日本漫画创作技法

日本漫画创作技法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:中国科学技术
作者:(日)翠菊纪子|译者
出品人:
页数:144
译者:
出版时间:2009-6
价格:39.90元
装帧:
isbn号码:9787504649119
丛书系列:
图书标签:
  • 漫画
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具体描述

《日本漫画创作技法:神奇幻想》内容为:你知道如何绘制一个完美的科幻小说中的伙伴吗?需要设计哪一种盔甲——一个真实的少林武僧可能会穿着的?以及如何在你的原创漫画故事中,创造面对邪恶大魔王的那激动人心的时刻?削尖你的铅笔,《日本漫画创作技法——神奇幻想》马上就要来啦!你将了解到当今流行的大多数幻想漫画类型是如何被你所喜爱的那些经典书籍以及真实的历史生活所影响的。此外,有关如何描绘精确的身体细节等一切能使角色所在世界丰满起来的知识,都涵盖在了这本易学易懂的指南当中了。大量的范例和“手把手”的教学方式,保证你不会在神秘的漫画森林里迷路……只要防备着最后的那只喷火龙!这套卓有成效的“日本漫画创作技法”丛书对每一位有志成为漫画大师的人给予了透彻的、关键的指导。本卷由专业漫画家翠菊纪子主编,其中包括关键技巧和小贴士,以便将你对于漫画的认识转化为有血有肉的实际技能。狂热的初学者和功成名就的专业漫画家,现在同样都可以在这《日本漫画创作技法:神奇幻想》的帮助下画出自己梦想中的幻想世界……你已走上了通往创造自己的武器、伙伴以及整个神奇世界更多事物的捷径!

《世界绘画史话:从洞穴壁画到数字艺术的辉煌旅程》 引言:凝视时间的回响 人类对“画”的渴望,如同对光的追逐,从未停歇。它不仅是记录工具,更是心灵深处最原始的呐喊与最精妙的构建。本书并非一部枯燥的艺术史编年史,而是一场跨越数万年的宏大叙事,深入探索人类如何运用线条、色彩与构图,来理解世界、表达情感、构建文明的历程。我们将追溯那些隐藏在时间褶皱中的故事,聆听来自不同文明的艺术家们,用画笔留下的永恒低语。 第一部:蛮荒的低语与文明的曙光(史前至古典时期) 第一章:岩壁上的第一次呼吸——史前艺术的魔力 我们的旅程始于幽暗的洞穴深处,那里,猛犸象和野牛的生命力被赭石和木炭定格在冰冷的岩石上。从拉斯科到阿尔塔米拉,这些史前壁画不仅仅是狩猎记录,它们蕴含着萨满式的精神力量与对生命循环的敬畏。我们将探讨这些图像的神秘符号学意义,以及它们如何为后世的叙事艺术奠定了基础。 第二章:泥板上的神谕与尼罗河的永恒——古埃及与美索不达米亚 在幼发拉底河与尼罗河畔,绘画开始与权力、宗教和来世紧密相连。古埃及的“正面律”如何保证了法老形象的永恒不变?苏美尔和巴比伦的浮雕和彩绘又是如何服务于王权宣传与神话记录的?本章将细致剖析这些早期定型化风格背后的社会结构逻辑。 第三章:理想之美的追寻——古希腊与古罗马的视觉哲学 从黑陶红陶上的精致叙事,到庞贝古城壁画中对日常生活的生动捕捉,希腊和罗马艺术代表了人类对“完美形式”的第一次系统性探索。我们将深入研究“黄金比例”在绘画构图中的体现,以及罗马人如何借由“错视画法”(Trompe-l'œil)模糊了真实与虚构的界限,为后来的文艺复兴提供了理论基石。 第二部:信仰的火焰与世俗的复兴(中世纪至文艺复兴) 第四章:拜占庭的圣光与哥特式的向上精神 在宗教成为绝对主宰的时代,绘画不再追求模仿自然,而是追求精神的升华。拜占庭的镶嵌画如何通过闪烁的金色背景,将观者从尘世引向神性?哥特式大教堂的彩色玻璃,又是如何将光线转化为“上帝的语言”?本章将解析这种风格转变背后深层的神学动机。 第五章:文艺复兴的觉醒:透视法、人体与人文主义的胜利 佛罗伦萨的艺术革命,是人类思维解放的视觉宣言。从乔托对空间感的初步尝试,到马萨乔将科学引入绘画,透视法的发明如何彻底改变了二维平面的表达方式?达芬奇的“空气透视”和米开朗基罗对人体解剖学的痴迷,标志着对“人”本身的重新肯定。我们将细读《蒙娜丽莎》和西斯廷教堂天顶画中的科学与美学融合。 第六章:巴洛克与洛可可的激情与享乐 当宗教改革引发的紧张感需要情感的爆发时,巴洛克艺术应运而生。卡拉瓦乔的“明暗对比法”(Chiaroscuro)如何戏剧性地捕捉瞬间的张力?鲁本斯的动态与委拉斯开兹对宫廷生活的冷静观察,展现了权力与激情交织的复杂图景。随后,洛可可的精致与享乐主义如何成为贵族阶层最后的狂欢? 第三部:理性的重塑与主观的爆发(18世纪末至20世纪初) 第七章:革命的号角与古典的回归——新古典主义与浪漫主义的对立 法国大革命前后,绘画成为意识形态的战场。大卫的严谨造型如何为革命精神塑形?而浪漫主义的兴起,则是一场对情感、自然力量和个体经验的回归。德拉克洛瓦的奔放色彩与透纳对光影与氛围的捕捉,预示着对传统规范的决裂。 第八章:光影的捕捉者——印象派的革命与后印象派的探索 走出画室,相机对精确记录的挑战,迫使画家们转向“瞬间”的感受。莫奈如何捕捉塞纳河畔和海边瞬息万变的光线?他们对色彩理论的运用,是对视觉科学的实际检验。随后,梵高对主观情感的强烈表达、塞尚对几何形体的结构重构,以及高更对原始的向往,为现代艺术的爆发铺平了道路。 第九章:现代性的碎片化表达——野兽派、立体主义与表现主义 二十世纪初,绘画彻底摆脱了“模仿自然”的使命。野兽派的纯粹色块、立体主义对多视角的解构,以及表现主义对内心焦虑的尖锐呈现,标志着艺术进入了对“观念”和“形式”本身的探索。毕加索和马蒂斯如何完成了这场视觉的“哥白尼式革命”? 第四部:媒介的拓展与未来的边界(20世纪中叶至今) 第十章:抽象的自由宣言与波普的日常入侵 从康定斯基完全非具象的“精神音乐”,到抽象表现主义(如波洛克)对创作过程本身的强调,绘画进入了表达本体论的阶段。随后,安迪·沃霍尔等波普艺术家,用商业符号对艺术的“高雅”地位发起挑战,模糊了艺术品与商品的界限。 第十一章:观念的胜利与媒介的融合 进入后现代,绘画的定义再次被拓宽。装置艺术、行为艺术、影像艺术的兴起,迫使传统的架上绘画寻找新的定位。本章将探讨当代艺术家如何利用数字技术、新材料,以及对全球化、身份政治的关注,继续拓展视觉艺术的边界,探讨绘画作为一种“思考方式”的持续生命力。 结语:永不止息的图景构建 绘画史,就是人类自我认知的编年史。每一次风格的更迭,都对应着社会思潮的一次深刻转向。本书旨在提供一个宏大而精微的视角,带领读者理解每一笔触背后的历史重量与文化意图,从而更深刻地欣赏人类文明的这场视觉盛宴。

