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出版者:A & C Black Publishers Ltd

作者:Mary Kidd

出品人:

页数:144

译者:

出版时间:1996-05-31

价格:GBP 16.99

装帧:Hardcover

isbn号码:9780713644456

丛书系列:

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舞台魅影：服饰的无声叙事 一本深入探索舞台服装设计历史、理论与实践的深度著作。 本书并非聚焦于某一特定剧目的服装设计，而是将时间轴拉伸，跨越数个世纪的戏剧、歌剧、芭蕾乃至现代舞台表演的演变历程。我们试图揭示，服装不仅仅是角色的外在装饰，更是叙事结构中不可或缺的视觉语言，是连接历史背景、人物内心世界与观众情感体验的桥梁。 第一部分：源起与奠基——从祭祀到剧场 本部分追溯了舞台服装的史前根源与古典形态。我们将从古希腊的戏剧面具与程式化的服饰入手，探讨其宗教仪式功能与象征意义。重点分析古罗马剧场中，服装如何服务于宏大叙事和角色类型的快速识别。 随后，目光转向中世纪的神秘剧与道德剧。在这些以宗教教义为核心的演出中，服装的象征性达到顶峰——天使的白袍、恶魔的兽皮，它们无需台词即可完成身份的昭示。本章深入剖析了文艺复兴早期，意大利宫廷盛会与“即兴喜剧”（Commedia dell'arte）中服装的社会阶层表达。我们详细描绘了哈乐奎（Harlequin）菱形服装的演变，以及各行会服装如何被提炼和符号化，成为日后舞台定型的原型。 第二部分：巴洛克与洛可可的华丽密码 十七世纪至十八世纪是舞台服装从“模仿生活”向“艺术化呈现”过渡的关键时期。本章聚焦于路易十四宫廷的奢靡风尚如何渗透进歌剧与芭蕾舞剧的设计中。 我们将细致考察法国古典主义悲剧对历史服饰的理想化处理。此时的服装设计开始注重对称性、宏伟的轮廓与昂贵的面料（如丝绒、锦缎）。重点分析了这种“古典化”的服装如何帮助确立欧洲剧院的规范性审美。 洛可可时期，服装则转向轻盈、柔美与异国情调的追求。本部分将用大量图例展示当时的戏服草图，探讨色彩学在舞台上的首次系统性应用——即如何通过冷暖色调的对比来烘托场景氛围，而非仅仅模仿时装。 第三部分：革命与现实——十九世纪的审美冲突 十九世纪是戏剧艺术的动荡期，这也直接反映在舞台服装上。本章探讨了浪漫主义的兴起对服装的解放作用。拜伦式的英雄、幽灵般的吉赛尔，他们的服装摆脱了僵硬的宫廷束缚，转而强调流动性、情感的张力和对自然的崇拜。 随后，我们将进入历史考证的萌芽阶段。随着历史学和考古学的进步，剧作家和设计师开始尝试“还原”历史场景。但这往往导致两种极端：要么是过度奢华的戏仿，要么是刻板的制服化。本章详细比较了瓦格纳歌剧对北欧神话服装的重新诠释，以及早期写实主义戏剧对现代服装的初步尝试。 第四部分：现代性之声——从斯坦尼斯拉夫斯基到先锋派 本部分是本书的核心，重点关注二十世纪以来，舞台服装如何作为一种独立的艺术媒介参与到戏剧的整体创作中。 我们将分析斯坦尼斯拉夫斯基体系对服装的“内在真实性”要求。服装不再是装饰，而是角色“穿在身上的生活”。这推动了材料的革新与对质感的精细处理。 紧接着，我们转向先锋戏剧的颠覆。俄罗斯构成主义、包豪斯学派（如施穆克瓦尔德的作品）如何将服装解构为几何图形和功能性结构，探讨服装如何表达“机械时代”的精神。本章将详细阐述“非现实主义”服装设计的理论基础，例如利用光影和材质的极端对比来营造心理空间。 第五部分：材料、技术与未来展望 本部分聚焦于舞台服装设计的工程学与技术层面。我们探讨了现代面料科学（如防火材料、可伸缩纤维）如何拓展了设计师的创作边界。对灯光与服装的交互作用进行了深入分析，包括荧光材料、LED 嵌入式设计在当代大型制作中的应用。 我们还探讨了数字技术的影响：从 CAD 设计到 3D 打印技术在道具与配饰制作中的应用。最后，本书展望了虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术对未来舞台服装概念的冲击——当物理服装的边界被打破时，设计师将如何重新定义“穿戴的艺术”。 总结 本书旨在为舞台服装的理论研究者、服装设计师、戏剧史学者以及所有对视觉艺术与舞台表演交集感兴趣的读者，提供一个全面、深入、且富有洞察力的参考框架。它描绘的不是某件衣服的肖像，而是服装在舞台上无声对话的历史长卷。

