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出版者:TASCHEN Gmbh

作者:Ingrid Sischy

出品人:

页数:592

译者:

出版时间:2009-4-20

价格:GBP 44.99

装帧:Hardcover

isbn号码:9783836503280

丛书系列:

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浮雕与幻象：探索二十世纪雕塑的边界 本书并非关注当代波普艺术的某个特定代表人物，而是带领读者深入探究二十世纪雕塑艺术在材料、形式以及概念表达上的深刻演变与拓展。我们将目光投向那些勇敢地挑战传统雕塑范畴，试图用全新的语汇来定义“三维艺术”的先驱者们。 第一章：材料的叛逆——从青铜到日常物的飞跃 本章聚焦于材料在现代雕塑中的革命性角色转变。长期以来，雕塑被视为一种庄重、持久的艺术形式，青铜、大理石和花岗岩构成了其坚实的基石。然而，进入二十世纪，艺术家们开始对这些“高贵”材料产生质疑，转而拥抱那些原本被视为卑微、转瞬即逝，甚至是工业废弃的物质。 我们将详细分析立体主义（Cubism）如何通过拼贴（Collage）和组合（Assemblage）的方法，将报纸、木屑和铁丝引入雕塑领域。这不仅仅是手法的改变，更是对艺术品本体论的挑战——一件由垃圾构成的作品，其价值何在？我们追溯了野兽派和早期表现主义雕塑家如何运用粗粝的木料和未加打磨的陶土，以表达原始的情感冲动和对工业化异化的反抗。 更进一步，我们将探讨杜尚（Marcel Duchamp）的“现成品”（Readymade）概念，这一激进的举动彻底解构了“手工技艺”在雕塑定义中的中心地位。一个普通的瓶架、一个小便池，一旦被艺术家框定并命名，便获得了新的、纯粹的观念性存在。这一章节将深入剖析，从材料的物理属性到其所携带的文化指涉，是如何共同塑造了现代雕塑的内在张力。 第二章：空间的解构与重构——从体积到场域的转换 传统雕塑强调“实体感”和“体积”（Volume）。雕塑家们的工作是塑造一个占据空间的实体。然而，随着现代主义对抽象的追求，雕塑开始主动放弃固定的、封闭的体积，转而探索“负空间”（Negative Space）和“场域”（Field）的概念。 本章首先考察了立体主义对透视法的颠覆，如何使得雕塑从四面可观赏的对象，转化为一个由多个视角和平面构成的复杂系统。随后，我们将深入分析构造主义（Constructivism）在俄罗斯的兴起，特别是那些以金属和玻璃构建的、具有建筑尺度的作品。这些作品不再是放置在基座上的独立物体，而是试图介入并重塑周围环境的“结构”。 此外，我们还将着重分析后二战时期，如安迪·戈兹沃斯（Andy Goldsworthy）早期作品中对自然材料的临时性安置，以及伊夫·克莱因（Yves Klein）对“空间的吸收”的探索。雕塑不再是填满空间，而是定义、切割甚至“吸收”空间。作品的边界变得模糊，观众的运动轨迹和观察角度，成为构成作品不可或缺的一部分。雕塑从“物体”转向了“事件”或“关系网络”。 第三章：身体、叙事与非物质化——雕塑的行动性转向 在二十世纪中叶，雕塑艺术开始与其传统的叙事功能和对人体形态的模仿保持距离。新达达主义（Neo-Dada）和后来的行为艺术（Performance Art）的兴起，为雕塑注入了时间性和行动性。 本章考察了如何通过“身体作为媒介”来创作雕塑。我们分析了早期的行为作品，其中身体本身被用作一种可塑的、可被改变的材料。这种对身体介入的关注，极大地拓宽了雕塑的领域，使其与戏剧、舞蹈产生了深刻的交集。 接着，我们探讨了偶发艺术（Happenings）和环境艺术（Environmental Art）如何将“一瞬间的艺术体验”纳入雕塑的范畴。这些作品往往依赖于特定的时间、地点和观众的参与才能完整实现。它们是瞬时的、去物质化的，与传统的永恒性雕塑形成了鲜明的对比。例如，某些大地艺术作品，其材料——泥土、岩石——虽然是物质的，但其形态的改变却完全受制于风化和时间的力量，暗示了人类创造物在自然力量面前的短暂性。 最后，我们将触及观念艺术（Conceptual Art）对雕塑的最终解放。在观念艺术的框架下，作品的“物质载体”可以被简化到极致，甚至只剩下文字或图纸。雕塑的本质被抽离出来，成为一个纯粹的思想命题。这一阶段的作品挑战了美术馆对“可收藏的、可展示的物质对象”的传统定义。 结语：模糊的疆界与未来的可能性 二十世纪的雕塑艺术是一部不断“自我否定”和“自我扩张”的历史。从对材料的解放，到对空间和时间的重新定义，再到对艺术主体性的深刻反思，雕塑早已不再是那个坐在博物馆大厅里的青铜巨人。它渗透到建筑、设计、日常生活的边缘，成为了衡量当代文化复杂性的一个敏感指标。本书旨在提供一个宏观的、聚焦于方法论和概念演变的视角，理解雕塑艺术如何挣脱束缚，成为一个充满活力的、不断自我更新的领域。