作者简介

目录信息

前言神之舞(翠菊纪子绘)太阳下的武士(真绘)魔猴(文太625绘)蛮荒之海(真绘)第一章 创作角色 画人体(从基本图形开始) 练习角 实践页 画真人尺寸的人物 西方中世纪风格人物 教你画西方中世纪风格人物 科幻风格人物 教你画科幻风格人物 亚洲风格人物 教你画亚洲风格人物第二章 创建一个幻想世界 创建一个西方中世纪风格幻想世界 绘制彩色的西方中世纪风格幻想世界 创建一个科幻风格幻想世界 绘制彩色的科幻风格幻想世界 创建一个亚洲风格幻想世界 绘制彩色的亚洲风格幻想世界第三章 反面角色和辅助角色 画辅助角色 西方中世纪风格的辅助角色 科幻风格的辅助角色 亚洲风格的辅助角色 画反面角色 西方中世纪风格的反面角色 科幻风格的反面角色 亚洲风格的反面角色 敌方怪兽 西方中世纪风格的怪兽 以现实中生物体作为绘制怪兽的参考资料 亚洲风格的怪兽 友方怪兽 教你画友方怪兽 幻想的各种变体第四章 魔法和装备 分类设计魔法用具和装备 服装 设计西方中世纪风格的幻想服装 设计科幻风格的幻想服装 设计亚洲风格的幻想服装 武器 设计西方中世纪风格的幻想武器 设计科幻风格的幻想武器 设计亚洲风格的幻想武器 配饰 设计西方中世纪风格的幻想配饰 设计科幻风格的幻想配饰 设计亚洲风格的幻想配饰 魔法 西方中世纪风格幻想世界中的魔法 科幻风格幻想世界中的魔法 亚洲风格幻想世界中的魔法 魔法场景 绘制西方中世纪风格魔法场景 绘制科幻风格魔法场景 绘制亚洲风格魔法场景第五章 幻想漫画的绘制步骤 步骤一 提出一个创意 步骤二 构建情节 步骤三 绘制故事板 步骤四 画草图与描墨线 漫画作品 “魔法泉的探寻者”附录 作者范例 用数字技术绘制一个魔法场景 手工绘制西洋风格幻想漫画 用Photoshop绘制水画的反射效果 用Painter绘制童话风格漫画
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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看到这本书的封面设计,我就被那种独特的日式复古美学吸引住了。纸张的质感很不错,摸起来有点微微的粗粝感,内页的印刷色彩饱和度恰到好处,特别是那些关于光影和线条的细节处理,简直是教科书级别的示范。我尤其喜欢其中关于“人物情感表达”那一章的插图,作者用非常简洁的笔触勾勒出了复杂微妙的内心世界,比如一个角色因为小事而产生的犹豫和挣扎,通过眼神和肢体语言的微小变化就展现得淋漓尽致。很多现有的教程往往只停留在“怎么画得像”,而这本书更深入地探讨了“怎么画得有灵魂”。它不像那种生硬的技法手册,更像是一位资深前辈在午后咖啡时光里,耐心地为你拆解创作的底层逻辑。对于我这种长期困扰于角色表情僵硬的漫画人来说,这本书简直是拨开云雾的一缕清风,让我对漫画叙事的深度有了全新的认识。装帧方面也十分考究,拿在手里沉甸甸的,一看就是用心制作的作品,很值得收藏。