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《Stage Costume》这本书，可以说是一场关于服装与人类情感表达的深刻对话。我被书中对“情感色彩”在舞台服装设计中的运用所深深打动。作者并非简单地将颜色与情绪划等号，而是深入分析了不同颜色在特定文化背景和戏剧语境下所能传达的复杂情感。例如，书中对某个爱情悲剧的分析，让我明白了为什么设计师会选择鲜艳的红色来象征燃烧的激情，但同时，这种红色又因为其强烈的视觉冲击力，暗含着潜在的危险和毁灭。这种对色彩心理学的精准运用，着实让我惊叹。书中还详细阐述了服装的廓形和线条如何传达角色的性格特征，从柔美的曲线到硬朗的直线，从繁复的层次到简洁的剪裁，每一种选择都蕴含着设计师对角色的深刻理解。我记得书中对某个反派角色的服装分析，其中关于其服装棱角分明、不对称的设计，如何视觉化地表现出角色的阴险狡诈和内心扭曲。作者的叙述语言充满诗意与哲思，他能够将抽象的设计理念，用引人入胜的故事和深刻的洞见娓娓道来，让我读得如饮甘泉。这本书让我认识到，舞台服装的设计，不仅仅是外观的塑造，更是对人类复杂情感世界的细腻捕捉和视觉化呈现。

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《Stage Costume》这本书，可以说是一次关于视觉艺术与表演美学的深刻探索。我被书中对服装色彩理论在舞台上的运用所深深吸引。作者不仅仅是简单地罗列颜色，而是深入剖析了不同颜色所能引发的心理联想，以及它们如何在舞台上与其他元素互动，共同营造出特定的氛围和情感基调。例如，书中对某个心理剧作品的分析，让我明白了为什么设计师会选择深邃的蓝色来表现角色的忧郁，或者鲜亮的黄色来象征希望的破灭。这种对色彩心理学的精准运用，着实让我惊叹。书中还详细阐述了服装的材质对舞台效果的影响，从丝绸的垂坠感，到天鹅绒的厚重感，再到金属质地的冷峻感，每一个选择都蕴含着设计师的深思熟虑。我记得书中对一个古代史诗剧的服装分析，其中对于金属盔甲在灯光下的折射效果的描绘，让我仿佛看到了战场的硝烟和英雄的英姿。作者的叙述语言极富感染力，他能够将抽象的设计理念，用生动形象的比喻呈现出来，让我能够轻松地理解并产生共鸣。这本书让我明白，舞台服装的设计，绝非简单的“披挂”，而是一门融合了美学、心理学、历史学和社会学等多学科的艺术。

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我必须承认，《Stage Costume》这本书，以一种我从未预料到的方式，触及了我内心深处对美的追求。书中对服装材料选择的精妙分析，让我对不同材质在舞台上的表现力有了全新的认识。作者并非简单地列举丝绸、棉麻、皮革等材料，而是深入探讨了它们各自的物理特性，以及如何在舞台灯光、演员表演等多种因素的影响下，呈现出令人惊叹的视觉效果。我尤其对书中关于“轻盈与厚重”的对比论述印象深刻，它解释了为什么在表现角色的飘逸灵动时，设计师会选择轻纱或雪纺，而在表现角色的沉稳坚定或悲伤沉重时，则会选择厚重的丝绒或粗粝的麻料。这种对材料物理属性的深刻理解，让我看到了服装设计师的匠心独运。书中还对一些非常规材料在舞台服装中的运用进行了介绍，例如金属、塑料、甚至回收材料，这些大胆的尝试，拓展了我对服装设计边界的认知。作者的文字充满画面感，他能够用生动形象的语言，将材料在舞台上的质感、光泽、垂坠感描绘得栩栩如生，让我仿佛能够触摸到那些真实的服装。这本书让我明白，服装的设计，是一场与材料的对话，也是一场与观众感官的交流。

