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出版者:Hatje Cantz Publishers

作者:Nailja Allachwerdijewa

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2002-07-15

价格:USD 24.95

装帧:Paperback

isbn号码:9783775711722

丛书系列:

图书标签:

• 俄罗斯艺术
• 当代艺术
• 艺术史
• 艺术评论
• 文化研究
• 绘画
• 雕塑
• 摄影
• 新媒体艺术
• 艺术展览

《现代欧洲陶瓷艺术史纲：从新艺术运动到数字时代的材料实验》 内容简介 本书旨在为读者提供一部全面、深入且富有洞察力的现代欧洲陶瓷艺术发展史。我们聚焦于一个宏大而又精妙的议题：在工业革命的冲击、两次世界大战的动荡以及全球化浪潮的推动下，欧洲陶瓷艺术如何在继承其悠久传统的同时，完成了对自身形态、功能和文化内涵的彻底颠覆与重塑。 本书的叙事结构遵循时间脉络，并辅以关键艺术流派与地域特色的交织分析，力求描绘出一幅立体而鲜活的现代欧洲陶瓷演进图景。我们清晰地划分出几个关键的历史阶段，并对每个阶段的代表性人物、核心技法以及哲学理念进行了细致入微的剖析。 第一部分：奠基与反叛——新艺术运动与工艺美术的余晖（约1880-1918） 本部分考察了在工业化大量生产的背景下，欧洲工匠们如何试图通过“回归手工”和“有机形态”来对抗机械美学。我们首先回顾了英国工艺美术运动（Arts and Crafts Movement）对工艺价值的重新强调，以及其对后续欧洲设计的影响。随后，重点剖析了新艺术运动（Art Nouveau）时期，如法国和比利时地区，陶瓷艺术家如何借鉴自然界的不对称性与流动线条，将实用器皿提升到纯粹的装饰艺术高度。特别关注了少数几个在这一时期便开始挑战传统造型、探索釉色化学反应的先驱者，他们为日后立体主义和现代主义的兴起埋下了伏笔。 第二部分：现代主义的介入——功能、形式与学院派的冲突（约1919-1945） 第一次世界大战后，欧洲艺术界对传统审美进行了彻底的反思。本部分详述了现代主义思潮如何渗透到陶瓷创作中。包豪斯（Bauhaus）的理念如何影响了德国（特别是格罗皮乌斯和玛莎·斯塔默的实践）对功能性和标准化生产的追求，以及他们如何将陶瓷视为现代生活环境的有机组成部分。同时，我们也探讨了立体主义（Cubism）和超现实主义（Surrealism）对陶瓷造型的颠覆性影响，探讨艺术家们如何利用陶土的塑性，表达心理层面和抽象的哲学概念，打破了传统陶器的“圆满”叙事。 此阶段，我们特别关注了斯堪的纳维亚地区（如丹麦和瑞典）涌现出的，以简洁线条和对材料本色的尊重为特征的“现代朴素主义”（Modern Simplicity），这为战后欧洲设计奠定了优雅、内敛的基调。 第三部分：战后复苏与“手作的回归”——战后的实验浪潮（约1946-1970） 二战的创伤促使艺术家们寻求更具个人化、情感表达强烈的艺术形式。本部分是全书最为丰富的部分之一，它详细记录了“工作室陶艺”（Studio Pottery Movement）在英国、美国（作为欧洲影响的延伸）和法国的蓬勃发展。 我们深入分析了以伯纳德·利奇（Bernard Leach）为代表的“东方影响”与西方现代主义的融合，即如何将东方陶艺对自然釉色、火候的尊重，与西方对个人表达的渴望相结合。着重探讨了法国大胆的“陶艺雕塑化”趋势，艺术家们不再满足于制作餐具或花瓶，而是将陶土视为一种可以进行大型空间叙事的雕塑媒介。同时，对当时新兴的“抽象表现主义”在陶艺中的体现进行了详尽的案例分析，研究艺术家们如何通过粗粝的肌理、随机的施釉，来表达战后个体的焦虑与自由。 第四部分：后现代的解构与概念的胜利（约1971-2000） 进入七十年代，陶瓷艺术开始面对后现代主义的挑战。本部分探讨了陶瓷从“实用艺术”向“纯粹艺术”过渡的关键转折。我们审视了女性主义艺术家如何利用陶瓷这一传统上被视为“家庭性”的媒介，来表达身份政治和社会批判。 重点介绍了“概念艺术”（Conceptual Art）对陶瓷实践的冲击。一些艺术家开始故意使用工业材料的仿制品，或故意制作“失败的”或“反功能”的作品，以质疑艺术品的价值和材料的固有属性。探讨了装饰性与非装饰性、公共艺术与私人收藏之间的界限是如何被模糊和重构的。 第五部分：数字时代与材料的未来——当代欧洲陶瓷的多元面貌（约2001至今） 本书的收尾部分聚焦于当代语境下的欧洲陶瓷艺术。在信息技术与全球互联的时代，陶瓷艺术家们展现出前所未有的广度和实验精神。我们分析了数字技术（如三维建模和快速原型制作）如何被整合进传统手工艺流程中，产生了“混合媒介”的新范式。 我们探讨了当代欧洲陶瓷对“可持续性”和“再生材料”的关注，以及这种关注如何重塑了釉料的选择和烧制工艺。最后，本书总结了当前欧洲陶瓷艺术界的主要趋势：对“工艺的深度”（Deep Craftsmanship）的重新强调，以及在极简主义美学与复杂叙事之间的动态平衡，展示了陶瓷艺术在当代艺术版图中的核心地位与无限潜力。 本书特色 本书不仅包含对艺术史和理论的扎实梳理，更通过大量精心挑选的、来自各大博物馆和私人收藏的高清案例图片（所有图片均已注明版权和出处），直观地展示了作品的纹理、光泽与结构细节。每章后附有关键艺术家年表和重要文献索引，是艺术史学者、设计专业学生以及所有对欧洲现代设计史感兴趣的公众的必备参考书。本书力求在学术严谨性与可读性之间找到完美平衡，呈现一个充满张力、不断进化的欧洲陶瓷艺术世界。

