The World in Vogue

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出版者:Knopf
作者:Bowles, Hamish
出品人:
页数:400
译者:
出版时间:2009-11-17
价格:USD 75.00
装帧:Hardcover
isbn号码:9780307271877
丛书系列:
图书标签:
  • VOGUE
  • F
  • 时尚
  • 摄影
  • 文化
  • 艺术
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具体描述

Product Description

This one-of-a-kind book of 300 photographs of some of the most celebrated actors, artists, models, First Ladies, and social figures draws on stories that have appeared in the pages of Vogue over the past four decades, as well as photographs from those stories that have never been published. These trendsetters and newsmakers are captured by such famous photographers as Cecil Beaton, Jonathan Becker, Eric Boman, Horst P. Horst, Edward Steichen, Irving Penn, Richard Avedon, François Halard, Helmut Newton, Stephen Meisel, Snowdon, Toni Frissell, Bruce Weber, Herb Ritts, and Annie Leibovitz. Not only did these photographers take dazzling portraits—in studios or on location—that caught these iconic figures in classic, playful, or dramatic moments but they also documented their parties, weddings, houses, and gardens. Writers like Hamish Bowles, Paul Rudnick, Truman Capote, Francis Wyndham, Jeffrey Steingarten, Joan Juliet Buck, William Norwich, Gloria Steinem, Georgina Howell, Vicki Woods, Marina Rust, Michael Specter, and Jonathan Van Meter tell you the stories behind these figures and events.

Here are the glamorous weddings of Plum Sykes in Yorkshire, Lauren Davis in Cartagena, and Minnie Cushing in Newport; Truman Capote writing about cruising the Yugoslavian coast with Lee Radziwill, Luciana Pignatelli, and the Agnellis; gardens from East Hampton to Corfu designed by landscape architect Miranda Brooks; Inès de La Fressange’s apartment in Paris; Gloria Steinem reporting on the 540 masked partygoers at the Black and White Ball Truman Capote threw for Katharine Graham at the Plaza hotel; the gardens of Valentino’s seventeenth-century Château de Wideville, outside Paris; the designers, the best-dressed, and the stars at the annual Costume Institute party at the Metropolitan Museum; Mick Jagger and his family in Mustique; Jacqueline Kennedy and Michelle Obama; Kate Moss, Madonna, Angelina Jolie, Cate Blanchett, Ali MacGraw, Anjelica Huston, Nicole Kidman, Cher, Iman and David Bowie, Penélope Cruz, Charlotte Rampling, and many more.

Richly illustrated in black-and-white and color, The World in Vogue: People, Parties, Places is a stunning look at portraits, houses, gardens, and parties of celebrated figures from many worlds.