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这部《Stage Costume》实在是一本让我爱不释手、时常捧读的书。从封面设计那充满艺术感的压纹和低调奢华的色调开始，我就预感到它与众不同。翻开扉页，墨香扑鼻而来，纸张的触感细腻而有质感，仿佛在暗示着里面将要展开的，是一段沉浸式的视觉与思想的旅程。我迫不及待地开始阅读，首先映入眼帘的是作者对于舞台服装起源的溯源，那种对历史细节的考究，对不同时期社会文化背景下服装演变逻辑的洞察，着实令人叹服。书中没有流于表面地罗列服装的式样，而是深入到每一件戏服背后所承载的象征意义，它如何塑造角色，如何烘托剧情，如何与灯光、布景、音乐等其他舞台元素融为一体，形成一个完整的艺术表达。作者的叙述语言充满画面感，仿佛我置身于古希腊的剧场，感受着希腊悲剧演员华丽而沉重的服饰；又或是穿越到莎士比亚的环球剧院，目睹着宫廷贵族与平民百姓在舞台上衣着的鲜明对比。书中对具体剧目服装的分析更是精彩绝伦，通过对某个特定角色的服装设计的剖析，我看到了服装设计师如何通过颜色、材质、廓形、装饰等一系列手段，将一个抽象的角色形象具象化，赋予其生命和灵魂。比如，书中对某一部历史剧中，某位王后服装的解读，让我明白了同一件服装，在不同场景下，通过演员的演绎，所传达的情感和力量可以有多么大的差异。我常常会停下来，想象着那个场景，思考着服装设计师的匠心独运。这本书不仅仅是关于服装的，它更是一本关于戏剧艺术、关于人类情感表达、关于视觉叙事的百科全书。我从中获得的启发，远远超出了我对舞台服装的认知范畴。

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当我拿到《Stage Costume》这本书时，我第一反应是它可能是一本偏向专业性，甚至有些枯燥的学术著作。然而，当我翻开第一页，就被一种前所未有的阅读体验所吸引。这本书的魅力在于它将严谨的学术研究与生动的故事叙述巧妙地结合起来。作者并非简单地陈列数据和理论，而是通过一个个鲜活的案例，一段段扣人心弦的创作历程，带领读者走进舞台服装设计的幕后世界。我尤其被书中关于“非现实感”的讨论所打动，它阐释了舞台服装如何超越日常服饰的界限，通过夸张、变形、象征等手法，来增强戏剧的表现力和感染力。书中对某个实验性戏剧中，服装如何成为表达角色内心冲突的视觉语言的分析，让我耳目一新。我之前从未从这个角度思考过服装的意义。作者对不同时代、不同文化背景下舞台服装的演变进行了细致的梳理，从中我看到了服装与社会思潮、科技发展、审美观念的相互影响。例如，工业革命对服装材质和制作工艺的影响，以及它如何反映在舞台服装的变革中。书中的插图同样功不可没，那些精美的草图、效果图和实物照片，如同电影画面一般，将文字所描绘的场景活灵活现地呈现在眼前。我常常会一边阅读一边对照图片，仿佛自己也成为了一名现场观众，亲临其境地感受舞台的魔力。这本书的价值不仅仅在于知识的传递，更在于它能够激发读者的想象力，培养一种全新的艺术审美视角。

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翻开《Stage Costume》，我立刻被它所展现出的艺术魅力所折服。这本书并非简单地陈列舞台服装的图片，而是以一种极富人文关怀的视角，深入探讨了服装与人物命运、与时代变迁之间的微妙联系。我尤其被书中关于“角色弧光与服装演变”的章节所吸引。作者通过对某个经典戏剧中，主角服装随着剧情发展而发生的细微变化，细腻地展现了角色内心的成长、挣扎与转变。我仿佛看到了一个年轻的英雄，从最初朴素的服装，逐渐披上象征责任的战甲，最终在历经磨难后，服装的磨损和陈旧，却成为了他人生阅历的勋章。这种对服装细节的关注，让我看到了作者作为一位艺术家的敏锐观察力。书中对不同年代的舞台服装风格的梳理，也让我对时尚的周期性及其与社会文化的互动有了更深刻的理解。我惊讶于一些看似过时的服装元素，在新的时代背景下，如何被重新解读和运用，焕发出新的生命力。作者的文字流畅而富有诗意，他能够将复杂的设计原理，用生动有趣的语言表达出来，让我读起来丝毫不会感到枯燥。这本书让我认识到，服装不仅仅是身体的庇护，更是心灵的映射，是历史的见证。

