具体描述
本書は「彩色の虎の巻」とされる幻の技法書『丹青指南』を中心に日本画の文献を読みながら、実際にその記述を実験し、伝統的な日本画の技法を再確認して、現代画家の技法と比較することを試みた。
画材編（画材を知る；基底材；筆・硯・印）
技法編（彩色の方法と表現法；墨の法 ほか）
実技編（基本描法を学ぶ；日本画手習い）
制作への誘い（師と出会い、絵の心を学ぶ；絵の心と画家の言葉、画家は何故描くのか ほか）
《日式绘画秘传：从材料到技法的全方位解析》 本书并非简单地罗列日本绘画的各种材料与技法，而是一场深入日本传统绘画艺术的探索之旅，旨在为读者揭示那些传承已久、却鲜为人知的创作奥秘。它将带您走进一个由天然颜料、精致毛笔、特选纸张与细腻笔触构筑而成的艺术世界，让您在欣赏之余，更能理解其背后蕴含的深刻哲学与匠心独运。 第一篇：材质的根源——探索日本画的灵魂之笔 日本画的独特性，很大程度上源于其独特的材质选择。本书的第一篇将从最基础也最重要的“画材”入手，为您层层剥开这些看似寻常却蕴含深意的材料。 第一章：色彩的源泉——矿物与植物的炼金术 天然颜料的奥秘： 告别现代工业合成的廉价色彩，我们深入探寻日本画赖以生存的天然颜料。从富含铁元素的朱砂，到源自孔雀石的翠绿，再到经过层层提炼的钛白（称为“胡粉”），您将了解到这些色彩是如何从大地深处、植物根茎中被发掘、加工、再现的。我们将详细介绍不同颜料的物理与化学特性，它们在不同纸张上的显色效果，以及如何通过“练色”——一种古老的混合与研磨技法——来调配出独一无二的色泽。 朱砂（Saisyu）： 探讨其在地质分布、开采难度与传统炮制方法。了解它为何能在纸上呈现出温暖而深邃的红色，以及在古代日本绘画中扮演的重要角色。 群青（Gunjyo）与群绿（Ryokuyu）： 深入讲解蓝铜矿和孔雀石在古代提炼过程中的复杂工艺，以及它们所赋予作品的庄重与华丽感。我们将揭示不同品质的群青与群绿如何影响画面的透明度与光泽。 胡粉（Gofun）： 详细阐述牡蛎壳如何成为重要的白色颜料，以及其研磨精细程度对画面质感的影响。探讨胡粉在表现雪景、肌肤以及作为底色的重要性。 植物染料的再生： 探究茜草、紫草等植物是如何经过蒸煮、沉淀、烘干等一系列传统工序，转化为用于绘画的颜料。了解这些植物染料所能达到的微妙色彩变化，以及它们在某些特定画派中的应用。 矿物与植物颜料的结合： 探讨不同类别颜料在画面中的互动效果，例如如何利用胡粉的遮盖力，以及如何通过植物染料的半透明性来营造层次感。 技法的传承： 颜料的使用并非简单的涂抹，而是蕴含着精妙的技法。我们将介绍“练色”的每一个步骤，从选料、研磨、过筛到使用胶水（通常是动物胶）进行固着。理解不同颜料对胶水浓度的敏感度，以及如何通过调整胶水来控制颜料的附着力与扩散性。 第二章：笔的魂魄——毛笔的选材与运用 毛笔，作为日本画最直接的表达工具，其重要性不言而喻。本书将引导您认识不同材质、不同形态的毛笔，以及它们在绘制不同线条、色块时所展现出的独特魅力。 毛发的选择与特性： 深入分析不同动物毛发（如羊毛、兔毛、狼毫、鹿毛、貂毛等）的特性，包括它们的硬度、弹性、吸墨性以及毛锋的聚拢能力。我们将讲解为何某种毛发适合勾勒纤细的线条，而另一种则更适合大面积的晕染。 羊毛（Hitsuji）： 探讨其柔韧性，如何用于绘制流畅的曲线和细腻的肌理。 兔毛（Usagi）： 介绍其弹性适中，适合勾勒细节，以及在渲染层次方面的优势。 狼毫（Okami）： 分析其坚挺的笔锋，如何用于绘制锐利的线条和表现物体的轮廓。 貂毛（Itachi）： 讲解其极佳的弹性和聚拢性，如何用于精细的人物描绘和花鸟的纤毫毕现。 组合毛的智慧： 了解为何许多高级毛笔会将不同特性的毛发组合起来，以达到更佳的书写与绘画效果。 