Greek Tragedy in Action

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出版者:Routledge
作者:Oliver Taplin
出品人:
页数:232
译者:
出版时间:2002-9-12
价格:GBP 21.99
装帧:Paperback
isbn号码:9780415302517
丛书系列:
图书标签:
  • 古希腊
  • Poetry
  • GAL_Theatre
  • Greek Tragedy
  • Classical Literature
  • Drama
  • Theater
  • Ancient Greece
  • Performance Studies
  • Literary Criticism
  • Mythology
  • Poetry
  • Tragedy
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具体描述

Oliver Taplin's seminal study was revolutionary in drawing out the significance of stage action in Greek tragedy at a time when plays were often read purely as texts, rather than understood as performances. Professor Taplin explores nine plays, including Aeschylus' agamemnon and Sophocles' Oedipus the King. The details of theatrical techniques and stage directions, used by playwrights to highlight key moments, are drawn out and related to the meaning of each play as a whole. With extensive translated quotations, the essential unity of action and speech in Greek tragedy is demonstrated. Now firmly established as a classic text, Greek Tragedy in Action is even more relevant today, when performances of Greek tragedies and plays inspired by them have had such an extraordinary revival around the world.

《希腊悲剧表演研究》 概述: 《希腊悲剧表演研究》是一部深入探讨古希腊悲剧文本如何在舞台上被演绎、如何唤起观众情感共鸣的学术专著。本书并非简单梳理悲剧的剧情或主题,而是将焦点置于“行动”本身,即古希腊演员如何通过形体、声音、面具、服装以及与合唱队的互动,将埃斯库罗斯、索福克勒斯和欧里庇得斯笔下的宏大叙事转化为生动鲜活的戏剧体验。作者试图跨越两千多年的时空隔阂,捕捉那些早已消逝的表演细节,并结合考古学、文学批评、表演理论以及古代戏剧史的最新研究成果,重构一幅立体而富有洞察力的古希腊悲剧表演图景。 核心内容: 本书的研究核心在于“行动”——从演员的站位、肢体动作,到声音的抑扬顿挫、情感的宣泄方式,再到面具与服装如何塑造角色形象与象征意义,以及合唱队在叙事与情感传达中的独特作用。作者认为,理解希腊悲剧的魅力,必须回归其作为一种活态艺术的本质,即在露天剧场中,在特定社会文化背景下的即时表演。 第一部分:舞台与空间——行动的物理场域 剧场建筑的表演学意义: 本部分将详细分析古希腊露天剧场(如雅典的狄俄尼索斯剧场)的建筑结构,如坡道(parodoi)、舞台(skene)、观众席(theatron)等,如何影响演员的走位、声音的传播以及观众的观看角度。我们将探讨剧场规模、声学设计如何塑造表演的尺度感和观众的沉浸感。 空间象征与叙事: 剧场空间并非单纯的物理场所,而是承载着丰富的象征意义。