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出版者:

作者:肖勇

出品人:

页数:83

译者:

出版时间:2009-7

价格:33.00元

装帧:

isbn号码:9787535632111

丛书系列:

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《光影的雕刻师：当代摄影美学探析》 本书深入剖析了当代摄影艺术的演进脉络，聚焦于光影在视觉叙事中的核心作用，以及艺术家们如何运用技术与创意，将瞬间凝固成富有深邃内涵的影像作品。我们不谈论印刷的介质，也不涉及书籍本身的装帧艺术，而是将全部注意力集中在“光”与“影”这两个最基本却又最富表现力的元素上，探索它们如何被摄影师们视为画笔，在二维平面上塑造出三维空间的错觉，营造出独特的情感氛围和视觉冲击力。 全书围绕“光影”展开，从最基础的自然光运用，到复杂的人工照明技术，再到数码时代对光影的重塑与解析，层层递进。我们将首先探讨不同时间、不同季节、不同地理位置的光线所能带来的独特质感与色彩表现。例如，清晨的柔和侧光如何勾勒出细腻的轮廓，而午后刺眼的顶光又会产生怎样强烈的明暗对比；高纬度地区特有的漫射光如何赋予画面宁静淡雅的氛围，热带地区的直射光则如何带来鲜明而富有戏剧性的效果。这些自然光的变化，本身就是摄影师们不可或缺的创作语言。 随后，我们将转向人工照明的艺术。从传统的影棚布光技巧，到现代化的LED灯具应用，书中将详细分析不同光源的性质、方向、强度及其对主体和背景的影响。我们将深入理解“主光”、“辅光”、“轮廓光”、“背景光”等基础布光原则，并在此基础上探讨如何通过巧妙的布光设计，塑造人物的面部表情，突出纹理细节，制造空间感，甚至引导观众的视线焦点。书中将呈现大量实例，分析摄影师如何通过调整灯光角度和柔和度，来达到不同的艺术效果，或营造出温暖亲切的氛围，或制造出冷峻神秘的疏离感。 数码时代的到来，为光影的运用带来了前所未有的可能。本书将着重探讨数码后期处理中，光影的再造与修饰。从色彩校正、亮度对比度调整，到光线方向的模拟、阴影的添加与去除，乃至通过高动态范围（HDR）技术，将不同曝光的画面合成为具有更广阔光影细节的图像。我们还将讨论数字滤镜和特殊效果如何模拟出自然光无法实现的奇幻光影效果。通过对经典数码摄影作品的案例分析，我们将理解后期处理并非简单地“修图”，而是对原始光影信息的深度挖掘与艺术化重塑。 “光影”不仅是技术层面的运用，更是情感与叙事的载体。书中将大量篇幅用于分析光影如何传达情感。强烈的明暗对比（高调与低调）如何制造紧张、戏剧性或孤独感；柔和的光线如何带来温馨、宁静或梦幻的感觉；逆光和侧光如何勾勒出模糊的轮廓，暗示着神秘、朦胧或回忆。我们将研究著名摄影师如何运用光影的“情绪”来强化作品的主题，例如，在肖像摄影中，恰当的光影可以揭示人物的内心世界，或掩盖其不愿示人的部分；在风景摄影中，特定时刻的光影可以赋予自然景物生命和灵魂；在纪实摄影中，真实的光影变化则记录着历史的瞬间。 此外，本书还将关注“影”的独立艺术价值。阴影并非仅仅是光线的缺失，它本身就具有形状、纹理和情感。我们将探讨摄影师如何利用阴影来构建画面结构，形成抽象的图案，或暗示潜在的空间和故事。阴影的形状、深度和密度，都可以成为叙事的重要组成部分。例如，投射在墙壁上的长长的影子，可以制造出空间纵深感和一种不安的氛围；而主体身上细腻的阴影纹理，则能增加画面的质感和细节。 全书的研究方法将侧重于分析性的案例研究，选取不同风格、不同题材的当代摄影作品，细致地剖析其中光影的运用。我们将从艺术史的角度，回顾不同摄影流派对光影的探索，例如，从早期摄影的自然光写实，到表现主义对光影的扭曲和夸张，再到当代摄影中对数字光影的实验性运用。每一章节都将配以精选的摄影作品图片，并附以深入的解读，帮助读者理解摄影师的创作意图和技术手段。 本书旨在为摄影爱好者、学习者以及对视觉艺术感兴趣的读者提供一个全面而深入的视角，去理解光影在当代摄影中扮演的至关重要的角色。它是一次对“光影”这门视觉语言的深度探索，是对那些用镜头捕捉瞬间、用光影讲述故事的艺术家们的致敬。阅读本书，您将学会如何“看见”光影，如何“解读”光影，并最终如何运用光影来表达您自己的视觉语言。

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说实话，我原本以为这会是一本偏向技术手册类的书籍，但《印刷媒介与书籍设计》远远超出了我的预期，它更像是一本关于“物质性与意义构建”的哲学思辨录。最让我印象深刻的是作者对于“媒介决定论”在书籍领域应用的探讨。书中对比了不同纸张克重、装订方式（比如骑马钉、锁线胶装、毛边本）如何影响书籍的生命周期和使用者之间的互动关系。例如，精装本的仪式感和长久保存的意图，与平装本的便携和快速消耗性形成了鲜明对比，这种选择背后隐藏着出版商对读者期待的预设。这本书不仅讲了“怎么做”，更深层次地追问了“为什么这样做”。我特别喜欢其中关于“视觉层级”的分析，作者用了很多经典的图书案例，拆解了标题、引文、脚注之间的视觉权重分配，解释了大师们是如何通过精妙的网格系统和对齐规则，在不增加任何文字的情况下，清晰地传达信息的重要性和逻辑关系。这种对细节的极致关注，让我这个日常使用者都开始挑剔我正在阅读的每一本书的排版。我开始注意到印刷错误，注意到墨水是否渗透，注意到书脊在打开到特定页码时是否会发出令人安心的“咔哒”声。这本书改变了我与书本相处的态度，让我从一个被动的接收者，变成了一个主动的鉴赏者。

