日本戦後音楽史〈下〉前衛の終焉から21世紀の響きへ 1973‐2000 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:平凡社

作者:日本戦後音楽史研究会

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页数:556

译者:

出版时间:2007-05

价格:0

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isbn号码:9784582219692

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《战后日本音乐史：从前卫的终结到21世纪的回响（1973-2000）》 这是一段跨越三十载的音乐传奇，一段关于日本音乐在世界舞台上深刻演变的恢弘篇章。 本书的下卷，承接其上卷的宏大叙事，将我们带入一个充满剧烈变革与多元碰撞的时代。1973年，一个标志性的节点，预示着战后日本音乐，特别是其前卫艺术音乐的某个阶段的走向转变。而2000年，则为我们勾勒出一个崭新的世纪的音乐图景。这三十年，是日本音乐从追随者走向引领者，从本土探索走向国际化视野的关键时期。 前卫的余晖与新声的孕育：1973-1980年代初期 上世纪七十年代中期，尽管“前卫”的概念在西方音乐史中已经经历了几番潮起潮落，但在日本，前卫艺术音乐的探索依然在持续，并逐渐显露出新的形态。上一卷所描绘的激进实验、结构性创新以及对传统观念的挑战，在此刻并未完全销声匿迹，而是以更为内敛、甚至与大众文化融合的方式继续存在。 本书将深入剖析这一时期的音乐现场。在东京、大阪等都市的地下音乐空间，独立音乐人、先锋艺术家们继续着他们的声音实验。他们可能借鉴了欧洲的序列音乐、噪音音乐，也可能从中汲取灵感，但更重要的是，他们开始将这些抽象的音乐理念与日本特有的文化语境相结合。例如，对于传统日本音乐（雅乐、能乐、民谣等）的现代诠释，或者将俳句、浮世绘等意象融入音乐结构，都是当时前卫音乐家们常见的探索方向。 然而，1970年代中期也标志着前卫音乐某种程度上“走出”了纯粹的学术殿堂和极少数的爱好者圈层。一些前卫的理念开始渗透到更广泛的音乐领域。在摇滚乐中，我们能看到对复杂节奏、不协和音程的尝试；在流行音乐中，实验性的音色和编曲也开始崭露头角。这一时期的爵士乐，也摆脱了纯粹模仿西方模式的阶段，出现了带有鲜明日本民族色彩的融合爵士。 同时，电子音乐的兴起，为前卫探索提供了新的工具与可能性。合成器、采样器等技术的进步，使得音乐家们能够创造出前所未有的音响世界。这些技术革新，不仅服务于实验音乐，也逐渐改变着流行音乐的制作方式。 泡沫的喧嚣与摇滚的崛起：1980年代 进入1980年代，日本经济迎来了“泡沫经济”的鼎盛时期。这股经济浪潮深刻地影响了社会文化，也为音乐产业带来了前所未有的繁荣。唱片销量直线飙升，音乐演唱会规模空前，音乐成为了年轻人生活方式的重要组成部分。 在这样的背景下，摇滚乐在日本迎来了黄金时代。本书将详细介绍“日本摇滚”（J-Rock）的多元化发展。从早期的硬摇滚、朋克，到后来更具旋律性和艺术性的新浪潮（New Wave）、后朋克（Post-punk）以及地下摇滚（Underground Rock）场景，都呈现出蓬勃的生命力。 新浪潮与合成器流行： 受西方New Wave浪潮的影响，日本的乐队开始大量使用合成器，创造出富有节奏感、时尚感强的流行摇滚。这些音乐往往具有鲜明的视觉风格，与当时的时尚潮流紧密结合，例如YMO（Yellow Magic Orchestra）的电子音乐影响，以及之后诞生的许多偶像团体和城市流行（City Pop）音乐，都带有明显的合成器流行色彩。 地下摇滚的坚持与创新： 尽管泡沫经济带来了商业化的浪潮，但一批坚持独立精神的地下摇滚乐队，在东京、大阪等地维持着活跃的现场演出。他们可能受到英美朋克、独立摇滚的影响，但也发展出了独特的日本式能量与情感表达。