本书将分析不同区域(如舞台前沿、祭坛、屋顶)在表演中所扮演的角色,以及演员如何在有限的空间内通过调度来表现人物关系、情节推进和情绪变化。 “可见性”与“可听性”的策略: 在古代剧场环境中,演员如何确保其表演能够被远距离的观众清晰地看到和听到?本书将探讨演员的站姿、面部表情(在面具的限制下)、手臂动作的幅度,以及声音的洪亮程度与共鸣技巧。 第二部分:演员的声音与身体——情感的具象化 “行动”的语音学: 古希腊悲剧的台词并非自然的口语,而是经过精心打磨的诗歌。本部分将考察台词的韵律、节奏、语气的变化如何服务于角色的情感表达和人物塑造。我们将分析演员如何运用不同的发声技巧(如呼喊、低语、吟诵)来传递喜悦、悲伤、愤怒、恐惧等复杂情感。 形体表演的语言: 在面具遮挡面部表情的情况下,演员的身体语言显得尤为重要。本书将深入研究古代表演文献(如亚里士多德的《诗学》)以及相关图像资料,推测演员可能采用的肢体姿态、手势、眼神(尽管受面具限制)以及整体的身体张力,如何来表现角色的内心状态和戏剧冲突。 面具与服装的表演功能: 面具不仅是身份的标识,更是表演的重要媒介。本部分将探讨不同类型面具(如英雄面具、女性面具、老人面具)如何通过其夸张的造型和表情来传达角色的基本性格和情感基调。同时,服装的颜色、材质、款式如何暗示角色的社会地位、职业、甚至命运。 第三部分:合唱队——叙事的共鸣器与情感的放大器 合唱队的双重角色: 合唱队在希腊悲剧中扮演着多重角色,既是剧本的叙述者、评论者,又是情感的参与者和观众情感的引导者。本书将分析合唱队如何通过歌唱、舞蹈以及与演员的对话来推动情节,提供背景信息,并表达对事件的普遍性或道德性判断。 歌队表演的音乐性与舞蹈性: 悲剧表演中,合唱队的演唱和舞蹈是不可分割的整体。本书将探讨合唱队演唱的音乐特点(尽管音乐已失传,但可通过文本推测其节奏和旋律感),以及他们集体舞蹈的编排方式,如何营造出仪式感、庄重感或悲伤的氛围。 观众与合唱队的互动: 合唱队在某种程度上充当了观众的代言人,将普通人的视角带入宏大的悲剧叙事中。本书将探讨合唱队的言论如何与主要人物的行动产生张力,以及他们如何引导观众的情感反应,放大戏剧的冲击力。 第四部分:跨越时空的表演诠释——从古代到现代 不同时代的表演重构: 本部分将简要回顾历史上对希腊悲剧表演的几次重要的重构尝试,从古典主义时期的舞台演绎到20世纪的现代复排。通过对比分析,突出不同时代在理解和呈现“行动”上的差异与演变。 当代表演的反思与启示: 作者将探讨现代戏剧表演理论与实践如何借鉴甚至挑战古希腊悲剧的表演传统。从斯坦尼斯拉夫斯基体系到布莱希特理论,再到后现代的解构与重塑,我们将审视当代艺术家如何在继承中创新,赋予古老文本新的生命力。 《希腊悲剧表演研究》的理论贡献: 本书旨在提供一种更加精细化、情境化的研究方法,将古希腊悲剧从孤立的文学文本中解放出来,回归其作为一种独特而强大的表演艺术形式。通过对“行动”本身的深入挖掘,本书为理解古希腊人的世界观、情感表达方式以及戏剧的社会功能提供了新的视角。 目标读者: 本书适合所有对古希腊悲剧感兴趣的读者,包括但不限于:戏剧史研究者、文学批评家、表演理论家、戏剧导演、演员、以及希望深入理解戏剧表演本质的普通读者。它将为那些渴望看到悲剧文本真正“活起来”的人提供一次深刻而引人入胜的学术旅程。

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读后感

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作者对语言的驾驭能力,简直达到了令人发指的地步,他似乎拥有从泥土中提炼出黄金的魔力。那些对话,表面上是简单的斯巴达式的对白,却在每一句的留白中蕴含了千言万语的哲学思辨。我注意到他巧妙地运用了古希腊戏剧中常见的“延迟”技巧,关键信息的揭示总是姗姗来迟,这种叙事上的克制,极大地增强了戏剧张力,让观众在焦虑的等待中,对即将到来的灾难有了更深刻的心理预设。相比于某些过于直白地解释人物动机的作品,这里的角色动机更像是深埋地底的岩浆,偶尔喷发出的火光,映照出的是人性的复杂与矛盾。阅读过程中,我不得不频繁地停下来,反复咀嚼某些段落,试图理清人物在道德困境中的每一步细微的心理转向。这种对潜台词和隐含意义的精妙处理,使得阅读体验不再是被动接受,而变成了一种主动的、充满智力挑战的“解密”过程,每一页都像是一份需要用灵魂去解读的古代契约。