《光影流转:二十世纪时尚摄影的百年回响》 引言:定格瞬间的永恒魅力 时尚摄影,绝非仅仅是对服装和模特的简单记录,它是一门艺术,一门捕捉时代精神、折射社会变迁的独特媒介。从巴黎高级定制的精致幔帐,到纽约街头的叛逆风潮,摄影师们手持镜头,以光影为笔,记录下了二十世纪以来时尚界波澜壮阔的百年画卷。本书《光影流转:二十世纪时尚摄影的百年回响》旨在深入剖析这一艺术形式的发展脉络,探究那些定义了美学标准、引领了潮流风向的标志性瞬间及其背后的文化意涵。 第一章:先锋的萌芽与沙龙的黄昏(1900-1930年代) 本章追溯时尚摄影的起源,彼时,摄影术正从客观记录向艺术表达过渡。在启蒙初期,时尚影像主要服务于商业目的,刊登在早期的女性杂志上,多采用静态、僵硬的摆拍方式。然而,随着立体主义和达达主义思潮的兴起,摄影师们开始寻求突破。 1.1 摄影术的“艺术化”尝试: 重点探讨阿尔弗雷德·埃德格顿(Alfred Stieglitz)及其“等影派”对摄影纯粹性的追求,尽管其作品并非直接聚焦于商业时尚,但其对光影和构图的革命性理解,为后来的时尚摄影提供了坚实的艺术基础。 1.2 法国“高定”时代的肖像铭刻: 巴黎依然是世界的时尚之都。本节详细分析了科西·德·布兰奇(Korsakov de Blanche)和乔治·霍伊宁-休森(George Hoyningen-Huene)等早期大师的作品。休森的作品,以其希腊雕塑般的结构感和对布料质感的精妙捕捉,将商业摄影提升到了古典美学的层面。他如何利用简洁的背景和戏剧性的光线,赋予服装以超越实用性的叙事力量,成为本章的焦点。我们对比了当时《时尚芭莎》(Harper's Bazaar)和《美丽佳人》(Vogue,此处特指早期对时尚摄影概念尚未完全确立的时期)在呈现新装时的保守与创新。 1.3 商业与超现实的交织: 1930年代,大萧条的阴影笼罩全球,时尚摄影开始承担起“梦想制造机”的角色。超现实主义思潮深刻影响了时尚图像的叙事。曼·雷(Man Ray)和伊莫金·卡明斯基(Imogen Cunningham)的作品展示了对传统美学的解构。曼·雷对“太阳洗印法”(Solarization)的运用,使模特的皮肤和服装边缘产生奇异的光晕,模糊了现实与梦境的界限,挑战了观众对“美”的固有认知。 第二章:战火中的巴黎与战后美国的崛起(1940-1950年代) 第二次世界大战是时尚界的巨大转折点。欧洲的时尚工业遭受重创,而美国,尤其是纽约,迎来了成为全球时尚中心的契机。 2.1 战时简朴与优雅的坚守: 战时,时尚摄影必须在物资匮乏的背景下,展现出实用性与希望并存的美学。本章分析了在被占领的巴黎,摄影师们如何用极简的布景和强调结构感的拍摄手法,来表现克制的优雅。 2.2 迪奥“新风貌”与狄安娜的崛起: 1947年,克里斯汀·迪奥(Christian Dior)的“New Look”以其极度女性化的轮廓,宣告了战后对奢华与浪漫的渴望。爱德文·斯坦肯(Edward Steichen)在纽约大都会艺术博物馆策划的“人类大家庭”(The Family of Man)展览,虽然主题宏大,但其对人物肖像的深度挖掘,间接影响了时尚摄影对人物内在情感的捕捉。 2.3 理查德·阿维顿的“行动摄影”革命: 艾文·布雷顿(Irving Penn)和理查德·阿维顿(Richard Avedon)是这一时期的双子星。