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在我深入阅读《Stage Costume》的过程中，我越来越感觉到这本书不仅仅是在讲述舞台服装的历史和技巧，更是在探索人类通过视觉符号来表达自我、构建身份的深刻主题。书中对不同文化背景下，舞台服装如何被用来象征社会阶层、宗教信仰、甚至政治立场进行了非常引人入胜的阐述。我尤其对书中关于“权力与服装”的章节印象深刻，它详细解读了在许多戏剧作品中，君王、贵族或宗教领袖的服装是如何通过其材质的珍贵、颜色的象征意义、以及廓形的威严来视觉化地强化他们的权威和地位。我以前仅仅是看到这些服装觉得华丽，但这本书让我明白了，每一处细节都蕴含着深刻的社会和文化含义。书中对于“禁忌与诱惑”的服装设计分析，同样让我感到兴奋。它揭示了服装如何在舞台上突破道德和社会规范的界限，通过大胆的裸露、奇特的造型来引发观众的思考和讨论，甚至成为社会变革的催化剂。作者的笔触细腻而富有洞察力，他能够将复杂的设计理念，用通俗易懂的语言表达出来，让我这个非专业人士也能津津有味地读下去。这本书让我重新审视了服装在我们日常生活中的作用，原来，我们无时无刻不在通过服装来“表演”自己，只是在舞台上，这种“表演”被放大、被聚焦、被赋予了更深刻的意义。

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《Stage Costume》这本书，为我打开了一扇通往戏剧艺术瑰丽世界的大门。我被书中对于服装与空间关系的探讨所深深吸引。作者解释了在不同大小、不同风格的舞台空间中，服装的设计会如何根据空间的需求进行调整，以达到最佳的视觉效果。例如，在大型歌剧院中，服装需要更夸张、更醒目的设计，才能在遥远的观众席中依然清晰可见；而在小型黑匣子剧场，则可能需要更细腻、更贴近现实的设计，以营造亲密的观赏体验。这种对空间感的考量，让我看到了服装设计背后那严谨的科学性。书中还详细阐述了服装与灯光设计之间的相互作用，灯光如何改变服装的色彩、质感，甚至赋予服装生命。我记得书中对某个现代舞作品的分析，其中关于服装如何在跳跃的灯光下产生变幻的视觉效果的描述，让我仿佛置身于一场光影的盛宴。作者的笔触充满了激情与才华，他能够将枯燥的技术性知识，用引人入胜的故事和生动的比喻娓娓道来，让我读得如痴如醉。这本书让我明白，舞台服装的设计，是一门需要高度综合素养的艺术，它需要设计师既要有艺术家的创意，也要有工程师的严谨。

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当我翻开《Stage Costume》这本书时，我立刻被它所营造出的艺术氛围所吸引。这本书并非仅仅是一本关于服装的图册，更是一本关于“时间”与“记忆”在服装中沉淀的哲学思考。我被书中对“服装的陈旧感”与“历史的痕迹”的精妙解读所打动。作者深入探讨了设计师如何通过服装的磨损、褪色、甚至修补的痕迹，来暗示角色的经历、生活的艰辛，以及时间的流逝。我尤其对书中关于某个历史人物传记剧的服装分析印象深刻，其中关于主角服装上那些看似不经意的褶皱和破损，如何成为他一生坎坷命运的无声诉说。这种对细节的关注，让我看到了作者对历史和人性的深刻洞察。书中还对不同年代的服装风格进行了详尽的梳理，让我看到了时尚的变迁如同河流，在历史的长河中不断冲刷、融合，又形成新的景观。我惊讶于一些在特定历史时期被视为前卫甚至叛逆的服装，在今天看来，却充满了复古的韵味。作者的笔触细腻而富有感染力，他能够将复杂的历史信息，用生动有趣的语言表达出来，让我读起来丝毫不会感到枯燥。这本书让我明白，服装不仅仅是身体的衣物，更是时间的容器，是记忆的载体，是历史的活化石。

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《Stage Costume》这本书，我必须说，它以一种极其令人惊喜的方式，颠覆了我对“服装”这个词的固有印象。在此之前，我所理解的服装，大多局限于日常穿着，或是时尚杂志上的潮流展示。然而，这本书将我带入了一个截然不同的维度——舞台上的服装，不仅仅是蔽体之物，更是故事的载体，是角色的灵魂，是情感的放大器。我被书中关于“服装即表演”的理念深深吸引。作者用诗意的语言，描绘了服装如何在舞台上“呼吸”、“歌唱”、“流泪”。其中关于某个歌剧女主角的服装分析，让我明白了仅仅一件华丽的礼服，如何通过其繁复的层叠、耀眼的光泽，以及演员每一次转身时的摆动，来传达出角色的虚荣、脆弱和最终的悲剧命运。书中探讨了服装与观众心理的互动，它如何引导观众的目光，如何激发观众的情感共鸣，甚至如何影响观众对角色的判断。我惊讶于服装设计师所拥有的如此强大的叙事能力。书中对不同服装材质的运用，以及这些材质在光影下的变化所产生的戏剧效果的描述，也让我大开眼界。我从未想过，一块简单的丝绸，在舞台上可以如此多变，它可以是少女的轻盈，可以是皇后的威严，也可以是老妇的沧桑。这本书让我看到了服装设计背后那令人难以置信的创造力和智慧。

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