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这本书的叙事风格简直就像一位经验老到的装帧师傅在向你娓娓道来他的毕生绝学，亲切却又极具权威感，完全没有那种学院派的刻板和疏离。我尤其欣赏它在处理“色彩学与印刷工艺”部分时的生动描述。作者没有枯燥地罗列CMYK的数值，而是通过描述不同油墨在不同纸张上的“化学反应”来解释色彩的呈现。比如，当金属光泽的油墨遇到粗糙的非涂布纸时，那种略带哑光的质感是如何将华丽感转化为内敛的贵气。这种基于感官体验的描述，远比冰冷的理论更容易被记住和理解。此外，书中对书籍装帧材料的探讨也令人叹服，从封面用的布纹纸、卵石纹纸，到内页的道林纸、铜版纸，每一种材料的特性都被赋予了性格。作者甚至还涉及到环保议题，讨论了可持续性材料在现代书籍设计中的应用和挑战。这不仅仅是一本关于“美”的书，更是一本关于“责任”的书，提醒着设计者，你手中的选择将决定这个知识载体在物理世界中存续的方式。读完这一部分，我回家后做的第一件事，就是把家里的几本老书都拿出来，用手摩挲那些纸张，重新感受它们被赋予的生命。

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这本《印刷媒介与书籍设计》实在是让人耳目一新，尤其是在数字阅读大行其道的今天，它仿佛是一份对传统工艺的深情致敬。我得说，当我翻开这本书的时候，首先被吸引住的不是文字内容，而是那种扑面而来的纸张质感和油墨的芬芳。装帧设计本身就是一种无声的语言，这本书的封面设计，那种留白的处理，那种字体选择的考究，都透露出一种克制而高级的美感。我记得其中有一章详细阐述了活字印刷的历史演变，从哥特体到罗马体，每一种字体的诞生背后都蕴含着那个时代的技术限制和审美取向。作者没有停留在简单的图文介绍，而是深入挖掘了排版对阅读体验的决定性影响——为什么有些书读起来轻松愉悦，而有些却让人感到局促和压抑。特别是关于“留白”的讨论，简直是醍醐灌顶。原来那些看似多余的空白，才是真正引导读者目光、平衡视觉重量的关键，它不是没有内容，而是为内容呼吸留出的空间。这本书的插图选择也极为精妙，大量采用了早期印刷品的扫描件，那些略微模糊的套印痕迹和墨点的自然晕染，远比高清数码复制品更富有生命力和历史的厚重感。它让我重新审视阅读这件事，不再是信息的快速摄取，而是一次与物质载体的深度对话。这本书的重量和触感，本身就是设计的一部分，读完后，我甚至舍不得把它塞回书架，而是让它安静地躺在我的书桌上，像一件艺术品。

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这本书的阅读体验本身就是一场精心设计的旅程。它在装帧上对自己的主题进行了完美的诠释——这本身就是最好的推荐信。内部的排版布局，简直就是教科书级别的范例，它没有因为内容专业性强就变得晦涩难懂。相反，每一个章节的过渡都非常平滑自然，过渡页和章节标题的版式设计优雅而有效，将复杂的概念分块呈现，确保了阅读的连贯性。我特别喜欢作者在探讨现代设计趋势时所保持的审慎态度。在讨论数字化对印刷业的冲击时，作者没有陷入恐慌或过度怀旧，而是以一种冷静的视角分析了两者如何可以互相借鉴、共同发展。他探讨了如何利用数字技术（如可变数据印刷）来为小众图书提供个性化的高质量印刷服务，这显示了作者对行业未来的深刻洞察力。总的来说，这本书是一份扎实的理论基石，加上丰富的视觉案例，它不仅适合专业的书籍设计师，也适合任何一个珍视知识载体，并希望深入理解“阅读体验”本质的普通读者。读完后，我对着我书架上的藏书，仿佛看到了无数精心雕琢的工艺品，充满了敬意。

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坦白说，我买这本书时是抱着学习具体设计软件操作的心态的，但它给我的收获远超于此。它真正展现的是一种“设计思维”——一种将信息内容与物理形态完美融合的整体观。《印刷媒介与书籍设计》中关于“书籍的流动性与阅读路径”的分析非常独特。作者通过分析侦探小说、诗集和教科书这三类截然不同的书籍，来论证不同的内容类型对设计提出的本质要求。比如，侦探小说需要通过字体、间距和章节划分来制造悬念和节奏感，而教科书则要求信息的可检索性和清晰的结构层次。这种对内容的深度理解，才能最终服务于优秀的设计。书中展示了许多非常规的开本和装订方式在特定内容下的应用，比如螺旋装订如何解放了某些工具书的使用场景，以及法式装订如何体现了艺术书籍的独特价值。这让我明白，优秀的书籍设计不是随心所欲的装饰，而是对内容最精准的物理翻译。它教会我如何像一个结构工程师一样去思考页面的构成，如何用点、线、面来构建一个用户可以无缝进入的心灵空间。

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为啥都没人看……

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在苦逼内页设计时的参考读物

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