董源巨然合集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海人民美术出版社

作者:董源

出品人:

页数:51

译者:

出版时间:1984

价格:2.50元

装帧:8开

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丛书系列:

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好的，以下是针对一本名为《董源巨然合集》的图书所撰写的，内容完全不涉及董源和巨然的、详细的图书简介。 --- 《敦煌壁画艺术史论》 内容概要： 本书是一部全面而深入的敦煌壁画艺术研究专著，旨在梳理并解析自十六国时期至元代近千年间，敦煌莫高窟壁画在题材内容、图像学、艺术风格、社会文化背景及其演变规律等多个维度上的复杂历程。全书以严谨的学术态度和细致的图像分析为基础，力求超越传统的美术史叙事，将敦煌艺术置于中西文化交流、佛教思想流变以及社会政治变迁的宏大历史框架中进行考察。 第一部分：历史脉络与文化熔炉——敦煌艺术的形成与早期发展 本部分聚焦于敦煌艺术的肇始及其在北朝至隋唐时期的初步确立。首先，作者详尽考察了丝绸之路沿线多元文化（如犍陀罗艺术、克孜尔艺术、中原汉地传统）如何汇聚于敦煌，共同构筑了早期壁画的视觉母题与表现手法。 十六国及北魏时期： 重点分析了“说法图”和“佛本生故事”的叙事模式，讨论了早期的“病态美”与西域风格的融合，特别是对“凹凸法”和线条勾勒的初期运用进行了深入的辨析。书中通过对第275窟等早期洞窟的细致拓片比对，揭示了早期匠师在继承外来风格与本土化转化过程中的探索与挣扎。 北周时期： 探讨了佛教义理的深化如何影响壁画内容。本章侧重于对“经变画”的结构分析，特别是《弥勒变》和《维摩诘经变》中人物布局的严谨性与象征意义。同时，书中首次提出并论证了北周壁画中，世俗化元素（如供养人形象的写实化）开始抬头，预示着唐代艺术的世俗化趋势。 第二部分：盛唐气象与雍容之美——敦煌壁画的黄金时代 盛唐时期，敦煌艺术达到了前所未有的高峰。本部分将这一阶段的壁画视为大唐帝国文化自信与艺术成熟的缩影。 初唐的过渡与奠基： 分析了初唐时期（特别是武周时期）的过渡性特征，探讨了“丰肥健美”的审美转向如何通过笔法和设色的变化体现出来。重点研究了初唐“净土变”中空间处理的立体化尝试。 盛唐的巅峰： 集中分析了第158窟、第369窟等标志性洞窟。作者对盛唐“大势至菩萨”和“观音菩萨”的形象进行了细致的造型学分析，强调其圆润的体态、华丽的服饰以及“三道弯”造型的成熟运用。本章特别关注了盛唐水陆画（尽管存世有限）的构图原则，并将其与同时期长安、洛阳的艺术风尚进行对比，论证了敦煌作为文化枢纽的地位。 世俗生活的镜像： 深入研究了盛唐时期的供养人画、农耕狩猎图和乐舞伎乐图。通过对服饰、乐器、仪轨的考证，本书重建了盛唐河西走廊地区上层社会的物质文化与娱乐生活图景，展现了壁画作为“图像史料”的独特价值。 第三部分：中晚唐的流变与风格的多元化 中晚唐时期，随着藩镇割据和佛教思想的进一步世俗化，敦煌壁画呈现出风格上的复杂性与区域性差异。 晚唐的“减笔”与“粗犷”： 分析了晚唐和五代时期，尤其是在吐蕃统治后期和归义军政权初期的壁画变化。这一时期的作品在造型上趋于程式化，笔触更加简练甚至略显粗犷，色彩饱和度降低。本书认为这与社会经济的衰退和宗教虔诚度的变化相关联。 宋代（西夏）的图像学革新： 重点探讨了西夏统治时期敦煌艺术的区域性特色。西夏时期的壁画大量引入了密宗（金刚乘）元素，表现为复杂的坛城、多面多臂的忿怒像，以及对“十六罗汉”等叙事主题的偏好。作者详细比对了宋代中原流行图像（如苏轼、米芾的审美趣味）与西夏敦煌图像的差异，揭示了河西走廊在艺术上双重归属的局面。 第四部分：元代的融合与定格——宗教艺术的最后辉煌 本书的最后一部分聚焦于元代，考察了蒙古统治下藏传佛教艺术对敦煌风格的决定性影响。 萨迦派的影响： 详尽分析了元代坛城、唐卡风格与壁画的融合。这一时期的壁画在色彩运用上（如大量使用矿物颜料的厚涂法）和人物的脸谱化处理上，体现了鲜明的藏式风格。对元代“水陆画”的构图模式进行了详细的模式分析，指出其已经演变为一种高度符号化的宗教图解。 艺术的终结与保护： 本章最后回顾了莫高窟在元末明初的衰落过程，探讨了藏经洞发现的意义，并对壁画的材料科学保护问题进行了简要的总结，为这部千年艺术史画上了句号。 本书特色： 本书不仅是美术史的著作，更是一部社会史、宗教史的综合研究。它摆脱了单纯的“美学评判”，强调图像的“语境性”，通过对数千个独立图像单元的系统性编目和比较分析，为读者构建了一个宏大而精微的敦煌艺术知识体系。书中附有大量高清局部放大图，旨在让读者直观感受千年匠心。 ---