布雷顿倾向于工作室内的精确、近乎静物的拍摄,着重于材质的纹理。而阿维顿则彻底颠覆了工作室的沉闷。他将模特从高耸的基座上拉下,置于奔跑、跳跃的动态之中。他的作品《多佛街的跳跃的猫》(Dovima with Elephants)不仅是服装的展示,更是一场精心编排的舞台剧,标志着时尚摄影从静态肖像转向叙事性动态捕捉的里程碑。 第三章:时代的叛逆与青年的觉醒(1960-1970年代) “摇摆的六十年代”(Swinging Sixties)带来了社会和文化上的巨大解放,时尚摄影必须迅速跟上这种“反体制”的步伐。 3.1 摩登主义的胜利: 伦敦成为新的焦点,迷你裙、太空时代美学主导了视觉语言。大卫·贝利(David Bailey)是这场变革的先锋。他拒绝了高定沙龙的浮夸,将镜头对准了街头,捕捉到Twiggy等新一代“瘦弱”模特的青春气息和叛逆精神。本章详细分析了贝利如何利用快速的快门和自然光,捕捉到转瞬即逝的“摩登”神韵。 3.2 纪实风格的介入: 随着波普艺术和越南战争的冲击,时尚摄影开始吸收纪实摄影的元素。许多摄影师开始在非传统、甚至略显粗粝的背景下进行拍摄,模糊了纪实与摆拍的界限。海伦·莱博维茨(Helen Levitt)的街头观察,虽然主要关注普通市民生活,但其对瞬间的捕捉能力,为后来的街拍风格时尚摄影提供了范本。 3.3 颓废与肉体之美: 1970年代,反主流文化的影响深入骨髓。摄影开始拥抱真实、原始,甚至带有性暗示的表达。这一时期,时尚图像的焦点从“梦想”转向了“欲望”和“个体表达”。 第四章:浮华、商业化与“超级名模”的诞生(1980-1990年代) MTV时代的来临,意味着视觉图像被以前所未有的速度消费和传播。时尚摄影变得更加宏大、饱和,并与音乐产业紧密结合。 4.1 史诗般的场面调度: 赫尔穆特·牛顿(Helmut Newton)以其充满张力、带有强烈情色意味和权力暗示的黑白作品著称。他的女性形象是强悍、主导的,这与当时女性主义的讨论不谋而合。本章将对比牛顿的“控制感”与盖·波尔丹斯基(Guy Bourdin)作品中那更深层次的、心理层面的不安与神秘感,他们共同塑造了八十年代奢华、略带危险的美学基调。 4.2 超级名模现象的影像驱动: 辛迪·克劳馥、娜奥米·坎贝尔等超级名模的诞生,离不开几位关键摄影师的推波助澜。彼得·林德伯格(Peter Lindbergh)是这一时期最重要的人物之一。他拒绝了当时过度修饰和浓妆艳抹的审美,坚持使用自然光和极简的化妆,回归模特的本真面貌,强调骨骼结构和眼神中的故事性。他的作品为九十年代的“极简主义”和“真实美”浪潮奠定了基调。 4.3 极简主义的回潮与“解构”的开端: 面对八十年代的过度膨胀,九十年代初出现了强烈的反作用力。斯蒂芬·迈泽尔(Steven Meisel)通过精准的角色扮演和对社会议题的隐喻性表达,展示了时尚摄影如何超越服装本身,成为对文化现象的评论工具。 结语:跨越媒介的永恒对话 二十世纪时尚摄影的历史,是一部不断寻求突破、适应社会变迁的艺术史。从早期的肖像记录到今天的数字叙事,摄影师们始终在“商业需求”与“艺术表达”之间寻找微妙的平衡点。本书通过对关键时期、核心人物和代表作品的梳理,旨在揭示这些定格瞬间如何超越了它们被创作的目的——记录一件服装的样式——而是成为了我们理解一个时代、一种审美、乃至一个社会心理结构的重要窗口。这些光影的流转,至今仍在影响和塑造着我们对“美”的定义与想象。

