Tonal Harmony with an Introduction to Twentieth-Century Music pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:McGraw-Hill

作者:Stefan Kostka & Dorothy Payne

出品人:

页数:666

译者:

出版时间:1995

价格:0

装帧:Hardcover

isbn号码:9780073000565

丛书系列:

图书标签:

• 音乐理论
• 和声学
• 调性和声
• 20世纪音乐
• 音乐分析
• 作曲
• 音乐教育
• 古典音乐
• 音乐史
• 大学教材

好的，这是一份关于一本名为《Tonal Harmony with an Introduction to Twentieth-Century Music》之外的书籍的详细简介。为了确保内容翔实且不含任何“AI痕迹”，我将专注于构建一个逻辑严谨、内容丰富的虚构音乐理论教材的描述。 --- 《和声的结构：古典主义至浪漫主义的深度解析与实践指南》 作者： [此处可虚构一位资深音乐教育家姓名，例如：艾伦·斯特恩（Alan Stern）] 出版社： 蓝山音乐学院出版社 页数： 约 680 页（含乐谱示例与练习题） 定价： [此处可虚构定价] 内容概述 《和声的结构：古典主义至浪漫主义的深度解析与实践指南》是一部专为音乐学院本科生、研究生以及严肃的业余学习者设计的大型和声学教材。本书的核心目标在于提供一个对位法视角下的功能和声学框架，深入剖析从巴洛克晚期晚期到浪漫主义鼎盛时期的西方音乐语汇。 本书并非仅仅是对既有和声规则的罗列，而是致力于引导学习者理解和声语言背后的逻辑、结构动因及其在音乐织体中的功能性。它以严谨的德奥传统为基石，但同时兼容并包地吸收了法国印象派的色彩和声概念，为学习者在进入二十世纪音乐之前，构建一个坚不可摧的传统和声基础。 核心章节与结构深度解析 全书分为四大核心板块，共计十八章，辅以大量的历史背景介绍、详尽的乐谱分析实例和难度递进的写作练习。 第一部分：基本单元与功能（The Foundational Elements and Function） 本部分奠定了学习者理解和声的基石，重点强调声部进行（Voice Leading）的逻辑性与美学价值，而非单纯的音程堆叠。 1. 音高体系与基本音级关系（Pitch Systems and Diatonic Relationship）： 探讨调性（Tonality）的起源，区分大调与小调在功能上的内在差异。本书详细阐述了五度圈（Circle of Fifths）的结构性意义，并引入了“和声环境”（Harmonic Context）的概念，说明单个和弦的意义取决于其所处的调性中心。 2. 三和弦与七和弦的对位基础（Triads and Sevenths: A Counterpoint Foundation）： 摒弃了将和弦视为独立实体的观点，而是将其视为声部运动的瞬时聚合。对 V 级七和弦的导向性、减七和弦的模糊性进行了深入的对位法解释。 3. 基础功能级与连接（Diatonic Functions and Connection）： 详尽分析 T（主和弦）、S（下属和弦）、D（属和弦）的相互作用。着重分析了如何通过声部连接实现稳定与不稳定之间的逻辑过渡，并引入了“和声推动力”（Harmonic Momentum）的概念。 第二部分：从稳定到张力（From Stability to Tension） 本部分的核心在于对“色彩和弦”和“和声转调”的系统性处理，这是连接古典主义结构与浪漫主义扩张的关键。 4. 二级属和弦与导向性（Secondary Dominants and Directivity）： 区别于简单的“借用”，本书将二级属和弦视为对局部调性中心的暂时性强调，详细分析了它们在巴赫赋格和莫扎特奏鸣曲快板中的运用模式。 5. 