笔锋的塑造与控制： 学习如何根据绘画需求选择不同形态的笔锋，例如圆笔、扁笔、散笔等。掌握如何通过控制毛笔的倾斜角度、压力和行笔速度，来表现出不同的线条粗细、力度和质感。 笔的“呼吸”： 探讨如何在行笔过程中“吸墨”与“出墨”，理解笔墨的枯湿浓淡变化如何丰富画面。 笔触的力量： 分析不同笔触所传达的情感与意境，例如顿挫有力的线条如何表现刚毅，而轻柔流动的线条又如何传达婉约。 第三章：纸的生命——和纸的纹理与吸墨性 日本画多以“和纸”（Washi）为载体，这种古老的纸张拥有独特的质感、强度和吸墨性，极大地影响着画面的最终呈现。 和纸的制作工艺： 揭示传统和纸的制作流程，从楮（Kōzo）、三桠（Mitsumata）等植物纤维的采集、处理，到手工抄造、晾晒等过程。理解这些工艺如何赋予和纸独特的韧性、强度和细致的纹理。 楮纸（Kōzoshi）： 介绍其强韧的纤维结构，适合经受反复的渲染与描绘。 三桠纸（Mitsumatashi）： 探讨其细腻的表面，如何承载精细的笔触。 雁皮纸（Ganpishi）： 分析其光泽感和光滑度，以及在水墨画中的独特表现力。 纹理与吸墨性的影响： 详细讲解不同和纸的表面纹理（如“肌理”、“宣德”）如何影响颜料的附着，以及纸张的吸墨性如何决定了色彩的扩散范围和层次感。 “渗透”与“留白”： 探讨如何利用和纸的吸墨性来控制墨的浓淡晕染，以及如何通过“留白”来营造空间感和意境。 “肌理”的魔力： 分析和纸上自然的“肌理”如何为画面增添独特的质感，以及如何通过不同的渲染手法来突出或弱化这种肌理。 第二篇：技法的精髓——从勾勒到渲染的艺术 在掌握了构成日本画灵魂的材质之后，本书将带领您深入学习那些世代相传的绘画技法，让您理解日本画家如何将平面化的纸张转化为充满生命力的艺术作品。 第四章：勾勒的艺术——线条的生命力与表情 线条是日本画的骨骼，其变化万千，能够传递丰富的视觉信息和情感。 “铁线描”与“柳叶描”： 细致分析不同线条的描法，例如“铁线描”所表现出的刚劲有力，“柳叶描”所传递的柔美流畅。理解每一条线是如何通过笔的起承转合、行笔的快慢轻重来赋予生命力的。 起笔的韵味： 探讨如何通过不同的起笔方式（如“藏锋”、“露锋”）来表现线条的起始力度。 行笔的节奏： 分析笔在行进过程中如何通过速度、压力和角度的变化，来制造线条的粗细、浓淡和顿挫。 收笔的意境： 讲解如何通过不同的收笔方式（如“提笔”、“回锋”）来赋予线条生命的终结，留下回味。 轮廓线与肌理线： 区分表现物体的轮廓线以及描绘物体表面肌理的线条。学习如何运用不同的笔触和墨色，来区分表面的光滑与粗糙，表现物体的体积感和质感。 第五章：渲染的魔法——层次、透明与光影的营造 色彩的运用并非简单的铺陈，而是通过精妙的渲染技法，赋予画面层次、透明感和生命的光影。 “层染”与“晕染”： 深入讲解“层染”——一层一层地叠加色彩，通过颜料的透明性来营造深邃的层次感。学习“晕染”——利用水的流动性，将色彩自然地融合、过渡，形成柔和的渐变效果。 “枯染”与“湿染”： 探讨水份控制对染色的影响，以及如何通过“枯染”来表现干涩的质感，通过“湿染”来营造湿润的效果。 “面相”的运用： 学习如何利用“面相”——一种特殊的渲染手法，来表现人物的面部表情和肌肤的细腻光泽。 “金泥”与“银泥”的应用： 探索金泥和银泥在日本画中的运用，它们不仅仅是装饰，更能通过其独特的光泽，在不同光线下呈现出变幻莫测的视觉效果，增强画面的神圣感和高贵感。 “打金”与“擦金”： 了解将金箔或金泥附着在纸上的不同方法，以及如何通过“擦金”来营造 subtle 的闪光效果。 第六章：细节的刻画——神韵的捕捉与精神的传递 日本画追求的是“神韵”，是对事物内在精神的捕捉，而非简单的形似。 “点睛”之法： 学习如何通过对眼睛、花蕊、叶脉等细节的精细刻画，来赋予画面生命力。特别强调“点睛”在人物和动物绘画中的关键作用，一个眼神便能传递丰富的情感。 “留白”的智慧： 探讨在描绘细节时，如何巧妙地运用“留白”，来表现光线的反射，或是暗示未尽之意。 “墨韵”的深沉： 深入理解墨在黑白之间的无限变化。从浓重的“焦墨”，到淡雅的“宿墨”，再到富有层次的“积墨”，探讨墨色如何通过自身的浓淡干湿变化，来表现物体的体积、质感以及画面的意境。 “焦墨”的力度： 学习如何运用焦墨来勾勒坚硬的轮廓，或表现阴影的深邃。 “宿墨”的韵味： 探讨宿墨那种独特的干枯、涩滞之感，如何表现古旧的物件或饱经风霜的景物。 “积墨”的层次： 分析积墨如何通过层层叠加，营造出丰富的墨色变化和立体感。 第三篇：实践与感悟——融汇古今的创作之道 本书并非止步于技法的介绍，更着眼于如何将这些古老的技法融入现代的创作之中，以及如何从日本画的精髓中汲取灵感，形成自己独特的艺术语言。 第七章：构图与留白——虚实相生，意境无穷 日本画的构图往往简洁而富有张力，其“留白”更是画面的重要组成部分，蕴含着无限的意境。 “三远法”与“平行透视”： 介绍日本画独特的空间表现手法，如何通过“高远”、“深远”、“平远”来营造画面的纵深感。 “留白”的哲学： 深入探讨“留白”并非简单的空白，而是“虚”的意境，是留给观者想象的空间，是“虚实相生”的艺术哲学。学习如何通过留白来引导观者的视线，突出画面的主体。 第八章：写意与写实——精神性的追求 日本画在追求形似的同时，更注重对事物内在精神的表达，即“写意”。 “写意”的奥秘： 讲解如何通过概括、提炼，捕捉事物的本质特征，而非拘泥于细枝末节。学习如何用简练的笔墨，传达出画面的生命力和情感。 从写实到写意： 分析一些经典的日本画作品，探讨艺术家是如何从对客观事物的细致观察，升华到对事物内在精神的表达。 第九章：传承与创新——在传统中寻找现代的声音 本书的最终目的，是希望读者能够理解日本画的精髓，并在自己的创作中有所启发。 经典作品的解读： 通过对历代大师名作的深入解读，学习他们是如何运用材质与技法，创造出不朽的艺术。 融入现代语境： 探讨如何在保留传统韵味的同时，融入现代的审美观念和创作技巧，为日本画注入新的生命力。 《日式绘画秘传：从材料到技法的全方位解析》是一本旨在为您打开日本画艺术宝库的书籍。它不仅是材料与技法的指南，更是关于如何“看”画、“懂”画、“画”画的深刻启示。无论您是初学者还是有一定基础的艺术家，都能从中获得宝贵的知识与灵感，踏上属于您自己的日本画创作之路。
作者简介
小川幸治［オガワコウジ］
１９４８年東京都中央区に生まれる。１９７２年東京芸術大学日本画科卒業。１９７４年東京芸術大学大学院修了。武蔵野美術短期大学講師の後、女子美術大学短期大学部講師、読売文化センター講師、華学園講師。日本美術家連盟会員（本データはこの書籍が刊行された当時に掲載されていたものです）
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竟然买了一本，在同类书中显得非常实在，对画材与基础技法部分进行了初步扫盲。纯技术——也许不太适合玩票。最后列出的新日本画，难以接受。
评分竟然买了一本，在同类书中显得非常实在，对画材与基础技法部分进行了初步扫盲。纯技术——也许不太适合玩票。最后列出的新日本画，难以接受。
评分到手啦~
评分竟然买了一本，在同类书中显得非常实在，对画材与基础技法部分进行了初步扫盲。纯技术——也许不太适合玩票。最后列出的新日本画，难以接受。
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