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这本书的装帧设计非常贴合其内容的高级感,厚实的封面让人联想到传统画册的典藏价值。我个人认为,对于一个成熟的漫画从业者来说,寻找一本能够突破瓶颈的参考书是至关重要的,而这本书恰恰提供了这种“破局点”。它没有过多纠缠于软件操作的细节,而是聚焦于“创意如何通过技术实现”这一核心问题。我印象最深的是关于“动态捕捉与夸张变形”的章节,作者展示了如何从现实生活中的慢动作视频中提炼出最富冲击力的瞬间,然后将其转化为漫画中极度流畅的运动轨迹,这种对动态瞬间的捕捉和再创造能力,是很多初学者难以企及的。这本书的价值在于,它不仅教你如何“画”,更教会你如何“看”和“思考”一个成功的漫画作品是如何被构建起来的。它绝对是那种值得反复翻阅,每次都会有新感悟的宝藏级别工具书。

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这本书的结构安排非常巧妙,它没有一上来就丢给你一堆复杂的透视原理或者人体解剖图,而是从最基础的“观察世界”开始引导。我最欣赏的一点是,作者似乎深谙“举一反三”的重要性,他总能用非常日常的场景来解释一些看似高深的艺术理论。比如,在讲解如何构建场景氛围时,他并没有直接给出完美的构图模板,而是让我们去留意雨后街道上积水反射的路灯光芒,然后将这种自然光影的特点抽象化,应用到漫画的背景处理中。这种将生活观察与艺术创作紧密结合的教学方式,极大地激发了我的创作灵感。我尝试着运用书里提到的“留白哲学”来处理一些对话场景,原本画面会显得拥挤不堪,但运用了这种手法后,人物的情绪反而被更好地突显了出来,画面瞬间有了呼吸感。这说明作者对漫画这种媒介的理解已经达到了一个非常高的境界,不仅仅是技巧的传授,更是思维方式的革新。

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这本书的实用性高到让人有些“害怕”。它不是那种只停留在理论层面,让你读完后觉得“道理我都懂,但我还是画不好”的尴尬境地。相反,它提供了一套非常系统化的“流程优化”方案。作者把整个漫画创作流程分解得极其清晰,从最初的文字脚本到最终的上色定稿,每一步骤都有明确的“自查清单”。我特别喜欢它在“线条运用”上的讲解,它将线条分为了“力量线”、“质感线”和“情绪线”,并配有大量的对比案例,让你清晰地看到,仅仅是改变线条的粗细和抖动程度,就能让同一个物体呈现出木头、金属或布料的不同质感。这套方法论让我开始有意识地去审视自己过去随心所欲的涂画习惯,迫使我建立起一种更具目的性的创作习惯。可以说,这本书像是为我的创作习惯做了一次彻底的“体检”和“升级”。

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我之前尝试过好几本国外的漫画教程,它们大多侧重于美式英雄漫画的夸张动态和肌肉表现,对于我个人偏爱的细腻、偏生活向的日式画风,总觉得水土不服。而这本则完全站在了日漫读者的立场上进行讲解,无论是角色比例的拿捏,还是分镜的节奏感处理,都充满了东亚文化特有的韵味。特别是在叙事节奏的控制上,书中详细分析了不同类型的漫画(比如少年漫的快节奏推进和少女漫的慢热情感铺陈)是如何通过分镜的疏密变化来控制读者的心跳的。我特别对其中关于“情绪对白气泡处理”的章节印象深刻,它解释了在特定情绪下,文字的字体、气泡的形状如何与人物的内心活动产生共振,这在很多漫画教程中是绝口不提的细节。读完这一部分,我回去修改自己的草稿时,发现仅仅是调整了几个对白框的尖角锐度,画面的戏剧张力就提升了好几个档次。

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