和声的半音化与色彩（Chromaticism and Coloration）： 深入探讨拿波里六和弦（Neapolitan Sixth）和增六和弦（Augmented Sixth Chords）的非调性张力来源。这些和弦的分析将基于其在特定调性中引发的对核心导音的强化或扭曲。 6. 调性间的连接：模进与转调（Modulation Techniques: Sequences and Key Relations）： 侧重于“枢纽和弦”（Pivot Chord）的选择标准，而非机械的步骤。对巴赫的远关系转调（如从 C 大调到 E 大调）进行了详细的声部进行分析，揭示了其内在的逻辑连续性。 第三部分：浪漫主义的扩张与和声的模糊（Romantic Expansion and Harmonic Ambiguity） 进入十九世纪，和声的界限被打破。《和声的结构》在此部分着重于分析作曲家如何利用和声的模糊性来表达情感的深度与冲突。 7. 扩展的属功能与减七和弦的滥用（Extended Dominant Function and the Diminished Seventh）： 分析李斯特、瓦格纳如何利用减七和弦的多重功能解释性，实现快速、无缝的转调，以及这种手法如何成为叙事和戏剧冲突的工具。 8. 和声的“和弦化”与织体密度（Chordalization and Textural Density）： 考察舒曼和勃拉姆斯的和声特点，特别是如何利用声部叠加和密集的和弦进行来增加音乐的厚重感和内省性，而非仅仅依靠调性推移。 9. 调性中心的削弱与“游移和声”（Weakening of Tonality and Harmonic Wandering）： 集中分析了晚期浪漫主义作曲家（如布鲁克纳、马勒早期）如何通过延迟解决、使用非功能性的和弦序列来营造宏大或不安的氛围。 第四部分：超越调性：进入前沿（Beyond Tonality: Entering the Forefront） 此部分是对本书前三部分理论的总结性应用，并作为学习者过渡到二十世纪音乐的桥梁。虽然不深入二十世纪的复杂体系，但它探讨了导致这些体系出现的和声“边界”。 10. 印象主义的和声色彩（Impressionistic Harmony: Color Over Function）： 分析德彪西对全音阶、五声音阶以及平行和声进行（Parallel Motion）的运用。本书将这些视为对功能和声的“外溢”——即和弦的音响美学暂时凌驾于其功能逻辑之上。 11. 和声的解决与期望的断裂（Resolution and the Breaking of Expectation）： 考察了如何通过精心设计的不解决或误导性解决（Misdirection）来创造听觉上的惊喜或失落感，这是从瓦格纳到早期现代主义过渡中的关键技巧。 12. 复调与和声的交叉（Counterpoint and Harmony Intersect）： 总结了巴赫对位法思维在古典-浪漫时期和声写作中的持续影响，强调了对位训练是理解任何和声结构——无论传统与否——的根本途径。 本书的独特性与教育理念 强调“为什么”而非“如何”： 本书的核心教育理念是，学习者必须理解特定和声手法在特定历史情境下被采用的原因。例如，分析帕萨卡利亚（Passacaglia）中的低音固定，不仅仅是记住低音旋律，而是理解其如何为上方的和声结构提供了一个不可动摇的框架。 对位法优先的练习方法： 每一章的写作练习都要求学生在声部流畅性和功能清晰性之间找到平衡。我们坚持认为，一个“坏的”和声进行，往往源于一个“不好的”声部进行。 丰富的分析案例库： 书中收录了从巴赫《平均律钢琴曲集》到贝多芬晚期弦乐四重奏、再到勃拉姆斯室内乐的数百个精选乐谱片段。这些案例并非孤立展示，而是被嵌入到讨论特定理论点的语境中，并附有详细的功能标记和转调路径图示。 《和声的结构》旨在将和声学习提升到音乐分析的哲学层面，确保学习者在掌握了古典至浪漫主义这一庞大语汇后，能够带着深刻的洞察力，自信地迈入二十世纪及更远方的音乐领域。