这些乐队，如BOØWY、THE BLUE HEARTS，以及后来的X JAPAN等，虽然风格各异，但都为日本摇滚注入了强劲的生命力，并在各自的领域取得了巨大的成功，其中一些甚至成为现象级的文化符号。 视觉系摇滚的诞生： 1980年代后期，视觉系摇滚（Visual Kei）开始崭露头角。这种音乐风格强调华丽的服装、夸张的妆容以及充满戏剧性的舞台表演，音乐本身也融合了硬摇滚、金属、歌剧等多种元素。视觉系不仅是一种音乐类型，更是一种融合了音乐、时尚、戏剧的文化现象，深刻影响了后来的日本音乐与亚文化。 主流与非主流的交织：1990年代 1990年代，日本经济泡沫破裂，社会进入了一个相对沉寂的时期。然而，这种经济上的调整，反而激发了音乐创作的更多可能性。主流音乐市场依然庞大，但独立音乐、地下音乐也获得了更多的生存空间和发展机会。 另类摇滚与独立音乐的崛起： 受西方Grunge、Britpop等浪潮的影响，日本的另类摇滚（Alternative Rock）和独立音乐（Indie Rock）开始占据一席.部分乐队，如Number Girl、FliP etc.，以其独特的吉他音色、率真的歌词和充满能量的现场表现，赢得了广泛的关注。它们不再局限于模仿，而是形成了自己独特的风格。 舞曲与电子音乐的多元化： 随着全球电子音乐的复兴，日本的舞曲（Dance Music）和电子音乐（Electronic Music）也迎来了新的发展。从House、Techno到Trance、Drum and Bass，各种风格都在日本找到了自己的受众和本土化的表达方式。DJ文化逐渐兴起，夜店成为重要的音乐消费场所。 Hip-Hop与R&B的本土化： 1990年代也是Hip-Hop和R&B在日本真正意义上走向主流的十年。在学习和吸收西方音乐元素的基础上，日本音乐人开始用日语进行说唱和演唱，创作出更贴近本土社会现实与情感的作品。艺人们如宇多田光（Hikaru Utada）、安室奈美惠（Namie Amuro）等，通过其独特的风格和强大的市场号召力，将R&B和Hip-Hop推向了更高的平台。 动漫音乐的独立王国： 动漫（Anime）产业的蓬勃发展，催生了庞大的动漫音乐市场。许多优秀的作曲家、歌手通过为动画作品创作主题曲、插曲，获得了极高的知名度。这些动漫音乐，常常融合了流行、摇滚、古典等多种元素，并且拥有独特的叙事性和情感深度，形成了一个独立而又极具影响力的音乐领域。 21世纪的序曲：2000年代初期 进入2000年，本书的叙事将进入一个全新的世纪。互联网的普及，音乐分享平台的出现，以及数字音乐的兴起，都对传统的音乐产业模式产生了颠覆性的影响。音乐的传播方式、创作方式、消费方式都发生了深刻的改变。 在音乐风格上，我们可以看到更加多元化的融合。电子音乐与流行音乐的界限变得模糊，独立音乐与主流音乐相互渗透，各种风格之间的壁垒逐渐瓦解。互联网使得世界各地的音乐更容易被发现和传播，日本的音乐也在全球范围内获得了更广泛的听众。 本书的结尾，将勾勒出2000年左右日本音乐的大致轮廓。它不再是单一的风格或流派所能概括，而是各种力量相互交织、碰撞、融合的复杂生态。前卫的实验精神并未消失，只是以更隐晦、更融入日常的方式存在；大众的音乐需求依然旺盛，但选择也更加丰富。 本书的价值与意义： 《战后日本音乐史〈下〉》不仅是一部音乐史的记录，更是一面映照日本社会变迁、文化思潮演进的镜子。它揭示了在经济、政治、社会环境的变化中，音乐是如何产生、发展、演变，并最终成为连接个体与集体、过去与未来重要载体的。 本书的作者，通过严谨的学术研究和深刻的洞察力，将这一复杂而迷人的音乐图景展现在读者面前。它将帮助我们理解： 日本音乐如何从西方影响下逐渐发展出独特的民族特色。 音乐与社会、经济、科技之间的相互作用。 主流与地下音乐生态的此消彼长与相互影响。 青年文化、亚文化与音乐发展的紧密联系。 日本音乐在世界音乐版图中的独特地位与贡献。 阅读本书，您将踏上一段充满发现与启迪的音乐之旅，深入了解日本战后三十年间，那一段波澜壮阔、跌宕起伏的音乐史诗。它将为您展现一个更加立体、更加丰富的日本音乐世界。