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说实话，我读这本书的时候，感觉就像是被困在一个巨大的、装饰过度但内容空洞的迷宫里，每走一步都觉得脚下的地毯比上一块更加奢华，但出口却遥不可及。我一直试图在字里行间捕捉到那种能让人醍醐灌顶的“灵光一现”，那种让艺术评论变得有价值的洞察力，但很遗憾，这本书提供给我的，更多是一种持续的、令人疲惫的审美轰炸。作者似乎对“颠覆”有着近乎偏执的追求，但他所采用的方式，在我看来，更像是对既有观念的拙劣模仿与夸张堆砌。我特别注意到其中一个章节，详细描述了一场持续了近五十页的“关于一个玻璃碗的哲学辩论”，参与者都是一些我从未听闻过的、自诩为先锋的声音。他们的对话充满了圈内人才懂的行话和互相吹捧，读起来让人感觉自己像个局外人，被隔绝在一个不透明的玻璃罩外，只能模糊地看到里面的景象。当我合上这本书，唯一留下的印象是喉咙有些干涩，因为我总想大声质问作者：这些重复的、自恋的叙事究竟想证明什么？它没有提供任何可以让我带入现实生活去思考的支点，它只是悬浮在一种高高在上的、自我满足的语境中，像是一个打着精致包装却塞满了碎纸片的礼物盒。我更倾向于去读一些扎实的、关于技术革新的书籍，至少它们能给我带来可量化的进步感，而不是这种徒劳的、精神上的“漂浮”。

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这本所谓的“深度作品”，在我看来，最大的问题在于它的过度自我参照性。它似乎只对自己内部的符号系统负责，完全不考虑外部世界的任何参照物。我是一个对视觉文化有着浓厚兴趣的旁观者，我希望从书里读到一些关于这个快速变化的数字时代，艺术如何应对信息爆炸和注意力稀缺的策略。这本书里，作者似乎完全生活在一个真空之中，他讨论的艺术实践，仿佛与我们当下正在经历的现实、我们每天接触到的海量图像流毫无关系。全书充斥着一种“过去已经过去，未来尚未到来，唯有此书中的理论是永恒的”的傲慢气息。每当我觉得自己快要抓住某个核心论点时，作者总能用一句更加高深的、充满了拉丁词汇的句子将我推开。我甚至怀疑，作者本人是否真的完全理解他所写下的每一个字，还是说，这只是一场精心策划的、用专业术语构筑起来的“烟雾弹”。我更愿意花时间去翻阅一本关于城市规划的旧杂志，至少那里面能看到人与空间真实互动的痕迹，而不是这种漂浮在云端的、不接地气的理论构建。阅读的体验是沉重的，压抑的，仿佛被要求去欣赏一幅只用黑白两色绘制的、结构复杂到令人头晕的抽象画作，而你却看不出其中任何可以让你产生情感共鸣的元素。