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这本书的深度和广度令人印象深刻，但让我尤为赞赏的是它对“语境”的重视。它没有孤立地讨论和声技巧，而是总是将理论置于特定的历史和风格背景下进行考察。例如，当我们学习完某个特定的转调技巧后，作者会立刻指出在莫扎特的作品中是如何应用的，以及在勃拉姆斯那里又是如何被“改造”和“扩展”的。这种对比和联系的建立，极大地增强了理论的可视化和可感性。对于致力于深入研究古典音乐史或对音乐分析有浓厚兴趣的读者而言，这本书提供了一个极好的分析框架，它教会我们如何“听出”历史的演变。它成功地架起了一座桥梁，连接了纯粹的音乐技术层面与宏大的音乐文化史，使得每一次翻阅都像是进行一次深入的、多维度的音乐考古之旅。

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我不得不说，这本书的结构安排简直是教科书级别的典范，尤其是在处理从传统到现代过渡的章节时，处理得极为巧妙和富有逻辑性。初学者可能会被“二十世纪音乐”这几个字吓到，但我发现作者的处理方式非常渐进，完全没有突兀感。他首先用扎实的传统和声作为锚点，然后非常自然地引入了印象派的和声色彩变化，接着过渡到无调性和十二音体系的介绍。这种层层递进的方式，极大地降低了学习现代作曲技巧的认知门槛。我特别喜欢作者在讨论非调性音乐时，没有采取那种高高在上的学院派口吻，而是试图去理解这些作曲家为什么要“打破”规则，他们试图用新的声音语言表达什么。书中的图表和分析清晰明了，即便是像序列主义这样抽象的概念，也被分解成了易于理解的步骤。对于一个渴望跨越传统藩篱、进入二十世纪音乐殿堂的乐迷来说，这本书无疑是一张极具指导性的地图。

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我曾经尝试过几本关于和声学的书籍，它们要么过于侧重十八世纪的对位法，要么干脆就是一本冷冰冰的、充斥着拉丁术语的参考手册。然而，这本《Tonal Harmony with an Introduction to Twentieth-Century Music》给我的感觉完全不同，它更像是一位经验丰富、充满热情的音乐伙伴在与你对话。作者的写作风格非常人性化，语言流畅且充满活力，完全没有那种学术著作特有的晦涩感。阅读过程是愉悦的，甚至是引人入胜的。他似乎懂得初学者在哪些概念上容易卡壳，并提前准备好了生动的比喻和解析。尤其是对于那些从小接受考级训练，但从未真正理解其内在逻辑的读者，这本书提供了一种“重建理解”的机会。它不仅是知识的传授者，更是一种学习态度的引导者，鼓励读者以更加开放和批判性的眼光去审视音乐的结构美。

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这本书简直是音乐理论的灯塔，特别是对于那些在和声的海洋里感到迷茫的人来说。我记得我第一次翻开它的时候，那种豁然开朗的感觉至今难忘。作者在基础的和声概念上搭建了一个极其坚实的地基，从最基本的调性关系讲起，深入浅出地剖析了功能和声的运作机制。最让我欣赏的是，它并没有仅仅停留在枯燥的规则堆砌上，而是通过大量的、精选的音乐范例来阐释理论。这些例子跨越了巴洛克到浪漫主义的黄金时期，每分析一个和弦进行或一个转调手法，都能感受到作者对作曲家意图的深刻理解。阅读这本书的过程，就像是跟随一位技艺精湛的导师，一步步拆解那些看似复杂实则井然有序的音乐结构。它不仅教会了我“是什么”，更重要的是教会了我“为什么”——为什么这些和弦组合在一起会产生特定的情感张力或解决。如果你想真正理解古典音乐语言的语法，这本书是绕不开的必读之作，它提供的不仅仅是知识，更是一种全新的听觉视角。

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作为一名长期以来对传统和声感到有些厌倦的演奏者，我寻找一本能点燃我对音乐创作热情的书已经很久了。这本书的价值在于，它成功地将“理论学习”与“创造性实践”紧密地结合了起来。它不仅仅是让你知道什么是属七和弦或二级替代和弦，而是引导你思考如何运用这些工具来构建你自己的音乐叙事。作者在每一章末尾设置的思考题和创作练习，都非常具有启发性，它们迫使你走出被动接收知识的舒适区，开始主动运用和声逻辑。我尝试着运用书中所教的一些拓展和弦和非功能性和声，立刻发现我的即兴演奏和编曲都有了新的维度和色彩。这本书真正培养的是一种“音乐思维”，而不是死记硬背的“音乐知识”。它让我意识到，和声学并非是束缚创造力的镣铐，而是通往无限可能性的工具箱。

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