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这本书的语言风格极其古典、句式复杂，充满了长难句和晦涩的德语式（或俄语式）哲学阐释，这极大地拖慢了阅读速度。作者似乎偏爱使用大量描绘历史语境和社会结构的复杂术语，使得即便是描述一幅画的色彩运用，也要先铺陈半页关于“国家意识形态对视觉语言的结构性渗透”的理论。例如，在讨论一位艺术家的早期素描时，作者用了整整一个段落来分析其线条的“辩证性张力”，而非直接描述其艺术效果或创新之处。对于一个更习惯于简洁、直接、视觉驱动的当代艺术评论的读者来说，这种文本的密度令人望而生畏。我不得不反复查阅背景资料，以理解作者所指涉的那些早已淡出公众视野的文学批评家的观点。简而言之，这本书更像是为艺术史博士生准备的参考书，而非面向普通艺术爱好者的导览。它对“Now”的定义，可能就是指对“过去如何塑造了现在”的深入挖掘，但这种挖掘的深度是以牺牲可读性和时效性为代价的，读完后我感觉头脑里塞满了理论，但对眼前真实的俄罗斯艺术场景却依然一片迷茫。

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阅读体验上，这本书的排版设计透露着一种强烈的保守倾向。图片质量参差不齐，很多早期作品的扫描件显得灰暗模糊，而对当代作品的配图更是少得可怜，更别提那些只有目录文字描述而无图例的“重要展览”了。最让我困惑的是，书中对“俄罗斯艺术”的界定似乎过于地理化和民族化了。它似乎预设了一个统一的、有着清晰文化边界的“俄罗斯”身份，并在这个框架内探讨艺术家的创作。这种视角，在21世纪的全球互联背景下，显得有些狭隘。现在的艺术早已跨越了国界，与柏林、纽约、东京的艺术场景深度交织。我期望看到的是关于莫斯科的艺术家如何回应西方观念艺术的传入，或者圣彼得堡的年轻一代如何利用社交媒体进行反叛叙事。这本书却始终将焦点拉回国内，强调一种“不被西方同化”的纯粹性。这种强调，虽然可以理解其背后的文化自卫心态，但却使得书中的内容与我所观察到的、日益多元化和流动的当代艺术生态格格不入，读完后我并未感觉到对“现在”的俄罗斯艺术有任何新的认识，反而对过去有了更深的理解，这无疑是一种错位。