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作为一个长期关注中国传统文化，但又对学术研究保持一定距离的普通爱好者，我发现这本书在普及性和专业性之间找到了一个极其微妙的平衡点。它的学术性体现在其严谨的考证和深入的分析上，但它完全没有那种拒人于千里之外的学院派腔调。作者的叙述语言流畅自然，很多地方甚至带有一种娓娓道来的亲切感，让人在学习知识的同时，感到十分愉悦。比如，在介绍某位大家如何受到禅宗思想影响时，文字的描述充满了画面感，能够让读者清晰地感知到哲学观念是如何转化为笔下具体形态的。更难能可贵的是，它似乎还收录了一些罕见的、可能多年未曾展出的精品，使得即便是老读者也能发现惊喜。这本书的价值在于，它提供了一个可靠的、系统性的窗口，让人们得以窥见中国山水画艺术发展史上那些光芒万丈的瞬间，是值得反复品味和珍藏的佳作。

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这本书的装帧设计真是深得我心，那种温润如玉的触感，初拿到手就能感受到出版方对艺术品的尊重。封面选用的那种带有肌理感的纸张，让我想起了古代那些传世的书卷，扑面而来的是一种沉静而厚重的历史感。内页的印刷质量也无可挑剔，色彩还原度极高，那些山水画中微妙的墨色变化，即便是最淡的皴法也清晰可见，没有出现任何偏色或者糊版的情况。特别是对于那些细节丰富的作品，比如那些密集的点苔和披麻皴，每一个笔触的力度和走向都仿佛能穿透纸面，直达画家的胸臆。装帧的线圈或者胶装部分处理得非常牢固，可以平摊阅读，这对欣赏大幅面的山水画至关重要，不用担心书籍合拢会遮挡住画面的核心部分。我尤其欣赏它在版式编排上的匠心，留白恰到好处，既不显得空旷，也不至于拥挤，让每一幅作品都有足够的呼吸空间展示其独特的韵味。这本书的字体选择也颇为考究，宋体的秀雅与画作的古朴相得益彰，阅读起来是一种视觉上的享受，让人愿意花上几个小时沉浸其中，细细品味那些艺术的精粹。

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我最近在研究宋代绘画的“气韵生动”是如何在不同地域画派中体现的，这本书的收录角度非常独特，它没有采用那种流水账式的编年体叙述，而是侧重于对特定主题和技法演变脉络的深度挖掘。我发现它在比较不同画家的处理手法时，引用了许多鲜为人知的史料和鉴藏家的笔记，这些旁征博引极大地丰富了我的理解。比如，它对某一特定山石皴法的兴起和衰落进行了长篇的剖析，通过对比不同时期、不同流派的作品细节，构建了一个清晰的技法传承谱系，这比单纯的看图识画要高明得多。文字的表达方式非常精炼，但又不失学者的严谨和文人的风骨，读起来像是在与一位博学的老师对话，既有知识的灌输，又有思维的启发。特别是对于那些晦涩难懂的术语，作者总能用现代人能够理解的方式进行阐释，使得即便是初学者也能快速抓到核心概念，而专业人士也能从中获得新的启发，这种平衡做得非常到位。

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这本书的编排逻辑非常具有启发性，它似乎是在引导读者进行一场跨越时空的审美对话。我注意到，编者将一些看似风格迥异的作品并置于相邻的篇章中，这种“并置”并非随意为之，而是背后有着深思熟虑的对照关系。例如，某一页展示了对北方山峦雄浑气势的描绘，紧接着的下一页可能就是对南方丘陵温润秀雅的刻画，这种强烈的对比，反而凸显了两者在“写意”层面的共通之处——那种对自然精神的捕捉。这种对比手法极大地拓展了我的艺术视野，让我不再局限于单一的审美模板去评判作品的优劣。阅读过程中，我经常停下来，在脑海中构建不同画派之间的联系与张力，思考气候、地理环境如何潜移默化地塑造了画家的笔墨语言。这本书更像是一部艺术思辨录，它不直接给出答案，而是提供了一个极佳的平台，让读者的思考沿着它提供的线索不断深化和延展。

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这本书给我的最大感受是它的“现场感”。我一直觉得，隔着屏幕看古画，总像是隔着一层毛玻璃，无法真正感受到原作的能量。然而，这本画册在某些页面的处理上，几乎达到了“复刻”的程度。比如，它对几幅巨幅立轴的摹写，采用了超大跨页的对开设计，将画面的纵深感和气势完整地呈现了出来，那种扑面而来的磅礴感，让我仿佛置身于那烟雾缭绕的江山之中。我特意对着其中一幅表现雨后新霁的场景，尝试用放大镜去观察那些极其微小的细节，如水墨晕染出的苔痕，或是干笔皴擦出的岩石肌理，那些在一般画册中常常丢失的“墨戏”的笔触感，在这里得到了完美的保留。这种对原作质感的执着追求，体现了编者对艺术本体的尊重，而不是仅仅满足于“有图可看”的低级要求。对于一个痴迷于细节的爱好者来说，这本画册简直是工具书和艺术品鉴赏手册的完美结合体。

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除了董源, 巨然, 刘道士, 江南画派在宋几乎看不到, 元代始兴.

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