设置指南。 第三部分：器乐的对话——即兴与结构化的完美融合 (Dialogue of Instruments) 前卫摇滚的魅力在于，它既有严谨的乐谱结构，又为乐手留下了广阔的即兴空间。 1. 独奏的叙事性： 分析吉他独奏不再仅仅是炫技，而成为了乐章中另一个“声乐段落”。如何设计一个独奏的“起承转合”，使其完美契合歌曲的情绪高潮与低谷？我们将拆解一些著名的、结构化极强的独奏段落的内部逻辑。 2. 动态控制的艺术： 前卫摇滚的音量变化（Dynamics）是其灵魂所在。从极静的Acoustic段落，到轰鸣的强力和弦爆发，其间的过渡必须天衣无缝。本书提供了大量的力度记号（p, mf, ff）在不同乐器间的协调练习。 3. 效果器链的哲学： 本部分不再是简单的效果器说明书，而是探讨如何利用特定的效果器组合（如法兹、镶边、相位、延迟的特定排列）来模拟七十年代那种“大片感”的音景。 四、实践导向与展望 本书最后一部分将提供一系列综合性练习，要求读者将节奏、和声、动态控制结合起来，尝试创作一个“迷你前卫组曲”。我们坚信，理解这些大师的技法，不是为了成为他们的复制品，而是为了汲取养分，为未来的音乐创作注入更深厚的结构智慧和更广阔的声音视野。 本书面向所有渴望突破传统摇滚乐界限的音乐人，它是一把钥匙，旨在解锁七十年代前卫摇滚音乐殿堂中，那些隐藏在复杂音符背后的创造力源泉。

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这本书的实用性达到了一个令人惊喜的高度。很多乐谱书的装帧往往是“易碎品”，翻几次就散架了，或者纸张质量太差，在潮湿的工作室环境下很快就会卷曲变形。然而，这本《One by One》的装订和纸张处理显然是经过深思熟虑的。它采用了那种可以平铺在谱架上的装订方式，这意味着你在练习时无需费力去压住书页，双手可以完全专注于乐器本身。此外，纸张的厚度和光泽度也恰到好处，在灯光下阅读不会产生恼人的反光，这对于长时间的视谱练习来说，极大地减轻了视觉疲劳。更让我欣赏的一点是，它似乎没有为了追求“完整性”而牺牲可读性。一些歌曲中极其复杂的、快速的鼓点或吉他Solo部分，都被巧妙地拆解成了更容易消化的片段，并在页眉或页脚处附带了简短的技巧提示。这表明编者在制作过程中，始终把自己放在一个正在学习和挑战这些曲目的音乐人的角度来思考，而不是高高在上的理论家。这种同理心，让这本书的上手难度大大降低，即便是中级水平的乐手，也能从中获得巨大的提升空间。

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从音乐理论和编曲欣赏的角度来看，这本书也提供了一个绝佳的切入点来解构Foo Fighters的创作思路。这张专辑是他们生涯中一个重要的转折点，融合了硬摇滚的力量和更成熟、内敛的旋律表达。通过这本书提供的精确记谱，我得以更清晰地看到Grohl是如何巧妙地运用和声色彩和节奏切分来制造情绪张力的。比如，在某些段落，你会发现吉他声部看似简单的重复，实则暗藏着半音阶的进行，这正是他们制造那种“既熟悉又不安”听感的秘诀。这本书没有对这些复杂的内部结构做过多文字上的赘述，而是用最直观的音符位置和节奏标记“展示”给你看。这是一种“Show, Don't Tell”的优秀教学理念。我甚至开始用这本书来研究他们的即兴段落是如何被固化和结构化的，这对于我自己的创作也产生了正向的启发。它教会我如何在保持摇滚乐的原始冲击力的同时，构建出更具音乐深度的作品。这绝不仅仅是一份“弹唱指南”，它更像是一本硬摇滚编曲的“解剖图谱”。

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这本书的封面设计得相当有品味，那种深邃的黑色背景，配上简洁有力的字体，一下子就抓住了我的眼球。作为一名资深的吉他手，我对那些能够深入剖析音乐结构的乐谱有着近乎苛刻的要求。拿到这本书的时候，我首先检查的就是排版的清晰度和准确性。坦白说，很多出版的“官方”乐谱在细节上都存在令人抓狂的错误，但这本《Foo Fighters - One by One (Transcribed Scores)》在这方面做得非常出色。音符、指法标记、力度记号，甚至是鼓点的细微节奏变化，都标注得清清楚楚，让人感觉就像是Dave Grohl本人在旁边手把手教你一样。尤其是对于那些标志性的连复段（Riff）的处理，比如“All My Life”开头那段爆发力十足的分解和弦，这本书的解析力度和还原度简直是教科书级别的。我花费了整整一个下午，逐一核对着我最拿手的几首歌，发现其对和弦张力的捕捉非常到位，完全避免了那种生硬的、缺乏情感的机械式转录。这不仅仅是一本乐谱集，它更像是一份对这张专辑精髓的深度解读报告，对于想要真正理解Foo Fighters音乐哲学的乐迷来说，简直是不可多得的宝藏。它的价值，远远超出了单纯的乐谱本身。

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每一次使用这本书，都像是一次与乐队精神的深度对话。Foo Fighters的音乐，尤其是“One by One”时期，充满了那种不屈不挠的能量和略带忧郁的旋律张力。这本书的转录精准到连吉他演奏时“推弦”（Bending）的幅度都被细致地标注了出来，这一点在许多同类出版物中是闻所未闻的。如果推弦不到位，哪怕音高对了，那种标志性的“哭腔”也出不来。这本书的细致程度，甚至延伸到了对不同音色（Tone）的暗示——通过特定的拨弦方式或和弦选择，告诉你原版录音中吉他失真踏板（Fuzz/Distortion）的运用哲学。这对于那些没有足够设备去完全复制原版音色的业余爱好者来说，提供了一个通过演奏技巧来弥补设备不足的有效途径。总而言之，这本书是为那些不仅想模仿，更想理解其核心灵魂的音乐人准备的。它耗费了编者巨大的心血，将那些潜藏在狂野Riff背后的缜密心思，用最清晰、最忠实的方式呈现了出来。它绝对值得每一个认真对待自己乐器演奏生涯的人收藏。

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翻开内页，首先感受到的是一种扑面而来的“真实感”。我一直觉得，判断一本转录乐谱的好坏，关键在于它如何处理复杂的情绪和动态变化。像“Times Like These”这样的作品，看似简单，实则充满了微妙的律动和层次感。这本书的厉害之处在于，它没有仅仅停留在基础音符的罗列上，而是深入到了Grohl标志性的“重击”和“轻柔”之间的转换。例如，在某些段落，它明确指出了鼓组的踩镲（Hi-Hat）应该如何开合，吉他的扫弦力度应该是“ppp”还是“mp”，这些细微的指示，对于想要模仿出原版录音质感的演奏者来说，是至关重要的信息。我试着按照书上的指示，特别注意了贝斯线在副歌部分的走向，以往我总觉得少了点“根音”的厚度，但这本书的转录，清晰地揭示了Pat Smear（或其他贝斯手）是如何用极简的线条支撑起整个乐队厚重感的。这种对细节的执着，让这本书从一堆平庸的转录品中脱颖而出，它不仅仅是让你“弹对”音符，更是让你“弹对”感觉，这才是衡量一本优秀乐谱的黄金标准。

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