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这本书的装帧手感是极佳的，纸张的厚度和光洁度都透着一股老派的匠气，一看就是精心制作的出版物。但这种对物理媒介的执着似乎也蔓延到了内容的选择上。我原本希望了解的，是诸如基里尔·舍甫琴科（Kirill Shevchenko）那种解构历史符号的装置艺术，或是叶卡捷琳娜·伊万诺娃（Ekaterina Ivanova）那种融合了民间传说与后现代拼贴手法的绘画实践。然而，书中的章节结构更像是按时间线索推进的教科书式编排：从皇室赞助的学院派，到革命时期的宣传画浪潮，再到赫鲁晓夫解冻期对“非官方艺术”的有限容忍。叙事的口吻非常学术化，充满了对“艺术的民族性”和“社会主义现实主义的内在矛盾”的严肃探讨。例如，其中一章详细分析了特定时期艺术家如何巧妙地在不触犯审查的前提下表达不满，这无疑是严谨的史学研究，但对于一个想快速掌握当下艺术前沿动态的读者来说，这些分析显得过于冗长和侧重于“如何规避审查”，而非“如何创造未来”。我甚至觉得，作者更像是一位专注于苏联解体前艺术史的资深教授，而非敏锐的当代评论家，使得整本书的基调沉重而怀旧，缺乏对当前文化语境下新挑战与新可能性的激情。

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让我感到最为不解的是，全书在涉及任何可能带有争议性或政治敏感性的当代艺术实践时，采取了近乎回避的态度。书的后半部分，本来应该聚焦于2000年以后，却转向了对一些在体制内相对安全、专注于民间工艺复兴或风景画的艺术家的详细介绍。例如，对于那些因其激进的行为艺术或对社会不公的直接批判而闻名于国际艺坛的团体和个人，书中要么完全没有提及，要么仅仅是一笔带过，用模糊的措辞形容其“对公共空间的探索具有实验性”。这种“安全”的选择，使得这本书的“现今”变得非常驯服和温和，完全没有反映出俄罗斯当代艺术圈中那种暗流涌动、充满对抗性的活力。我购买此书，期待的是看到艺术如何撕开现实的伪装，而非被包装成一套精致、可供典藏的文化产品。这本书更像是一份经过层层筛选和美化的官方艺术简报，而非一部敢于直面冲突与创新的批评史。它避开了艺术的锋芒，留下了一个圆润而安全的“俄罗斯艺术形象”，这与我从国际新闻中了解到的前卫、甚至有些粗粝的现实艺术图景大相径庭。

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这部厚重的精装本，封面设计得极为低调，几乎是纯黑的底色，只有一行烫金的小字——《俄罗斯艺术现今》。我满心期待着能在这本书里一窥当代俄罗斯艺术的脉络与风貌，毕竟“Now”这个词暗示着紧跟时代的视角。然而，当我翻开第一页，映入眼帘的却是对19世纪批判现实主义画家巡回画派的详尽梳理，以及对苏维埃时期官方艺术政策的冗长分析。书中花了大量篇幅去解读列宾的社会关怀，对比佩罗夫的讽世之作，甚至细致到考证了俄国特定时期农奴生活的图景在画布上的投射方式。我理解历史背景的重要性，但既然书名指向“现在”，这种对过去的沉溺就显得有些失焦。阅读过程中，我不断地在寻找关于当代艺术家的只言片语——那些挑战传统、运用数字媒体、或者活跃在圣彼得堡非官方画廊里的新锐力量。书中的引用文献似乎也停滞在了上世纪九十年代初，对于后苏联时代精神的转变，对于全球化语境下俄罗斯艺术身份的重塑，全书只字未提，仿佛当代俄罗斯的艺术世界是一片静止的冰封之地，而这本书，就是一趟回溯到冰河时代的漫长旅程，让我感觉像是买了一本详尽的《俄罗斯艺术史入门》，而不是一本关于“此刻”的深度报告。期待中的新鲜血液在哪里？那些关于观念艺术、新达达主义或者数字抽象的探讨，在这个近六百页的庞然大物中彻底失踪了。

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