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我必须赞扬这部作品在处理女性角色时所展现出的、令人耳目一新的视角。以往的悲剧解读往往将女性角色置于被动受害者的框架中,但在这里,她们的力量感和反抗精神被挖掘得淋漓尽致。她们不再是单纯的牺牲品,而是推动情节发展、挑战男性主导秩序的关键动力源泉。例如,其中一位王后的坚韧与复仇的决心,那种近乎残酷的理性,完全盖过了所有男性角色的冲动与软弱。作者细腻地描绘了在极端父权社会结构下,女性如何通过隐忍、智慧和近乎神性的直觉来反制压迫。这种对性别权力动态的深刻洞察,使得整部作品在古老的悲剧框架下,焕发出极具现代女性主义色彩的回响。阅读她们的故事,我感受到一种跨越时空的共鸣,那是关于不被认可的智慧和不被听见的声音,如何在历史的缝隙中找到爆发的出口。

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这部作品的舞台设计简直是一场视觉的盛宴,每一幕的布景都仿佛是从古希腊的陶片画中直接跳脱出来,色彩的运用大胆却又恰到好处地烘托了人物内心的挣扎与命运的沉重。我尤其欣赏舞台监督对于光影的掌控力,当角色面对不可抗拒的命运之网时,那束从天而降的聚光灯,锐利得像是一把审判的利剑,将角色的孤独与绝望切割得淋漓尽致。演员们的肢体语言也极为出色,他们不再是简单的叙述者,而是用身体去“雕刻”悲剧的结构。举手投足间,那种源于血脉的冲突感、家族诅咒的重量,都被精准地传递给了远在观众席的我。特别是合唱队的部分,他们的动作编排极具现代感,但其蕴含的集体智慧和对人类处境的诘问,却又古老得令人心悸。他们不是背景,而是观众内心质疑的具象化身,他们每一次齐步走动,都像是在敲击着人类理性与非理性边界的鼓点。这种对传统美学的继承与颠覆,使得整场演出在保持史诗感的同时,又充满了令人窒息的当代气息,让人久久无法从那种肃穆而又激昂的氛围中抽离出来。

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从文本的编排和引用的角度来看,这部书的学术深度是毋庸置疑的,但最让我欣赏的是它并未将这种深度变成阅读的障碍。它巧妙地将深奥的哲学概念(如“哈马提亚”的多元解释)融入到具体的人物行为和场景描写之中,使得理论不再是悬挂在空中的抽象概念,而是深深植根于故事的血肉之中的。我尤其喜欢作者对“悲剧净化”(Catharsis)这一概念的重新诠释。他认为,净化并非仅仅是观众情绪的宣泄,而更像是一种对集体文化记忆的“重塑”过程——通过见证极致的痛苦,我们得以重新校准我们对正义、痛苦和人性的集体认知标准。这种将文本分析与文化人类学相结合的论述方式,极大地拓宽了我们理解古代戏剧作用的边界。它不是一本枯燥的论文集,而是一部充满激情的导览手册,带领读者深入那片充满矛盾与辉煌的文明废墟,去重新发掘那些被时间磨损的智慧光芒。

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这本书真正让我感到震撼的是它对“宿命论”这一核心议题的处理手法。它并没有将命运塑造成一个单一、僵硬的外部力量,而是将其描绘成一种由家族遗传、社会结构和个体选择共同编织而成的、近乎物理定律般的存在。读到俄狄浦斯那样的角色,他们并非愚蠢,而是被困在了一个由祖辈犯下的错误所构建的迷宫之中,每一步“自由”的选择,最终都将他们导向既定的终点。这种对自由意志与预定命运之间张力的刻画,让我开始审视我们自身所处的社会框架——我们自以为是的“自由”,是否也只是一个更宏大、更隐蔽的结构中的微小摆动?作者没有提供简单的答案或逃避的出口,而是将这个问题赤裸裸地呈现在我们面前,强迫我们直视人类在宇宙尺度下的渺小与挣扎。这超越了简单的故事叙述,上升到了一种对存在本质的深刻拷问,读完后感觉心底被某种冰冷的、却又极其清醒的认知所占据。

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