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从排版和视觉呈现的角度来看,这本书达到了一个令人惊叹的高度。这不仅仅是把图片印在纸上那么简单,它更像是一场精心编排的视觉交响乐。每一页的设计都仿佛经过了无数次的斟酌,墨色、留白、字体选择,都在为内容服务,却又自身成为了一种强大的表达工具。很多跨页的大幅照片,在原版杂志上可能只是一闪而过,但在这里被赋予了充裕的空间去呼吸和展现其细节的精妙。光影的层次感、面料的纹理,通过高质量的印刷技术得以完美再现,让人几乎可以伸手触摸到那些丝绸的光泽或粗花呢的质感。这种对物理媒介的尊重和极致的工艺追求,在如今这个数字泛滥的时代显得尤为珍贵。它证明了最好的信息传递,仍然可以通过高质量的实体书来实现。这本书本身就是对“印刷品艺术”的一种致敬,非常适合在光线充足的午后,泡上一杯茶,沉浸其中,享受物质带来的愉悦。

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我购买这本书主要是希望系统地梳理一下特定时期内国际时尚杂志的演变脉络,这本书在这方面做得非常出色,它提供了一个宏观的视角,但也提供了足够多的微观案例来支撑其论点。它清晰地勾勒出了不同国家、不同文化背景下的时尚话语权是如何转移和演变的,比如巴黎的传统权威如何受到纽约的实用主义冲击,以及后来的日本和比利时先锋派如何颠覆既有的审美规范。作者在梳理这些复杂的历史节点时,展现了非凡的组织能力,使得读者不会在中途迷失方向。书中引用的档案资料和幕后访谈片段,为理解这些历史转折点提供了第一手的证据,极大地增强了内容的可靠性和说服力。对于研究视觉传播、媒体历史或者当代艺术史的学生来说,这本书无疑是一份极具价值的参考资料。它不仅仅记录了“什么流行了”,更解释了“为什么会流行”以及“它如何改变了我们看世界的方式”。

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这本书简直是一场视觉的盛宴,从翻开扉页的那一刻起,我就被深深地吸引住了。它不是那种干巴巴的理论堆砌,而更像是一部精心策展的时尚艺术史。那些跨越了世纪的影像,每一张都仿佛在低语着一个时代的故事。我尤其喜欢它对特定年代风格演变的捕捉,那种从战后的优雅到七十年代的自由奔放,再到八九十年代的超模时代,过渡得自然而又充满戏剧张力。摄影师们的作品选择非常独到,很多我以前从未在其他场合见过的珍贵老照片都被收录其中,让我对那个时期的时尚美学有了全新的认识。装帧设计本身也是一件艺术品,纸张的质感、排版的疏密有致,都体现出出版方对“美”的极致追求。读罢全书,我感觉自己不仅看了一堆漂亮的衣服和面孔,更是触摸到了一个伟大时代的脉搏和灵魂。对于任何对时尚摄影、视觉文化或者历史变迁感兴趣的人来说,这本书都是不容错过的珍藏。它不仅仅是一本“看”的书,更是一本“品”的书,需要你慢下来,细细品味每一张照片背后的光影和心绪。

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说实话,这本书的深度完全超出了我最初的预期。我原本以为它会停留在浮光掠影的“美好事物汇编”层面,但深入阅读后发现,它对时尚文化与社会思潮的关联性进行了相当深入的探讨。它巧妙地将时装设计置于更宏大的社会、政治甚至经济背景下去考察,揭示了裙摆的高低、面料的选择如何反映了女性地位的变化,以及全球化对审美的影响。特别是对一些标志性设计师的分析,不再是简单地罗列其代表作,而是挖掘了他们的创作哲学以及他们如何利用服装作为一种无声的社会评论工具。我特别欣赏作者在处理这些复杂议题时所展现的平衡感,既保持了学术的严谨性,又避免了陷入晦涩难懂的泥潭。这本书更像是一本引人深思的文化读本,它迫使你重新审视那些你习以为常的“时尚”符号,理解其背后的权力结构和文化符号意义。读完之后,我感觉自己对“美”的理解不再那么肤浅,而是多了一层历史的厚度和社会的维度。

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这本书的叙事风格简直是太迷人了,充满了老派的魅力和一种毫不费力的优雅感。文字的密度和节奏把握得恰到好处,读起来像是在听一位见多识广的长者娓娓道来那些尘封已久的时尚秘闻和幕后故事。没有那种生硬的教科书腔调,反倒是充满了个性和灵气。作者似乎非常擅长捕捉人物的情绪和场景的氛围,让你仿佛身临其境地感受到摄影棚里的紧张、T台下的骚动,以及那些标志性瞬间诞生的瞬间。我特别喜欢它对那些传奇人物——无论是模特、设计师还是造型师——的刻画,他们不再是高高在上的神祇,而是一个个有血有肉、充满矛盾和激情的个体。这种人性化的处理方式,极大地拉近了读者与那个看似遥不可及的时尚圈的距离。它让你明白,那些光鲜亮丽的画面背后,是无数次反复推敲、无休止的争执和灵光乍现的合作。读这本书的过程本身就是一种享受,它让你对“创造美”这件事产生由衷的敬意。

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