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这本书，坦白讲，我是在一个阳光明媚的周日下午，心血来潮地从角落的书架上抽下来的。封面设计就透着一股难以言喻的疏离感，那种饱和度极高的色彩堆砌，总让我想起某个八十年代末的广告片，充满了对“完美”的病态崇拜。我原本期待能读到一些关于当代艺术商业运作的深刻剖析，或者至少是某个艺术家成名前后的心路历程。然而，翻开第一页，迎接我的是一连串冗长、几乎可以被视为“宣言”的文字，它们似乎在试图构建一个全新的美学体系，但语言本身却异常空洞，像是一堆精心挑选的、但缺乏灵魂的辞藻。叙事节奏极其缓慢，作者似乎沉迷于对日常物件进行不必要的、近乎病态的细节描摹，仿佛只要描述得足够详尽，物件本身就能自动升华出意义。我花了将近两个小时才读完前三章，期间不得不依靠不断地喝咖啡和起身走动来保持清醒。对我而言，阅读过程更像是一种需要完成的任务，而非享受，那些关于“符号的解构与重构”的论述，最终在我脑海中只留下了一团模糊的、缺乏焦点的影像，远不如我此刻看着窗外那辆疾驰而过的黄色出租车来得真实和具有冲击力。这本书，与其说是在探讨艺术，不如说是在展示一种作者自我感觉良好的、对艺术的过度阐释，读完后，我只觉得更困惑了：困惑于我为何要浪费时间在这些华丽的辞藻迷宫里打转。

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我最终放弃了试图去“理解”这本书的意图，转而纯粹地将其当作一个物体来审视。从物理层面上讲，它的装帧确实无可挑剔，纸张的质感光滑细腻，油墨的印刷精度极高，体现了出版商在工艺上的巨大投入。然而，这种外在的完美，恰恰反衬了内在内容的贫瘠。这本书给我最大的教训是：外表的奢华绝不等同于思想的深度。我尝试用一种近乎戏谑的态度去阅读它，试图从中找出荒谬之处以减轻我的阅读负担，但作者的严肃性却像一道坚硬的屏障，不允许任何轻松的解读。书中的案例分析，总是以一种“此乃典范”的口吻出现，但提供的佐证材料却少得可怜，更多的依赖于作者本人的权威性断言。就好比一个厨师告诉你他的这道菜是米其林三星的最高水准，但你却只能看到一个空盘子，并被告知“想象它的味道”。我的耐心在第三百页彻底耗尽，我意识到，这本书需要的不是一个读者，而是一个盲目的信徒。我宁愿去看一部充满 B 级片元素的独立电影，至少那部电影会诚实地展示它的廉价和粗糙，而不是像这本书一样，披着学术的外衣，却在核心上空无一物，让人在读完之后，只剩下一种被精致地愚弄了的空虚感。

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这本书的排版和字体选择，初看之下，确实体现了一种“极简主义”的倾向，但这种极简很快就被内容上的极繁所抵消。我原本以为这会是一本能够引导我深入理解某种特定创作手法的指南，毕竟作者的名声在外，总该有些独到的见解吧？然而，我发现自己不得不一遍又一遍地重读某些段落，不是因为它们蕴含深意，而是因为它们写得实在太过晦涩、逻辑跳跃得太过剧烈。想象一下，你正在阅读一篇关于量子力学的科普文章，突然间，作者话锋一转，开始引用一段完全不相关的、中世纪修道士的手稿内容来作为论据，而且没有给出任何过渡性的解释。这本书就是这种感觉的集合体。我试着去寻找那些能连接作者思想与我个人经验的桥梁，比如对创作过程中的挣扎、对失败的坦诚，或者对某种媒介特性的深入挖掘。但这些“人性”的部分几乎被完全剔除了，剩下的只有冰冷的、被高度提炼的“理念”。说实话，这更像是一份关于“如何显得有文化”的教科书，而不是一本真正富有生命力的艺术著作。它成功地把自己塑造成了一个需要被膜拜的对象，却完全忘记了与读者进行真诚的对话。

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对他老婆的菊花印象颇深~~~

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对他老婆的菊花印象颇深~~~

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挺全的

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taschen出的九成新。内容丰富，主要几个系列都有。400元。

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挺全的