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这本《日本戦後音楽史〈下〉前衛の終焉から21世紀の響きへ 1973‐2000》无疑是一部引人深思的音乐史著作，它将我们带入了一个日本音乐剧烈变革的时期。我读完后最大的感受是，作者对“前卫”概念的消解与重构进行了非常深刻的探讨。书中对于1970年代初那些激进的、试图颠覆传统的声音景观的努力，进行了细致入微的梳理。我特别留意到，作者并没有简单地将这些实验音乐视为昙花一现的产物，而是将其置于更宏大的社会文化背景下进行考察。比如，书中对某些音乐家如何回应当时日本经济高速发展带来的矛盾与焦虑，那种探索边界的冲动是如何被市场和大众文化逐渐吸收或排挤的过程，描述得入木三分。我感觉作者的笔触既有学者的严谨，又不失对音乐本身那种近乎痴迷的热情。那种试图在噪音、结构破碎中寻找新秩序的努力，被文字捕捉得相当到位，让读者能够清晰地感受到那个时代音乐家们在精神和技术层面的挣扎与探索，仿佛置身于那个充满电子嗡鸣和反叛精神的年代。

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坦白说，初次翻阅时，我曾担心其跨度如此之大（从1973到2000年），内容会显得过于庞杂，但作者的组织能力令人叹服。书中对不同音乐社群内部的权力动态、审美冲突，乃至与更宏大的政治经济环境的互动，都有着多层次的解读。我尤其关注到，作者是如何处理“国际化”这一议题的，日本音乐如何吸收西方先锋理念，又如何反过来输出带有自身独特印记的声音。这种双向的文化流动被阐释得清晰明了。整本书行文流畅，论据扎实，即使对于不完全熟悉特定乐队的读者来说，其所构建的时代图景也是具有强大说服力的。它不仅仅是一部音乐史，更是一部关于一个国家在剧变年代里，如何通过声音来表达其身份认同和未来期许的社会学观察报告，读后让人对那个时期的文化生态有了更立体、更深沉的理解。

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阅读此书的体验，如同跟随一位资深的向导，穿越一片错综复杂的声音迷宫。我尤其欣赏作者在处理不同音乐流派交织时的那种精妙平衡。从后摇滚的内省到电子音乐的冰冷精确，再到独立场景的野蛮生长，每一部分都有其独特的逻辑和张力。最让我感到震撼的是，作者并没有将21世纪初的音乐简单地视为前一个时代的延续或衰退，而是挖掘了其中蕴含的“新的响动”——那种在信息爆炸和全球化背景下产生的、更加内化和碎片化的表达方式。书中对不同地域性音乐场景的对比分析尤为精彩，它展示了即便是面对相似的时代困境，不同城市和社群发展出的音乐语言又是何等迥异。这种对比让我开始重新审视我们习以为常的音乐分类，意识到“历史”的进程远比教科书上描述的要混沌和多维得多，而这本书就试图将这些混沌的脉络清晰地勾勒出来，令人拍案叫绝。

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这本书的文字风格对我来说，像是一次严谨却又充满情感的对话。我能感受到作者在梳理那些跨越了二十多年、涉及数百位音乐家和无数张唱片的浩瀚资料时所付出的心血。特别是在论及“前卫的终焉”这一主题时，作者的论述充满了思辨的张力。这并非宣告前卫精神的彻底死亡，而更像是对那种特定时代背景下“激进性”的重新界定。书中对技术革新如何反作用于音乐创作的分析极具洞察力，例如数字采样和合成器技术的普及，是如何在解放创造力的同时，也带来了一种审美上的同质化风险。我从中读出了一种深深的忧思：当一切都可以被轻易复制和重组时，真正的“突破”究竟意味着什么？作者没有直接给出答案，而是通过详实的历史梳理，引导我们去思考音乐与时代精神之间那永恒的、拉扯不休的关系，非常耐人寻味。

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作为一个对日本文化有涉猎的爱好者，我发现这本书在叙事上展现出一种独特的节奏感。它不像传统传记那样聚焦于个别英雄人物，而是更侧重于构建一个流动的、相互影响的“声音生态系统”。书中对地下场景的描述尤其生动，仿佛能听见那些简陋排练室里传出的不羁旋律。对于那些在商业主流和艺术边缘挣扎的音乐人，作者给予了充分的尊重和深入的剖析，展现了他们在夹缝中求生存的智慧与坚持。我特别喜欢作者对“氛围感”的捕捉，例如对特定音乐节或小型Live House氛围的细致描摹，让人感觉不仅仅是在阅读文字，更像是在亲身体验那些历史瞬间。这种身临其境的代入感，是很多枯燥的音乐理论著作所缺乏的，也正是这本书的迷人之处。

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